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26 mai 2016 4 26 /05 /mai /2016 09:39

le navire-est-voile-3 (Petit)                                                                                  

                         

Bienvenue sur ce blog, où je propose à votre curiosité plusieurs rubriques, dont celles des CINEMAS FRANCAIS, AMERICAIN, EUROPEEN et ASIATIQUE.

 

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Vous trouverez également une rubrique dédiée aux   ACTEURS DU 7e ART  qui ont contribué, par leur talent, à confirmer le succès d'un film et à le rendre plus présent dans nos mémoires.

  

Une autre à mes BILANS CINEMATOGRAPHIQUES et aux articles panoramiques qui font état de l'impact d'un pays dans le monde du 7e Art.


  

Sans oublier celle des  REALISATEURS,  afin de vous entretenir de leur travail, de leur singularité, de leur apport au cinéma international et de leur rayonnement. 

 

 

DERNIERS ARTICLES PUBLIES ( cliquer sur leurs titres pour en prendre connaissance ) :
 


 

MON PETIT DOIGT M'A DIT de PASCAL THOMAS  ( ce soir sur France 3 à 20h55 ) 
 
 
 

 

 

       Collection AlloCiné / www.collectionchristophel.fr

  

Aventurier Films  Les Acacias  Action Cinémas / Théâtre du Temple  Films sans Frontières

 

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LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS 

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LISTE DES ARTICLES - ACTEURS DU 7e ART  

LISTE DE MES BILANS CINEMATOGRAPHIQUES   

 

 

Truffaut.jpg   Charlie-Chaplin.jpg   Visconti.jpg   Won-kar-Wai.jpg  

 

J'espère que cette diversité vous plaira. Chacun peut ainsi se promener à sa guise, selon sa curiosité et ses goûts. Bonne visite ! Et faites-moi part de vos commentaires. Ils seront les bienvenus.

 

Egalement mes articles sur mon nouveau blog  :   INTERLIGNE   

 et ma collaboration avec   :

 

Agoravox      CINESPAGNE      ESPRITS LIBRES           

IDEOZ       SensCritique      SITE FACEBOOK

 

 130-331 01 Catherine Deneuve-jeune-  rouge-clown-Giulietta Masina--strada-grand 


   Henry Fonda 6635_130564850760.jpg ce.jpgMichel-20Serrault.jpg 

 

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26 mai 2016 4 26 /05 /mai /2016 09:36
Mon petit doigt m'a dit de Pascal Thomas

Prudence Beresford et son mari Bélisaire rendent visite à leur tante à la campagne. Intrigué par la disparition d’une vieille dame croisée dans une maison de retraite, le couple d’ex-agents secrets décide de mener l’enquête. Une série de crimes inexpliquée et de suspects trop nombreux vont compliquer cette étrange affaire.

 

 

Des répliques qui font mouche, un rythme soutenu, une histoire loufoque mais menée avec maestria, voilà une adaptation d’un roman d’Agatha Christie parfaitement réalisée grâce à l’ivresse des mots, à  un cadre bucolique magnifié par une photographie soignée et des acteurs au mieux de leur forme, contribuant au charme évident de cet opus intemporel. Dans le rôle de Prudence, Catherine Frot est pétillante de drôlerie face à un André Dussolier qui semble s’amuser follement. Le couple fonctionne à merveille, ayant déjà assuré le succès d’un précédent film « La dilettante » en 1998. Les seconds rôles sont tenus avec pertinence par des acteurs que l’on prend plaisir à croiser : Geneviève Bujold, Valérie Kaprisky, Alexandra Stewart, Laurent Terzieff, tous exhumés de saisons cinématographiques antérieures et dont les silhouettes ne peuvent manquer de nous toucher. Après des débuts difficiles, Pascal Thomas nous offre là un film bien ficelé, d’un humour revigorant, loin du maladroit « Zozos », où il ose assumer un style plus personnel, mêlant astucieusement les éléments propres à un polar à une note pimentée de fantastique gothique, association des genres qui déroute et séduit. Un bon  moment de cinéma.

