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9 février 2016 2 09 /02 /février /2016 10:00

le navire-est-voile-3 (Petit)                                                                                  

                         

Bienvenue sur ce blog, où je propose à votre curiosité plusieurs rubriques, dont celles des CINEMAS FRANCAIS, AMERICAIN, EUROPEEN et ASIATIQUE.

 

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Vous trouverez également une rubrique dédiée aux   ACTEURS DU 7e ART  qui ont contribué, par leur talent, à confirmer le succès d'un film et à le rendre plus présent dans nos mémoires.

  

Une autre à mes BILANS CINEMATOGRAPHIQUES et aux articles panoramiques qui font état de l'impact d'un pays dans le monde du 7e Art.


  

Sans oublier celle des  REALISATEURS,  afin de vous entretenir de leur travail, de leur singularité, de leur apport au cinéma international et de leur rayonnement. 

 

 

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J'espère que cette diversité vous plaira. Chacun peut ainsi se promener à sa guise, selon sa curiosité et ses goûts. Bonne visite ! Et faites-moi part de vos commentaires. Ils seront les bienvenus.

 

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9 février 2016 2 09 /02 /février /2016 09:58
L'EVEIL DU 7e ART EN AFRIQUE

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Né tardivement dans le sillage des mouvements d'indépendance nationaux, le cinéma africain associe avec bonheur l'engagement politique et la poésie des conteurs, cela dans un contexte économique très fragile.

 

L'Afrique a souvent été filmée sans que les Africains soient derrière la caméra. Le pas est franchi en 1955 avec Afrique sur Seine, court métrage de Paulin Vieyra, un ancien élève de l'IDHEC, et Mamadou Sarr, un Sénégalais. Moi, un noir de Jean Rouch, en 1958, ouvre la voie, puisque l'un des acteurs amateurs, Oumarou Ganda, un Nigérien, deviendra lui-même cinéaste et tournera Cabascabo en 1968 et Saïtane en 1972. Il faut attendre la décolonisation progressive des pays au début des années 60 pour qu'un élan s'instaure grâce au cinéaste Ousmane Sembène du Sénégal et son premier film, un court métrage Borom Sarret qui décrit de façon réaliste la journée de travail d'un " bonhomme charrette ". Son premier long métrage en 1966 La Noire de... dénonce les conditions d'une domestique noire au service d'un couple de Blancs. Pour ce cinéaste angagé, chaque film est un combat contre la corruption des fonctionnaires africains ( Le Mandat, 1968 ) ou de  l'implantation de l'Islam en Afrique ( Ceddo, 1980 ). Ce courant de critique sociale se prolonge avec Cheik Oumar Sissoko du Mali dans Nyamanton ( 1986 ) et tout particuièrement Finzan ( 1989 ) qui s'en prend aux traditions ancestrales du mariage.

 

Excepté le film météore Touki Bouki ( 1973 ) du sénégalais Djibril Diop Mambéty, fantaisie en roue libre guidée par l'imaginaire de deux jeunes qui font les quatre cents coups et rêvent de Paname, la seconde génération des cinéastes, dont le chef de file est Souleymane Cissé qui a été formé au VGIK de Moscou, emprunte elle aussi le chemin de la révolte avec Baara en 1978 et Le Vent en 1982 et de la critique radicale comme dans Waati en 1995. En revanche, Yeelen ( 1987 ) ajoute une dimension irréversible au cinéma africain en renouant avec la tradition du conte, ses légendes et ses superstitions, refoulée auparavant car jugée obscuranstiste.

 

Yeelen ( qui signifie la lumière ), premier film africain couronné à Cannes du prix spécial du jury en 1987, frappe par sa puissante beauté. Cette fable sur la connaissance est centrée sur le conflit entre un père et son fils, au moment où l'enfant est rejeté par l'adulte qui craint d'être dépassé par lui. Le récit iniatique de l'enfant va au-delà de la simple tragédie familiale pour atteindre les fondements mythiques de l'Afrique et son drame actuel. Le film pose de manière claire mais brutale la question de la transmission, de l'accès au savoir, qu'il soit rationnel ou magique, et du pouvoir qu'il confère à ceux qui refusent de le partager. Le plus ambitieux des films africains et sans doute le plus abouti.

