Venu du cabaret et de la télévision, Woody Allen s'est imposé grâce au cinéma où il fut tour à tour acteur et auteur. C'est avec Prends l'oseille et tire-toi  en 1969, où il se met en scène lui-même, que sa carrière débute vraiment. Dès lors, il ne va plus cesser  de faire rayonner l'auto dérision et de slalomer avec élégance entre rire et sérieux, à rester le clown de ses débuts tout en forçant l'admiration par son ambition d'être le représentant d'un certain esprit proprement new-yorkais.

 
Issu d'un milieu modeste, il gagne sa vie dès l'âge de 19 ans en écrivant des dialogues pour le célèbre comique Sid Caesar, tout en produisant ses propres spectacles et en participant à quelques films. Dans ses premières réalisations, son principal souci  est de donner un prolongement cinématographique au personnage de petit homme complexé, calamiteux, hypocondriaque, obsédé par le sexe qu'il a déjà rendu populaire sur scène. C'est avec Annie Hall en 1977 qu'il est salué par la critique comme le meilleur cinéaste comique de sa génération et que, désormais, il ne va plus cesser de puiser dans son quotidien et celui de son entourage les sujets de ses gags et de son inspiration. Les changements de compagne, les sauts dans le temps et le recours à des noms différents n'y changeront rien : Woody Allen sera toujours reconnaissable à sa silhouette, à son parler et aux situations particulières où il aime à placer ses personnages comme l'avaient fait avant lui un Harold Lloyd ou un Charlie Chaplin, sans toutefois égaler le dernier nommé. En quelques quarante films, il a constitué l'instantané d'une époque entière et sut saisir les ridicules, les obsessions, les tics de plusieurs générations.

On peut situer l'apogée de ce cycle quasi autobiographique entre Annie Hall  et Meurtre mystérieux à Manhattan ( 1993 ), avec une véritable somme thématique dans Hannah et ses soeurs ( 1986 ). Par ailleurs, Woody  Allen réussit brillamment son incursion dans le film dit " sérieux ", existentiel comme ses comédies, mais dont il s'exclut en tant qu'interprète. Intérieurs, en 1978, surprend par la noirceur du ton et la sobriété de l'écriture et il conservera cette simplification jusqu'à l'épure dans Une autre femme ( 1988 ) et dans Match Point  ( 2005 ). Cette diversification de l'inspiration, rendue plus grave, ne restera pas sans effets sur ses comédies auxquelles il se plait souvent à injecter des scènes sombres, des réflexions philosophiques, ainsi qu'il le fera dans Crimes et délits ( 1989 ) ou Alice ( 1990 ).

Les expériences stylistiques le passionnent comme en attestent Maris et femmes ( 1992 ) qu'il filme en partie caméra à l'épaule, clin d'oeil à la Nouvelle vague, et Maudite Aphrodite, scandé par un choeur antique en 1994 ou le pastiche si réussi de "Musical" que fut, en 1996, Tout le monde dit " I love you. Les reproches que certains lui adressent de se répéter sont injustifiés, car on sait qu'un véritable auteur, quel que soit son art, poursuit toujours d'oeuvre en oeuvre la même quête jusqu'à en atteindre la quintessence. Bien sûr, produisant en moyenne un film par an, Allen ne peut à chaque fois réussir un chef-d'oeuvre, mais ses films ont un ton, un style, qui sont sa marque propre et oscillent en permanence entre drôlerie, dérision, humour noir, le tout saupoudré de dialogues brillants et de mises en scène sobres et efficaces. Il a de plus en plus tendance à n'intervenir désormais que dans des rôles périphériques, laissant à des acteurs plus jeunes mais toujours chevronnés  le soin de le représenter. Le dernier en date est une variation sur la ville de Rome, comme le précédent sur la ville de Paris où affleurent souvenirs et évocations et qui, sans être des oeuvres marquantes, prouvent, si besoin est, qu'Allen a toujours la fibre créatrice et le feu sacré et un formidable savoir fimer.

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LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

 
Né à Moscou le 21 octobre 1945, fils du poète Sergueï Mikhalkov-Konchalovski, Nikita Mikhalkov est issu d'une famille aristocratique remontant au XVe siècle. Acteur à dix-huit ans, auteur, à la fin des années 60, de quelques courts métrages, il réalise son premier grand film en 1975  Le nôtre parmi les autres, histoire d'un rouge infiltrant des blancs pendant la guerre civile de 1918-1921. Ses débuts sont alors ceux d'un brillant cinéphile et d'un habile technicien. Très vite, le jeune cinéaste va enchaîner film sur film ; ce seront  Partition inachevée pour piano mécanique ( 1977 ), adaptation subtile d'une nouvelle de Tchékov, dont la  réussite lui confèrera une stature internationale, suivie un an plus tard par  Cinq soirées , d'après la pièce d'Alexandre Volodine, étude intimiste de caractères et d'atmosphère qui doit beaucoup à l'interprétation inspirée de l'acteur Stanislas Lioubchine, dans le rôle d'un solitaire retrouvant la femme qu'il a jadis aimée. C'est en 1987, que Nikita Mikhalkov part pour l' Italie réaliser  Les yeux noirs , d'après trois nouvelles de Tchékov, avec Marcello Mastroianni et Silvana Mangano dans les rôles principaux, oeuvre peu lisible qui m'a laissée sur le bas-côté, puis Urga ( 1991 ), chef-d'oeuvre pastoral sur l'amitié entre un éleveur mongol et un camionneur russe tombé en panne près de sa yourte. Hymne à la tradition, ce film souligne les liens entre  peuples frères, entre la mère patrie russe et ses périphéries en voie d'émancipation.  Soleil trompeur, en 1993, évoque le stalinisme et raconte la dernière journée en famille du général Sergueï Kotov, interprété par Mikhalkov en personne, joyeusement perturbée par l'irruption d'un vieil ami, venu inopinément semble-t-il, alors, qu'en réalité, il n'est là que pour arrêter Kotov, héros de l'Union soviétique, accusé lâchement de trahison. Ce premier volet sera salué par un Oscar à Hollywood et le Grand Prix du jury à Cannes. Enfin  Le barbier de Sibérie, en 1998, évoque la difficile évolution de la Russie contemporaine.