 

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Mon petit doigt m'a dit de Pascal Thomas
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12 mai 2016 4 12 /05 /mai /2016 09:48
CAFE SOCIETY de WOODY ALLEN
CAFE SOCIETY de WOODY ALLEN

 

Avec ce nouveau film, qui ouvre le Festival de Cannes 2016, Woody Allen nous prouve, si besoin était, qu’il n’a perdu ni l’inspiration, ni l’élégance, ni l’humour, ni la nostalgie qui ont baigné la quasi-totalité de son œuvre. Une fois encore, le cinéaste traite avec légèreté des choses graves et le charme puissant qui traverse sa filmographie ne cesse de l'enluminer avec bonheur. Est-ce la raison qui fait dire à certains grincheux qu'il réalise toujours le même film ? Mais tout grand artiste, qu’il soit écrivain, musicien ou peintre, ne fait jamais que creuser en permanence le même sillon. Ainsi est-il facile de trouver des points communs avec certaines de ses oeuvres précédentes : "Radio Days", "Manhattan", "Celebrity" ou "Stardust Memories", clins d’œil habiles adressés au passé. Et comment envisager l'avenir sans convoquer le passé ? Woody le sait mieux que personne.


 

New York, dans les années 30. Coincé entre des parents conflictuels, un frère gangster et la bijouterie familiale, Bobby Dorfman a le sentiment d’étouffer. Il décide donc de tenter sa chance à Hollywood où son oncle Phil, puissant agent de stars, accepte de l’engager comme coursier. À Hollywood, Bobby ( excellent Jessie Eisenberg ) ne tarde pas à tomber amoureux de la jeune et ravissante secrètaire de son oncle ( Kristen Stewart ). Malheureusement, la belle n’est pas libre et il doit se contenter de son amitié. Jusqu’au jour où elle débarque chez lui pour lui annoncer que son petit ami vient de rompre. Soudain, l’horizon s’éclaire pour Bobby et l’amour semble à portée de … coeur. Mais de nouvelles difficultés vont subvenir pour contrarier ses espérances et décider de sa vie…autrement.
 

 

Outre les années 30, décennie sacrée pour le réalisateur, et le jazz New-Orléans dont on sait combien il l'apprécie, Woody reprend  nombre de ses thèmes favoris : le juif new-yorkais, la sculpturale et tendre californienne, la délicieuse atmosphère d’un passé révolu. Chacun des personnages est conscient qu’il ne laissera pas de trace dans ce beau monde clinquant, aussi s’en remet-il à ses rêves qui expriment sans doute le meilleur de lui-même. "Dreams are dreams" se répète Bobby comme pour mieux s’en convaincre. N’est-ce pas Woody lui-même qui, méditant sur sa fin prochaine, est conscient que la poésie de l’inaccessible est ce qu’il y a en nous de plus persistant et de plus vrai. Soulignons à ce propos combien la photographie de Vittorio Storaro est pour beaucoup dans la réussite de « Café Society », oeuvre d'un magicien de l'image. Chaque plan est une merveille, d’une richesse époustouflante en matière de lumière, de couleur et de contraste. Et la même poésie se dégage de chaque scène, comme si les protagonistes baignaient dans un univers fantasmagorique. Et je n'oublierai pas la musique jazzy merveilleuse et les acteurs : la formidable prestation de Jessie Eisenberg toute en nuance et en finesse, la grâce délicate de la très jolie et charismatique Kristen Stewart qui illumine la pellicule, et les silhouettes hautes en couleur des personnages secondaires qui parcourent le film et lui confèrent sa réalité tangible, dont Ben, le beau-frère de Bobby, ce mauvais garçon qui a la gâchette facile et tue sans atermoiement, l'autre beau-frère qui se sent en permanence responsable de son prochain, enfin le père qui bougonne constamment contre le silence de Dieu - (mais pas de réponse, c'est déjà une réponse). Pour toutes ces raisons, et pour bien d’autres encore, « Café Society » ne peut être réduit à un simple prolongement de l’œuvre de Woody Allen, mais bien à une forme de renaissance, conduite de main de maître  par un expert du 7e Art et un homme aux nostalgies d’une incontestable poésie. Cela, pour notre plus grand bonheur. Courez voir ce petit bijou. Vous ne serez pas déçu.