 

Faute de structures garantissant son assise financière, le cinéma africain dépend, en effet,  des aides extérieures, dont celles de la France, ce qui n'est pas sans conséquence sur les sujets abordés, les cinéastes anticipant parfois ce que l'Europe attend d'eux. Godard disait en 1979 que " l'Afrique est le seul continent à pouvoir raconter des histoires autrement". Si Yeelen conforte cette idée, le cinéma d'Idrissa Ouedraogo du Burkina Faso ( Yaaba, 1989 ;  Tilaï, 1990 ), où se tient le festival de Ouagadougou, concilie au mieux le talent du conteur sensuel et du peintre réaliste des conditions d'existence sur le continent africain. Ce goût du récit et des genres le conduit dans Samba Traoré ( 1993 ) à associer film noir et western.

 

En définitive, le cinéma africain n'a jamais été aussi beau et aussi fort que lorsqu'il filme l'enfance et, ce, à hauteur d'enfant. Qualité majeure du splendide Wênd Kûuni ( 1982 ) de Gaston Kaboré, auteur également de Rabi ( 1993 ), nous invitant aux jeux d'un enfant avec une tortue. Ce fil de l'enfance, monde orphelin bien souvent, se retrouve dans l'admirable Abouna ( 2002 ) du Tchadien Mahamat Saleh-Haroun, récit de deux frères à la recherche de leur père disparu qu'ils croient retrouver comme acteur dans un film. Elégante façon d'associer l'enfance à l'amour du 7e Art.

Dans Molaadé ( 2004 ) le cinéaste vétéran et engagé Ousmane Sembène, y traite d'un sujet qui fait débat, celui de l'excision. Il le fait sans opposer pour autant la tradition à la modernité. Quatre petites filles, pour échapper à l'exciseuse, se réfugient chez une jeune femme qui les protège au nom du molaadé, droit d'asile sacré de la coutume peule. Une tradition empêche une autre de s'exercer. Mais la fin, très sombre, reconduit le spectateur au drame de l'Afrique d'aujourd'hui.

 

Depuis lors, il y a eu l'admirable "Timbuktu" de Abderrahmane Sissako qui a raté de Grand Prix du Festival de Cannes mais a rencontré un immense succès en salles. On retrouve chez lui la beauté des images et la poésie qui étaient déjà celles de ses prédécesseurs, ce qui confirme que le cinéma africain a un grand avenir et un style qui lui est propre et le singularise dans le concert cinématographique des nations.

 

Sources : Laurent Delmas et Jean-Claude Lamy

 

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30 janvier 2016 6 30 /01 /janvier /2016 11:05
Robert Redford - portrait
Robert Redford - portrait

Robert Redford est né le 18 août 1936 à Santa Monica dans une famille modeste, son père, après avoir été laitier, avait décroché un poste de comptable. Passionné de peinture, il entre à l’Université du Colorado et, à l’âge de 19 ans, embarque pour un voyage en France et en Italie avec ses pinceaux, rêvant déjà de voir  ses toiles accrochées au Musée d’Orsay. Mais nenni, ce n’est pas sa voie et il bifurque bientôt en entrant à l’«American Academy dramatics arts» où il débute une carrière professionnelle au théâtre dans les années  50. Puis, il est choisi pour jouer dans des séries télévisées où il est vite remarqué, si bien qu’il passe sans difficulté de la petite lucarne au grand écran grâce, en partie, à son physique avantageux et sa gueule de beau gosse. On connait ses films emblématiques « Butch Cassidy et le Kid », « Les Hommes du Président », « L’Arnaque » qui lui méritera l’Oscar du Meilleur acteur en 1979, « Gatsby le magnifique », « Out of Africa » et « L’homme qui murmure à l’oreille des chevaux ». Avec de tels rôles, il devient une icône du cinéma hollywoodien, un acteur qui aura pratiquement incarné à lui seul toutes les Amériques : la corrompue, la sportive, la romantique, la puritaine, l’écologiste, Amérique fatalement rebelle et assurément séduisante. C’est en 1985 qu’il partage avec Meryl Streep la vedette du film aux 7 Oscars de Sydney Pollack « Out of Africa », ce dernier l’ayant dirigé à sept reprises et, entre autres, dans « Jeremiah Johnson », « Les 3 jours du Condor », « Nos plus belles années ».