 

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Et pour prendre connaissance de l'article consacré à ce réalisateur, cliquer sur son titre 

 

"Woody Allen, un génie touche à tout"

 

 

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CAFE SOCIETY de WOODY ALLEN
Jessie Eisenberg, Kristen Stewart et Woody Allen
Jessie Eisenberg, Kristen Stewart et Woody Allen

Jessie Eisenberg, Kristen Stewart et Woody Allen

l'actrice Blake Lively avec Jessie Eisenberg et Steve Carrel
l'actrice Blake Lively avec Jessie Eisenberg et Steve Carrel

l'actrice Blake Lively avec Jessie Eisenberg et Steve Carrel

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13 avril 2016 3 13 /04 /avril /2016 10:31
La liste de Schindler de Steven Spielberg

« La liste de Shindler »  est l’histoire authentique d’Oskar Schindler, homme d’affaire autrichien, qui profita, dans un premier temps, de la guerre et de la main-d’œuvre juive à bon marché pour en tirer profit. Mais prenant conscience du génocide qui se prépare et de la barbarie nazie, il va changer son fusil d’épaule et mettre tout en œuvre pour sauver le maximum de personnes ( plus de mille ) condamnées à l’extermination dans le camp de Treblinka.

 

A partir de cette bouleversante histoire, Steven Spielberg  bâtit un film inoubliable, le plus beau sans doute sur la shoah, son chef-d’œuvre, film qui ne reçut pas moins de 12 nominations aux Oscars dont celui du Meilleur film et du Meilleur réalisateur et qui nous pétrifie d’émotion tellement il touche juste et profond... Conscient de réaliser le film de sa vie, Spielberg oublie l’insouciance de son cinéma habituel (Jurassic Park par exemple) pour livrer un constat implacable sur l’une des périodes les plus noires de l’humanité. A travers le destin d’Oskar Schindler, Spielberg filme le travail souterrain d’un homme touché par la bienfaisance au milieu de la cruauté et de la brutalité absolues de l’Allemagne nazie, en évitant judicieusement les pièges du pathos. Servi par un noir et blanc brumeux, presque fantomatique, tout en contraste, qui convient particulièrement à la dramaturgie du sujet, le réalisateur a opté pour un narratif quasi documentaire qui sait  doser une violence à la fois latente et insoutenable. Oui,  Spielberg cesse d’improviser avec sa caméra, comme il se plaît si souvent à le faire, et ne retient, en l’occurrence, que la grammaire cinématographique qu’il maîtrise à la perfection. A cette (rare) occasion, il laisse les événements  parler d’eux-mêmes, se contentant d’une rigoureuse mise en images, cela avec une austérité  dont on ne peut que le féliciter. Il en résulte un témoignage d’un réalisme poignant, servi par une musique belle et des acteurs remarquables de vérité et de tempérance. Saluons au passage la performance de Liam Neeson en tout point admirable. Un film à voir et revoir car il est une leçon d’humanité face à une barbarie sans précédent. Une palpitante lumière au plus profond des ténèbres.

 

 

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La liste de Schindler de Steven SpielbergLa liste de Schindler de Steven Spielberg
La liste de Schindler de Steven Spielberg
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26 mars 2016 6 26 /03 /mars /2016 11:35
The Lady in the Van de Nicholas Hytner