 

 

Sa carrière cinématographique commence réellement avec  « La poursuite impitoyable » d’Arthur Penn en 1966 qui le révèle définitivement au public. Dès lors, il ne quittera plus la pellicule et abordera, avec un certain succès, une carrière de réalisateur amoureux des grands espaces, doté d'une vocation d'écologiste affirmée  avec « Des gens comme les autres » en 1980. Il décrochera, par ailleurs, un Golden Globe en tant que réalisateur pour « Quiz Show » en 1995.

 

 

Fondateur du Festival de Sundance, il se plaît aujourd’hui à donner leur chance à de jeunes cinéastes. Personnellement il aspire à un 7e Art de plus en plus indépendant et innovateur. D'autre part, et depuis un bon moment, il a passé la main à Brad Pitt, côté belle gueule, mais n’a pas réussi  le virage de Eastwood en tant que réalisateur. Son dernier film « All is Lost » en 2013  le voit interpréter, seul face à la caméra, un marin perdu en mer et luttant contre les éléments déchaînés. Ce qui prouve que les risques ne lui ont jamais fait peur…

 

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Robert Redford - portrait
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21 janvier 2016 4 21 /01 /janvier /2016 11:26
Ettore Scola ou la nostalgie de l'histoire

1931 - 2016

 

Ettore Scola, l'un des plus grands cinéastes italien de l'après guerre, vient de mourir à Rome à l'âge de 84 ans " son coeur s'est arrêté de battre de fatigue " - ont annoncé son épouse et sa fille à l'Italie qui perd avec lui l'une des figures emblématiques du 7e Art.

 

 

Ettore Scola, après des études de droit, se consacre tout d’abord au journalisme et à la radio avant de devenir gagman pour des films de l’acteur Toto. En 1952, il débute dans l’élaboration de scénarii et devient très vite l’associé de Ruggero Maccari, un des scénaristes les plus réputés en matière de comédies. Pendant une dizaine d’années Scola va écrire une cinquantaine de films et collaborer notamment avec Dino Risi à L’homme aux cent visages (1960), La marche sur Rome (1962), Le Fanfaron (1962), Les Monstres (1963), Il gaucho (1964), Moi la femme (1971) et également, avec Antonio Pietrangeli, aux films suivants : Les joyeux fantômes (1961), Annonces matrimoniales (1964), Le cocu magnifique  et L’amour tel qu’il est (1965).  En 1964, grâce à Vittorio Gassman, il réalise son premier long métrage Parlons femme, où il entend bien imposer d’ores et déjà son style  en s’efforçant de poser un regard critique sur la société italienne sans se réduire à un simple spectacle humoristique. Ce seront Cent millions ont disparu en 1965, Belfagor le Magnifique en 1966,  Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami disparu en Afrique ? en 1968.

 

 

En 1969, Le fouineur  indique plus nettement encore que Scola ne craint pas de porter le bistouri dans les plaies de la société tout en conservant un sens très sûr du divertissement. Avec Drame de la jalousie en 1970, il pose clairement la question des rapports entre les sentiments et l’idéologie. Pour cet opus, son acteur principal Marcello Mastroianni recevra le grand prix d’interprétation au Festival de Cannes. Suit l’expérience ascétique de Trevico-Torino en 1973 sur l’émigration intérieure entre le Sud et le Nord de l’Italie, puis Nous nous sommes tant aimés en 1974, l’oeuvre qui l’imposera définitivement dans le club fermé des grands réalisateurs. Chronique amère de l’histoire de l’Italie de l’immédiat après-guerre à l’époque actuelle, le film examine sans complaisance le devenir de la société italienne. Scola travaille désormais dans la perspective constante d’un va-et-vient entre passé et présent, alternant les œuvres inscrites dans la contemporanéité comme Affreux, sales et méchants en 1976, Les Nouveaux monstres en 1978, La Terrasse en 1979 Une journée particulière en 1977, Passion d’amour en 1981, La nuit de Varennes en 1982 et Le bal en 1983. Gagné par une certaine nostalgie inhérente au passage du temps, Scola s’intéresse également au problème des relations générationnelles, problème omniprésent dans La famille (1987), qui survole quatre-vingt années de l'existence d’une famille bourgeoise, thème de nouveau présent dans Splendor (1989), évocation attendrie d’une salle de cinéma condamnée à être démolie – et encore dans Quelle heure est-il, sorte de remake de Une journée particulière, au cours de laquelle un père et son fils tentent désespérément de lier une relation durable. En effet, très ancré à gauche, Scola est avant tout un cinéaste soucieux de communiquer avec le public et de partager avec lui ses convictions. Il tente toujours de concilier un discours critique sur la société transalpine avec les nécessités du divertissement, qualités que l’on retrouve dans ses œuvres plus récentes comme Le voyage du capitaine  Fracasse (1990) d’après Théophile Gautier, Le roman d’un jeune homme pauvre (1995), un drame de la pauvreté où Alberto Sordi campe un vieux beau d’anthologie, Le dîner (1998) fresque sociologique pleine d’un humour récurrent et de sarcasme pour décrire une soirée dans un restaurant romain, Concurrence déloyale (2001) est, elle aussi, une comédie corrosive sur les lois antijuives votées en Italie en 1938 et Gente di Romana (2003), un documentaire romancé sur les diverses facettes sociales et culturelles de la capitale italienne d’aujourd’hui. Cette oeuvre importante porte dans son ensemble et sa diversité le sceau d'une joyeuse amertume, d'une défiance à l'égard des hommes si vite abusés et une passion pour leur histoire et les grandes causes à défendre sans exaltation fébrile, davantage avec le regard d'un homme sans illusion.