A l'heure où l'autofiction fait florès dans le roman français, un auteur anglais Alan Bennett se posait la question de dissocier l’auteur de son double. L'expérience qu'il a vécue est si originale qu'elle serait la matière idéale d'un livre. L'écrivain en fera une pièce de théâtre dans laquelle a joué Maggie Smith en 1999 et la même actrice est sollicitée par Nicolas Hytner pour interpréter à l'écran  cette Miss Shepherd, une femme clochardisée acariâtre et sale. L’histoire est bien réelle, comique et touchante, celle de la relation qui va progressivement s’établir entre l’écrivain solitaire et cette femme, qui a élu domicile à la suite d’une mystérieuse tragédie dans une camionnette, qu’elle gare définitivement aux abords du domicile de l’écrivain et dramaturge qui va devenir, par la force  des choses, son protecteur et son confident. Ainsi, ils vont vivre ensemble une amitié paradoxale et cocasse, non dénuée de pittoresque et d’humour. Car, entre le dramaturge égocentrique interprété par  Alex Jennings et la vielle dame irascible, excentrique et un brin follette, admirablement campée par Maggie Smith, les échanges relèvent parfois de  la commedia dell'arte.

 

 

Je suis allée voir le film pour elle bien sûr, cette actrice de 60 ans de scène et d’écran qui est sans doute ce que l’on fait de mieux en Grande-Bretagne, une comédienne rouée et incontournable dont on se souvient à quel niveau elle a hissé son rôle de comtesse douairière de Grantham dans l’excellente série « Dowton Abbey », parvenant au niveau ultime de la célébrité tant elle y est irrésistible… Oui, pour rien au monde je ne voulais rater cette nouvelle prestation. Maggie est évidemment parfaite et porte sur ses épaules le film qui manque souvent de souffle et de conviction et qu’elle sur-joue parfois pour lui donner plus de relief et de crédibilité. Oui, sa verve évite au récit l’écueil de la morosité que l’écrivain homosexuel dépressif a trop tendance à côtoyer et qui  prive l’opus du dynamisme auquel je m’attendais. Entre le dramaturge et cette vieille dame isolée, qui se ferait arracher le cœur plutôt que de céder au sentimentalisme, la relation en dents de scie a tout de même une touchante résonance. Mais on aurait aimé plus d’inventivité, plus de finesse, plus de saveur. 

 

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The Lady in the Van de Nicholas Hytner
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24 mars 2016 4 24 /03 /mars /2016 10:06
Coup de foudre à Notting Hill de Roger Michell

"Coup de foudre à Notting Hill" se présente comme un habile brassage de style entre "Quatre mariages et un enterrement" et "Pretty Woman". Du premier, il reprend le producteur, le scénariste, le directeur de la photographie, l'acteur principal Hugh Grant, l'humour très british pratiquant l'autodérision et le fait de mettre en avant toute une série de personnages secondaires dont on nous présente les traits de caractère les plus marqués. Du second, il s’approprie l'actrice principale, Julia Roberts, et la trame de l'histoire, sorte de conte de fée pour grandes personnes où un couple improbable se forme, constitué de deux personnes situées à l'opposé l'une de l'autre sur l'axe de l'échelle sociale. Mélangeant rires et émotions, ce film à l’eau de rose n’a d’autre ambition que d’être  un divertissement léger et sans prétention, susceptible de satisfaire la plupart de ceux qui avaient apprécié les deux films précédents et, en effet, le succès n’a pas manqué d’être au rendez-vous, attirant autant de spectateurs en France qu'un James Bond de la haute époque.