 

 

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4 janvier 2016 1 04 /01 /janvier /2016 12:05
Bilan cinématographique 2015
Bilan cinématographique 2015

Bien que je sois consciente d'avoir vu peu de films en 2015, je ne puis renoncer au plaisir de les nommer et d'expliquer pourquoi certains m'ont plu et enthousiasmé pour l'originalité de leur scénario, leur interprétation et la qualité de leur mise en scène et de leurs images. Les deux que je juge les plus originaux et les plus sensibles sont un film asiatique "La maison au toit rouge" de Yoji Yamada qui nous conte une histoire pleine de charme et de mélancolie et le très beau "Une belle fin" de Umberto Pasolini qui, malgré quelques longueurs, suscite une vive émotion.

Bilan cinématographique 2015
Bilan cinématographique 2015

Dans un perspective très différente, j'ai apprécié deux films qui retracent les moments d'une vie ou d'un fait historique avec intelligence et réalisme et méritent notre admiration  grâce à l'interprétation de leur acteur principal ; c'est le cas pour deux d'entre eux : "The theory of everything" de James Marsh avec la performance remarquable d'Eddie Redmayne dans le rôle de Stephen Hawkings et de "Le pont des espions" de Steven Spielberg avec un Tom Hanks parfait.

Bilan cinématographique 2015
Bilan cinématographique 2015

Dans le domaine de la comédie très plaisante, j'ai apprécié celle toujours brillante de Woody Allen "L'homme irrationnel" qui est enlevée et pleine de rebondissements et celle tout aussi charmante de Nancy Meyers "Le nouveau"stagiaire" avec un Robert de Niro plus séduisant et convaincant que jamais.

 

En ce qui concerne le cinéma européen, "My old lady" m'a déçue malgré une Maggie Smith toujours excellente et fine mouche, mais le film m'a paru un peu long et assez mal fagotté, quant à "Loin de la foule déchaînée" de Thomas Vinterberg, il est agréable à regarder mais reste superficiel, comme "Indian Palace - suite royale" de John Madden qui a le mérite de réunir une brochette de merveilleux comédiens et d'être distrayant et enjoué. On passe donc un bon moment. Même chose pour "Kingsman" de Matthew Vaughn souvent un peu trop outré, malgré une distribution de grande qualité.

Reste, dans les films étrangers, un opus qui est à placer à part parce qu'il tient davantage du documentaire que du film d'action ou de la comédie mais dont les qualités sont indéniables, et, ce, malgré des petits moyens et un tournage clandestin. Ce film est une page de vie dans un pays totalitaire fait de bric et de broc mais d'un intérêt évident car d'une précision dans les détails et d'une sobriété touchante et souvent drôle.  Il s'agit de "Taxi Téhéran" de Jafar Panahi. Une prouesse.

Bilan cinématographique 2015

En ce qui concerne les films français, je n'en ai vu que six mais l'ensemble est inégal. Mention spéciale pour "Marguerite" de Xavier Giannoli qui n'est certes pas le chef-d'oeuvre annoncé mais dont la mise en scène ne manque pas de recherche et l'interprétation de brio. Evidemment le film tient presque entièrement sur les épaules de Catherine Frot mais l'ensemble de l'interprétation est à la hauteur et le film se singularise par son  piquant et les amusantes fausses notes de sa diva.

J'ai beaucoup aimé également "Un homme idéal" de Yann Gozlan, un film nostalgique et élégant avec un très séduisant Pierre Niney. Mais j'ai été déçue par "L'Hermine" dont le seul intérêt réside dans l'interprétation de Fabrice Luchini et le charme captivant de Sidse Babeth Knudsen. Quant au scénario, il aurait mérité plus d'inventivité, plus de panache. Il reste linéaire et assez pâlot. Enfin, "Premiers crus" de Jérôme Le Maire, un film qui nous plonge dans un monde vinicole agréable, avec de belles images, les sympathiques colères de Gérard Lanvin mais ne résiste pas aux  clichés trop nombreux et à un final prévu dès le début et "Trois souvenirs de jeunesse" d'Arnaud Dupleschin, interprété par de jeunes acteurs très convaincants, invitation à un voyage romanesque dans la jeunesse avec ce qu'il faut de nostalgie et de sensibilité.

Je garde pour la fin "Le dernier loup" de Jean-Jacques Annaud, un film tourné dans les paysages âpres et sauvages de la steppe mongole, un film documentaire qui raconte l'existence du peuple mongol au coeur de la Mongolie intérieure. Beau visuellement et intéressant. Un film dont on a peu parlé et c'est dommage, car il sensibilise intelligemment le spectateur sur la vie animale et les erreurs commises par des politiciens aveugles qui mettent tout simplement en péril la Nature.

 

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Bilan cinématographique 2015
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8 décembre 2015 2 08 /12 /décembre /2015 10:28
Le pont des espions de Steven Spielberg

 

En 1957, la CIA arrête sur le territoire américain un espion soviétique qui se fait appeler Rudolf Abel et se nomme en réalité William Fisher. Il a transmis, grâce à son réseau d’agents, les secrets de la bombe atomique à l’URSS, il est donc promis à la chaise électrique. Comme les Américains tiennent à faire les choses dans les règles – la campagne internationale en faveur des Rosenberg, finalement exécutés en 1953, a laissé des traces - ils offrent à leur prisonnier un avocat d’office, James Donovan, plutôt spécialisé dans les assurances. Intelligent et malin, ce dernier sait qu’il va se mettre à dos l’Amérique bien  pensante qui n’accepte pas qu’on défende un espion communiste. Mais Donovan a aussi une haute idée de son métier d’avocat et ira  jusqu’à la Cour suprême pour sauver son client. Cet homme est un visionnaire. Il a anticipé l’épisode haut en couleur qui se déroulera quelques années plus tard. Quand l’avion U-2 du pilote Francis Gary Powers, qui photographiait l’URSS du haut du ciel, est abattu en 1960, le gouvernement américain est bien content de pouvoir échanger son pilote avec l’espion qui n’a pas été exécuté grâce à la formidable anticipation de James Donovan (1916-1970). L’échange aura lieu sur le pont de Glinicke, entre Berlin et Postdam, surnommé le pont des espions.

 

 

Eclairée de quelques traits d’humour, l’histoire est inspirée de faits réels et se déroule  à une époque où les Etats-Unis tenaient à afficher, à la face du monde, et contrairement à leurs rivaux soviétiques, qu’ils étaient un Etat de droit. Ce qui n’était pas prévu, c’est que l’avocat James Donovan allait tenir son rôle si magistralement qu’il parviendra à éviter à son encombrant client la chaise électrique, ce, à la grande fureur de l’opinion américaine qui le lui fera savoir par un attentat  à son domicile en présence de sa femme et de ses enfants. Son opiniâtreté et sa compétence le désigneront néanmoins à négocier, peu de temps après, l’échange de l’espion russe contre le pilote américain de l’avion espion U-2 abattu au-dessus de l’Union soviétique et retenu dans les geôles  sordides de l’URSS. Une fois encore, Donovan ne fera rien comme les autorités américaines l’envisageaient puisque, à rebours de leurs instructions, il informera ses interlocuteurs russes et est-allemands que l’échange ne pourra se dérouler que s’il inclut, en plus du pilote de chasse, un étudiant américain arrêté à Berlin-Est au moment où il tentait de franchir le fameux mur dont la construction venait à peine de se terminer.