L’un des éléments de ce succès est d'avoir été tourné au sein même d'un des quartiers les plus pittoresques de Londres, le réalisateur Roger Michell restituant parfaitement l'atmosphère si particulière de la capitale britannique et plus précisément le quartier de Notting Hill. Cela ressort d'autant plus que dans le monde d'aujourd'hui la plupart des villes d'Europe se fondent dans un moule de plus en plus stéréotypé concernant leur ambiance, leurs boutiques et les spectacles qu'elles proposent. Le film se cristallise, par ailleurs, sur l’évolution irrésistible des amours de William Thacker ( Hugh Grant ) et d’Anna Scott ( Julia Roberts ), contrariée par la célébrité de l'actrice, célébrité qui l’expose en permanence à être la cible des paparazzi. Le scénario est à la fois une satire de la presse à scandale et une charmante bluette où l'on se demande, sans vraiment s'inquiéter pour eux, comment les deux tourtereaux vont parvenir à vaincre les forces qui les éloignent continûment l'un de l'autre. La peinture aigre-douce et la mise en avant de nombreux personnages secondaires est typique du style du scénariste Richard Curtis. Chaque figure a ses côtés attachants et irritants, à l'image de Spike (Rhys Ifans), le colocataire de William, doté d'un humour plus que douteux. La sœur de William, Honey (Emma Chambers) est une godiche empruntée à souhait, tandis que la personne la plus sensée de l’entourage, Bella (Gina McKee) est clouée dans un fauteuil roulant, mais sait faire preuve d'une vraie joie de vivre. Si l'on ajoute à l'entourage de William, Martin, son employé à la librairie (James Dreyfus), et Bernie, un agent de change gaffeur (Hugh Bonneville), on obtient une joyeuse bande de citoyens ordinaires avec leur vie de tous les jours, leurs travers, leurs émotions et leurs rêves. Tous souhaitent le bonheur de William et ont immédiatement adopté Anna qui force la sympathie par son charme et sa simplicité.


 

Mais le mérite principal de l’opus revient indiscutablement à la présence de deux acteurs qui rivalisent de charme : la délicieuse Julia Roberts qui est alors au faîte de sa grâce et à Hugh Grant, véritablement irrésistible en Roméo de quartier. Devenue culte, cette comédie romantique, aussi convenue qu’elle soit, leur doit l’essentiel de sa séduction.

 

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Coup de foudre à Notting Hill de Roger Michell
Coup de foudre à Notting Hill de Roger Michell
Coup de foudre à Notting Hill de Roger Michell
Coup de foudre à Notting Hill de Roger Michell
Coup de foudre à Notting Hill de Roger Michell
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20 mars 2016 7 20 /03 /mars /2016 09:56
Pas de printemps pour Marnie de Alfred Hitchcock

Mark Rutland, un riche homme d’affaires, s’aperçoit que sa secrétaire-comptable lui dérobe de l’argent. Intrigué par son comportement et attiré par sa fascinante beauté, il  découvre peu à peu son trouble passé et lui donne le choix entre le mariage ou la dénonciation à la police.

 

 

En ce début des années 60, Alfred Hitchcock, passionné pour le roman de Winston Graham Marnieengage trois scénaristes successifs pour arriver à l’adapter au cinéma et va proposer le rôle- titre à la princesse de Monaco qui accepte dans un premier temps. Lorsque Grace Kelly finit par y renoncer pour de multiples raisons, Hitchcock offre le rôle à Tippi Hedren qu’il a déjà fait tourner dans « Les Oiseaux ». Et, contre toute attente, il choisit de lui donner pour partenaire Sean Connery, alors connu pour son interprétation de  « L’agent secret 007 ». Malgré l’aspect improbable du duo, le couple fonctionne particulièrement bien et propose une interprétation bien plus moderne que prévu initialement.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Hitchcock reprend ici la formule expérimentée  dans « Psychose »: il débute son film comme une classique histoire de vol afin de captiver le spectateur, avant de faire glisser son œuvre vers tout autre chose un véritable drame psychologique où l’on assiste à la renaissance d’une femme détruite par un traumatisme vécu durant sa petite enfance, plongeant son opus dans un répertoire proprement freudien. D’une grande modernité par l’audace des thèmes abordés (la frigidité, le viol et la puissance destructrice de la libido et du refoulé), ce long métrage bénéficie d’un jeu d’acteurs impeccable, d’une musique percutante de Bernard Herrmann et d’une réalisation subtile et convaincante. Non dépourvu de fulgurances et de lyrisme (les séquences de l’orage ou encore la chute de cheval), ce chant d’amour entre un homme ordinaire et une femme blessée fut néanmoins un échec commercial à l’époque à cause de son caractère inattendu. Aujourd’hui,  « Pas de printemps pour Marnie » compte parmi les films importants de Hitchcock qui, le premier, osait aborder un thème nouveau dans le 7e Art, celui de la psychanalyse. Un bijou du suspense et une intrigue haletante, parfaitement maîtrisée, servie par des acteurs totalement engagés dans leurs rôles respectifs.