 

 

Cette histoire captivante, qui voit un homme seul, étranger à ce monde de l’espionnage, manœuvrer avec une telle maestria et un esprit visionnaire pour sauver la force du droit, l’honneur de son pays et également la solidarité inconditionnelle entre compatriotes, méritait que le célèbre metteur en scène  nous la conte avec cette rigueur, cette limpidité, ce sens  du rythme et de l’alternance et une reconstitution de l’esprit et de l’ambiance de l’époque absolument remarquables. Par ailleurs, Spielberg a su s’entourer de scénaristes de talent, les frères Cohen et Matt Charman qui nous ont concocté un scénario et des dialogues d’une qualité irréprochable. Avec eux, c’est l’attention portée aux personnes et un humour discrètement sarcastique qu’ils privilégient. S’ajoutent  l’interprétation de Mark Rylance dans le rôle de Rudolf Abel, peintre à ses heures et d’une parfaite rigueur professionnelle, espion couleur passe muraille à l’apparente banalité contredite par un humour désabusé et une intelligence supérieure, et celle, tout aussi sobre et convaincante de Tom Hanks dans celui de James Donovan, homme debout, si seul dans son combat, mais qui ne restera pas moins fidèle, envers et contre tout, à sa conviction que chaque individu mérite une défense équitable. Servi par de belles images dont certains regretteront l’académisme trop formel mais que j’ai appréciées pour l’atmosphère qu’elles parviennent à créer, ce portrait contrasté de l’Amérique d’alors et des tensions qui régnaient entre les deux blocs m’apparait comme une grande réussite. 

 

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Le pont des espions de Steven Spielberg
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25 novembre 2015 3 25 /11 /novembre /2015 11:49
L'Hermine de Christian Vincent

Michel Racine est un Président de cour d’assises redouté. Aussi dur avec lui qu’avec les autres, on l’appelle " le Président à deux chiffres ". Avec lui, on en prend toujours pour plus de dix ans. Malade au début de ce nouveau procès, quitté par une épouse plus riche que lui, Racine couche désormais à l’hôtel en trainant sa petite valise. Tout bascule le jour où il retrouve Ditte Lorensen-Coteret. Elle fait partie du jury qui va devoir juger un homme accusé d’infanticide. Six ans auparavant, Racine a aimé cette femme. Presque en secret. Médecin anesthésiste, elle l’a arraché à la mort physique lors d’une grave opération. Retrouvée par hasard et connue par hasard, elle va, au cours de cette audience, le sauver d’une nouvelle mort, la mort morale.

 

 

Ainsi la guérison de cet homme passe-t-elle par un procès dont l’intérêt principal réside dans le rôle des jurés, tous très différents, qui sont mis en présence d’un cas d’autant plus douloureux qu’il s’agit de la mort d’un enfant. Les témoins défilent sans apporter de notables éclaircissements. Qui juge qui, au final ? A un moment donné le président malmène l’un des policiers qui a découvert la mort de ce bébé de 7 mois. A chacun sa vérité, celle de ce policier honnête n’est pas plus certaine que celle du père qui attend le verdict dans le box des accusés. Michel Racine, touché par la présence de Ditte, leur rappelle qu’il faut accepter de ne pas savoir… Ainsi l’irruption de la douceur et de la tendresse dans sa vie bancale et solitaire est-elle le début d’une véritable rédemption, rédemption qui lui révèle une autre vérité : si un procès change le cours des choses, c’est peut-être d’abord vis-à-vis de soi. Nous voyons que les sentiments ont le droit de siéger dans l’enceinte stricte d’un tribunal.

 

 

Sidse Babeth Knudsen, qui interprète le rôle de Ditte, a été choisie par Christian Vincent à la suite de son visionnage de la série « Borgen » où il l’avait beaucoup appréciée. Et, il est vrai, qu’elle illumine le film de son rayonnement où s’allient en un dosage idéal la beauté et l’intelligence. Quant à Fabrice Luchini, qui a reçu pour le rôle de Michel Racine le prix d’interprétation à la Mostra de Venise, il est remarquable de sobriété et de naturel, homme intransigeant, droit dans ses bottes en apparence, mais plus vulnérable qu’il n’y parait, plongé dans toutes les perplexités de la conscience et de la vie. Sa soudaine guérison est celle du doute sur l’évidence intérieure, ce qui est vraisemblable n’étant pas obligatoirement certain. Un film qui suggère plus qu’il ne démontre et laisse à chacun son interprétation personnelle.

 

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L'Hermine de Christian Vincent
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21 octobre 2015 3 21 /10 /octobre /2015 10:28
Le nouveau stagiaire de Nancy Meyers

Depuis la mort de sa femme, Ben Whittaker se sent seul et la retraite n'a rien arrangé. Afin de donner du piment à sa vie, il décide de postuler à un stage pour un site Internet de mode. Contre toute attente, il est pris. Jules Ostin, la patronne de l'entreprise, est d'abord surprise de sa présence et charge ses confrères de s’occuper de lui car elle estime très mal gérer les personnes âgées, mais s'apercevra bientôt que cette nouvelle et atypique recrue sait se faire apprécier de son équipe. Et pour cause, Ben est un homme chaleureux qui prodigue de judicieux conseils. Jules finira par se prendre d'amitié pour lui et le présentera à sa famille, si bien que le septuagénaire devient une figure quasi paternelle,  très vite incontournable...

 

 

La réalisatrice de Ce que veulent les femmes (2000) consacre sa nouvelle comédie à illustrer la collaboration d'une jeune patronne de start-up et d'un retraité de 70 ans, engagé comme stagiaire dans le cadre d'une expérience intergénérationnelle, qui se révèlera parfaitement efficace, malgré les handicaps supposés de son âge. Avec habileté et une bonne dose d’optimisme, Nancy Meyers tente d’échapper aux conventions et de donner une tournure joyeuse et positive à une actualité pétrie de bons sentiments. Et si les personnes du troisième âge avaient toujours un rôle à jouer et une expérience à apporter à la société déboussolée qui est la nôtre, engagée dans une constante course contre la montre où toutes les valeurs sécurisantes volent en éclats ? Oui, si la sagesse, le bons sens, la générosité, l’indulgence étaient encore de mise et pouvaient servir de béquille à certains jeunes chefs d’entreprise que leurs emplois du temps surchargés et anxiogènes mènent au désastre ? Car Jules est bien sur la voie de la dépression et de l’épuisement à tenter de mener de front vie privée et vie professionnelle. La réalisatrice a su doser avec finesse les divers éléments qui font qu’une jeune femme pleine de courage et de compétence  peut soudain perdre pied, se laisser gagner par le découragement et voir sombrer en peu de temps ce qu’elle a édifié avec talent et opportunité. Cette comédie plaisante a le mérite de nous immerger dans une atmosphère où le meilleur l’emporte sur le pire et, sans rien  cacher des obstacles inhérents à la situation, de les régler avec une tendresse amusée et bienveillante.  

 

 

Les acteurs sont pour beaucoup dans le charme de cette comédie légère et bien conduite et en premier lieu Robert de Niro, incroyablement séduisant dans le rôle du septuagénaire qui entend vieillir avec intelligence et altruisme et qui, soudain, se prend d’affection pour cette jeunesse courageuse et un brin déboussolée. Quant à la ravissante Anne Hathaway, elle est délicieuse de naturel et de spontanéité en chef d’entreprise dépassée par les événements et bousculée par sa soudaine notoriété dans le monde des affaires. Monde des affaires qui ne craint pas de broyer les plus performants. Voilà un film excellent pour le moral et si réconfortant que le public de la salle a applaudi, sans doute parce qu’un opus sans violence est suffisamment rare pour qu’on l’apprécie et le savoure. Certains parlent de guimauve, de mièvrerie, de sentimentalisme désuet, pas moi.