 

 

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Pas de printemps pour Marnie de Alfred Hitchcock
Pas de printemps pour Marnie de Alfred Hitchcock
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14 mars 2016 1 14 /03 /mars /2016 10:37
La Veuve de Saint-Pierre de Patrice Leconte

 

Le réalisateur de « Ridicule » filme une histoire d'amour fou et dénonce la peine de mort, le tout dans les glaces de Saint-Pierre-et-Miquelon au milieu du XIXe siècle. 

 


Dans l'embrasure de la fenêtre,  une femme en robe noire a l'oeil perdu dans le vide. C'est Juliette Binoche. Une veuve qui donne toute son incandescence à cet opus. Après « Une fille sur le pont »,  où Daniel Auteuil, lanceur de couteaux, avait  le coup de foudre pour Vanessa Paradis, Patrice Leconte continue dans la veine d'un romantisme en costume, au risque de faire ricaner un peu plus cette partie de la critique qu'imprudemment il avait accusée de tous les maux... Mais en confirmant son éclectisme, lui qui, parti de la grosse comédie « Les vécés étaient fermés de l'intérieur » a tout aussi bien mis en scène « Les Bronzés » qu'une adaptation dépouillée  de Simenon « Monsieur Hire » et un éblouissant film à costumes sur l'hypocrisie de la cour versaillaise  « Ridicule », assume son goût de la diversité avec « La veuve de saint-Pierre », une histoire captivante sur fond de meurtre, de guillotine et de lutte contre une société sclérosée qui ne vit que pour les apparences. Juliette Binoche prouve une fois de plus l’étendue de son jeu à la fois subtil et fiévreux.

 

Cette passion nous est contée avec le recul nécessaire grâce aux interprètes et aux images et le souci d’une mise en scène dépouillée qui nous introduit de plein pied dans un univers  austère et clos.  En flash-back, voici l'histoire tragique d'une femme amoureuse et emplie de bons sentiment qui est  persuadée que chacun peut avoir une deuxième chance et qui, pour mettre sa vie en harmonie avec ses convictions, précipitera l'homme qu'elle aime vers le déshonneur et la mort...


Juliette Binoche est  l’épouse très amoureuse du capitaine chef militaire de « l'île à morue »  ( Saint-Pierre et Miquelon ), interprété par Daniel Auteuil. Nous sommes en 1850, la petite société des notables  se révèle conservatrice, rigide et cancanière, aussi  regarde-t-elle  avec méfiance ce jeune couple qui, souvent, chevauche sur la lande un étalon noir. Mais un soir de brume épaisse, un marin, pris de boisson, poignarde un habitant. Condamné à mort, il doit être guillotiné. L'île ne possédant ni bourreau, ni guillotine (aussi appelée « la Veuve »), il faut attendre d’en faire venir une. L'assassin, qui a une bonne tête, est confié  alors à la garde du capitaine, dont la femme, que les îliens nomme madame La, entreprend de réhabiliter. Persuadée qu'aucun homme n'est fondamentalement méchant, elle l'utilise pour ses menus travaux, notamment de jardinage, le sort de son cachot, lui fait traverser l'île afin qu’il l’aide dans ses oeuvres de bienfaisance et commence même à lui apprendre à lire. L'homme, doux et gentil, devient très populaire. Quand arrivent sur l'île une « veuve » trouvée en Martinique et un bourreau débutant, le capitaine est au pied du mur : écoutera-t-il son devoir ou sa femme ?