 

 

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18 octobre 2015 7 18 /10 /octobre /2015 08:56
L'homme irrationnel de Woody Allen

Une fois encore, avec son dernier opus, mené au rythme d’un scénario serré, accompagné de dialogues ciselés, Woody Allen fait mouche, malgré les grimaces presque habituelles des critiques cinématographiques qui, depuis quelques décennies, n’en finissent pas de dédaigner le maître d’hier ; oui, une fois encore, l’habile réalisateur séduit. S’ajoute le jeu d’acteurs qui s’investissent pleinement dans leur rôle comme Emma Stone, que j’avais trouvée falote dans « Magic in the moonlight » et qui s’affirme dans « L’homme irrationnel » avec assurance dans son personnage de jeune étudiante subjuguée par son professeur de philosophie, dépressif et alcoolique, qui semble accablé par la stérilité de la pensée spéculative. Cela, jusqu’à ce qu’il surprenne une inconnue en train de se plaindre d’un juge dont l’obstination réduit sa vie en miettes et que ce récit le sorte de sa torpeur, au point  que sa raison, en pleine dérive, lui fasse envisager un plan machiavélique propre à rompre le dernier barrage de la lucidité. Persuadé qu’il a trouvé un sens à sa vie, il va accomplir l’irréparable et agir de façon à délivrer une malheureuse victime de son supposé bourreau.

 

 

Mais peut-on trouver le bonheur dans le crime ? La question avait déjà été posée par Barbey d’Aurevilly et analysée dans le détail par un Dostoïevski ou une Hannah Arendt. Nous savons qu’elle fascine depuis longtemps Woody Allen qui en a fait le thème de plusieurs de ses films dont « Crimes et délits », « Le rêve de Cassandre » et l’admirable « Match Point ». Puisque la philosophie semble impuissante à donner sens à sa vie, Abe, non content de séduire sa jeune élève et convaincu de la désespérante impuissance du bien, se laisser aller à la tentation de choisir la voie opposée. Cette dérive est menée avec la maestria habituelle de Allen qui sait jouer des thématiques les plus contradictoires et des subversions les plus cyniques au point de les rendre presqu'acceptables. On s'amuse de le voir jongler avec les registres et les genres, le mal se savourant avec plus de gourmandise que le bien…

 

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16 octobre 2015 5 16 /10 /octobre /2015 09:50
Taxi driver de Martin Scorsese

 

De retour du Vietnam, Travis Bickle (Robert de Niro) est engagé dans une compagnie de taxi new-yorkaise. Mais l’ennui, l’angoisse et la mélancolie gagnent. Ses aventures nocturnes ratées par maladresse et la violence quotidienne dont il est le témoin lui font peu à peu perdre la tête. Sa rencontre avec une jeune prostituée de 14 ans (Jodie Foster) va tout faire basculer. Torturé par une obsession politique et sociale de "propreté", il s’assigne la tâche de redresser une humanité qu’il perçoit décadente et de protéger la jeune femme livrée aux sinistres obsessions de pourvoyeurs obscènes.

 

 


« Taxi driver » est tout d’abord une terrifiante entrée dans le froid processus de la folie paranoïaque et dans la lente progression d’un être fruste qui s’enfonce dans les ténèbres. La descente aux enfers de Travis Bickle est proprement saisissante. De Niro est époustouflant dans ce personnage gagné par la détresse et la peur au cœur d'une mythologie urbaine qui le cerne. Malgré un narratif déprimant, l’acteur a le mérite de nous subjuguer dans le rôle de ce justicier de la ville, victime d’une humanité livrée à ses pulsions les plus abjectes.

 

 


Le monde criminel, la mafia, la cité représentent l’enfer dans la vision pessimiste de Scorsese. Les êtres sont faits pour se perdre dans des dédales qui ne mènent nulle part et où les voix de la justice sont couvertes par le bruit. Pas une seule image de la lumière, de la clarté du jour, d’un arbre, d’une fleur, toutes évoquent une nuit sinistre envahie de lueurs artificielles, de flashs rougeoyants et aveuglants qui dissolvent le réel. New-York n’est autre qu’une jungle qui réveille chez Travis les traumatismes de la guerre et les obsessions les plus funestes. Scorsese peint à merveille le glauque de ces nuits subies par cet homme qui se dit poursuivi par la solitude et l'adversité et vit dans une perpétuelle psychose où nul sourire, nulle clarté ne sont là pour l’éclairer et l’humaniser ; oui, une nuit où les repères éclatent et où les codes se bousculent à jamais. Un film éminemment désespéré qui tend tout entier vers sa scène finale et sa tragédie illustrée par une imagerie lancinante et hallucinatoire. Un film qui n’a pas pris une ride tant il s’inscrit dans une démarche culturelle et historique qui lui confère un sens universel.

 

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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


Charlie Chaplin

 

"Innover, c'est aller de l'avant sans abandonner le passé."

 

Stanley Kubrick

 

 

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