 

Cette histoire est inspirée d'un fait divers réel. Belle preuve d'amour que celle donnée par l'officier à l'oeil sombre qui reste, en toutes occasions, droit dans ses bottes. Belles images aussi  que celles tournées sur place dans un froid polaire, un décor de glace. Belle idée, que celle de ce combat d'avant-garde contre la peine de mort. Binoche, à qui le deuil sied, nous séduit par son jeu très intériorisé et sa grande élégance morale et Daniel Auteuil dans son rôle d’homme amoureux qui cédera aux idéaux de son épouse, au mépris de son propre statut. Convaincant également  Emir Kusturica  qui prête sa silhouette de géant massif et son sourire tendre au personnage de Neel, marin meurtrier et condamné, que la protection de Madame La ne parviendra pas à sauver...

 

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La Veuve de Saint-Pierre de Patrice Leconte
La Veuve de Saint-Pierre de Patrice Leconte
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9 mars 2016 3 09 /03 /mars /2016 11:26
Les couples immortels du 7e Art

La vie privée des stars enflamme l’imagination du public, surtout si l’écran propose un écrin privilégié à leurs amours, réelles ou supposées.

 

Ce n’est qu’une image ! Celle d’un homme et d’une femme dansant à l’unisson. La minute d’avant, la discussion n’aboutissait pas et là, soudain, alors que la musique s’élève et qu’il attrape sa main, la magie opère. L’amour, le partage, la joyeuse harmonie de la vie à deux éclaboussent l’écran. Fred Astaire et Ginger Rogers, partenaires de dix comédies musicales ont, mieux que quiconque, personnifié cette perfection amoureuse. Il suffit de voir « Carioca », « La grande farandole » ou « Le danseur du dessus » pour se convaincre de la subtilité de leur entente. Leur romance à l’écran – toujours discrète, faite d’effleurements et de baisers sur la main – ne se poursuivait pas au dehors, ne se déclinait pas dans la vie courante et pourtant ! Ginger et Fred sont, dans l’esprit des spectateurs du monde entier, l’image du couple par excellence.

 

Sources : Laurent Delmas

Les couples immortels du 7e Art

Entre Spencer Tracy et Katharine Hepburn, réunis dans « La femme de l’année » en 1942, le coup de foudre est immédiat. Elle était anguleuse, excentrique, aventureuse et rousse. Lorsqu’ils se croisèrent, Katharine vit aussitôt le regard désapprobateur de Spencer sur ses éternels pantalons d’homme. Elle lança aussitôt du haut de ses semelles compensées : « Monsieur Tracy, vous êtes plutôt petit ! » Joseph Mankiewicz, le producteur du film, qui assistait à la scène, répliqua : « N’ayez crainte, il vous mettra à sa taille ! » Ils avaient en commun un bon mètre quatre-vingt. Suivirent vingt-sept années d’une vie à deux et huit autres films. L’alchimie entre eux culmine dans « Madame porte la culotte » en 1949. Leur histoire ne fut jamais la proie des feuilles à scandales – il avait sept ans de plus qu’elle et était marié. Comme si la très puritaine Amérique ne pouvait s’offusquer devant tant d’amour vécu avec la force de l’évidence.

Les couples immortels du 7e Art

 

Lorsque Clark Gable épouse Carole Lombard en 1939, ils n’avaient tourné qu’un film ensemble « Un mauvais garçon » en 1932. Il était en train de s’immortaliser en Rhett Butler dans « Autant en emporte le vent », elle était la blonde la plus sophistiquée et la plus drôle de Hollywood. Leur couple fut idolâtré par les foules pendant les trois années de leur union. Elle mourut dans le crash d’un avion alors qu’elle participait à l’effort de guerre, le 16 janvier 1942. Leur vie ressemblait à une comédie romantique, la tragédie authentique acheva de lui donner son lustre glamour.

Les couples immortels du 7e Art
Les couples immortels du 7e Art

 

La rencontre du dernier couple mythique de Hollywood a lieu en 1945. Elle avait vingt ans et lui vingt-cinq … de plus. Dès que Humphrey Bogart enserre la taille de Lauren Bacall dans « Le port de l’angoisse », c’est le grand frisson. Suivront un mariage, dès la fin du tournage, et douze années de vie commune stoppées par la mort de Bogart en 1957. L’amour qui flotte entre eux dans chaque plan des quatre films, qu’ils tournèrent ensemble, est palpable. Il arrive que l’art et la vie soient indissociables.

 

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Les couples immortels du 7e Art
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7 mars 2016 1 07 /03 /mars /2016 10:56
Boulevard du crépuscule de Billy Wilder
Boulevard du crépuscule de Billy Wilder

Billy Wilder nous convie à visiter les coulisses du vieil Hollywood et nous livre, par la même occasion, un chef d’œuvre savamment équilibré et d’une grande liberté de ton pour l’époque. A cela s’ajoute une interprétation de tout premier ordre. L’histoire est celle de Norma Desmond, grande actrice du muet, qui vit recluse dans sa luxueuse villa de Beverly Hills en compagnie de Max von Meyerling, son majordome, qui fut aussi son metteur en scène et mari. Joe Gillis, un scénariste sans le sou, pénètre par hasard dans la propriété et Norma lui propose de travailler au scénario du film qui marquera son retour à l’écran. Joe accepte, s’installe chez elle, à la fois fasciné et effrayé par ses extravagances et son délire, et devient bientôt son amant...

 


Fidèles compères depuis leurs débuts vers 1942, les scénaristes Charles Brackett et Billy Wilder ont collaboré de façon complémentaire durant les années 40 (le premier intervient comme producteur tandis que le second réalise), signant bon nombre de chefs d’œuvre comme « Assurance sur la mort » (1944) ou « La scandaleuse de Berlin » (1948). Leur  dernière création  constitue l’apogée de leur style, faisant de « Sunset Boulevard », en 1950, l’œuvre la plus marquante sur un Hollywood déclinant et sans aucun doute l’un des meilleurs films de Billy Wilder.

 



Cet opus crépusculaire conte avec  subtilité et réalisme la disparition progressive d’un monde balayé par la modernité. Dès les premiers plans, le cinéaste impose son style grâce à des décors gothiques qui semblent d’un autre âge et l’intrusion de la voix off d’un personnage déjà mort. Cette voix d’outre-tombe nous accompagnera tout au long de ce voyage au pays des figures de cire d’un cinéma muet à jamais enseveli. Ainsi entrons-nous dans le monde des  vieilles gloires hollywoodiennes  oubliées du grand public qui se murent dans le silence comme dans un caveau. Pour donner vie à ce monde pétrifié, Billy Wilder a eu le coup de génie de demander la participation de vraies stars déchues du cinéma muet. En premier lieu, la volcanique Gloria Swanson qui n’avait tourné qu’un seul film entre 1934 et 1950 et  pouvait ainsi retranscrire à merveille les crises morales de cette vedette oubliée. Non seulement l’actrice n’hésite pas à s’enlaidir et à accentuer les stigmates de la vieillesse, mais elle ose aussi se moquer d’elle-même et  de son propre jeu maniéré et daté. Cet exercice de style, qui tient à la fois de la confession intime et de l’autodérision, touche le spectateur par son incontestable authenticité. Les cinéphiles sont également comblés lorsqu’ils entendent  Erich von Stroheim évoquer son passé de cinéaste et ses heures de gloire anciennes.
 



En mettant à nu le tragique désarroi de ces anciennes stars,  Billy Wilder s’en prend à la fois à la vanité d’un monde entièrement basé sur les apparences et règle ses comptes avec un système cruel qui broie les individus au nom de la sacro-sainte rentabilité. Sans jamais faire appel à l’artillerie lourde, sa mise en scène est  exemplaire par son extraordinaire fluidité et ses plans-séquences très élaborés servis par un narratif précis et fort bien construit. On ne peut être qu’admiratif devant ce bijou intemporel, sublime par son évidente efficacité, universel par la profondeur de sa réflexion  et l’empreinte que laisse chaque individu malgré l’inexorable passage du temps.

 

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Boulevard du crépuscule de Billy Wilder
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Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA AMERICAIN & CANADIEN
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