Projeté à Cannes en mai dernier, lors du Festival, son dernier opus Soleil trompeur - L'exode,  a reçu un tout autre accueil. Celui-ci fut glacial. Car, à en croire les critiques, ce second volet serait une tentative de réhabilitation déguisée de Staline où, tout du moins, brosserait un portrait trop complaisant du tyran. En définitive, à travers cette oeuvre, c'est le réalisateur qui est visé et son intimité avec Vladimir Poutine. Car, qu'en est-il  ?
La gestation de Soleil trompeur 2 remonte au choc éprouvé, par Mikhalkov, à la suite du visionnage, à Paris, du film de Steven Spielberg :  Il faut sauver le soldat Ryan.  En sortant - se souvient Mikhalkov -  des jeunes s'émerveillaient de la victoire des Alliés en ignorant tout bonnement l'existence du front russe ! J'ai voulu faire un film donnant une image de l'enfer qu'ont vécu ces gens simples - les soldats, mais aussi les civils - qui ont défendu leur patrie. Montrer ainsi l'immense sacrifice du peuple russe et empêcher les Américains de vampiriser la mémoire de la Seconde Guerre mondiale.

Est-ce pour autant une réhabilitation de Staline comme on lui en a fait le procès ? Certes non, car, tout au long du film, Staline revêt la dimension diabolique d'un homme qui voulait se substituer à Dieu. D'ores et déjà un nouveau volet est annoncé qui aura pour titre Soleil trompeur, Citadelle et qui devrait être présenté à la prochaine Mostra de Venise, en septembre. Mikhalkov s'en est ouvert à quelques journalistes : au pire moment de la guerre - révèle-t-il - le minotaure du Kremlin a pris le temps de fignoler ses vengeances petites bourgeoises en réservant à Kotov le commandement d'une " division noire ". Composée de condamnés politiques armés de simples pelles et de pioches, celle-ci avait pour mission d'attaquer l'armée allemande à mains nues pour lui faire gaspiller ses munitions avant le véritable assaut. Vision effrayante d'un dictateur qui n'hésitait pas à sacrifier son peuple et à trahir et déshonorer ses propres officiers.

Nikita Mihalkov a bien d'autres projets et s'impose désormais comme la figure de proue d'un cinéma post-soviétique, re-centré sur ses valeurs nationales. Je veux notamment mettre en scène - dit-il - Un coup de soleil d'Ivan Bounine, le prix Nobel de littérature réfugié en France après la révolution de 1917. Je songe également à une grande fresque sur la société russe de ces vingt dernières années, une sorte de version russe du " Parrain ", qui s'intitulerait : " Il était une fois en Russie ".
Grâce à ce cinéaste de grand talent, dans la lignée d'un Eisenstein, et de réalisateurs comme Sergueï Bodrov et Pavel Lounguine, le 7e Art russe semble assuré de lendemains qui chantent.

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LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

Très différente de celle d'Alain Resnais, l'oeuvre de  Claude Chabrol est généralement considérée comme une étude sociologique de la France contemporaine. Né à Paris le 24 juin 1930 dans une famille de pharmaciens auvergnats, le jeune Chabrol préférera fréquenter les cinémas d'art et d'essai que l'université. Critique aux Cahiers du cinéma comme Godard, il se distingue par l'éclectisme de ses goûts et son humour décapant. Son livre sur Hitchcock, rédigé en collaboration avec  Eric Rohmer  et publié en 1957, prouve l'attrait qu'exerce sur lui ce maître du suspense, dont il se sent proche dans sa façon de mêler le grave et le frivole. Il connaît très tôt les soucis financiers et envisage, comme Godard, de n'entreprendre que des réalisations à petit budget, mais qui mériteront d'obtenir une prime de qualité, ce qui l'autorisera ensuite, grâce à la subvention acquise, à produire le film suivant.
Mais ses premiers films déplaisent. On le juge sombre, misogyne, fasciste.  Les cousins, qui expriment à la fois le pessimisme de leur auteur et son attirance pour la bêtise, dont il dit "qu'elle est plus fascinante que l'intelligence, car l'intelligence a ses limites et que la bêtise n'en a pas" - ne semblent pas recueillir l'adhésion du public. Si bien qu'il se voit dans l'obligation de diriger, pendant quelques années, une série de films d'espionnage traités en parodie à la James Bond, simplement pour gagner sa vie. Il revient à des sujets plus sérieux avec  Les biches en 1969 et constate avec soulagement que les goûts ont évolué et que les innovations de la Nouvelle Vague ont fini par être acceptées, au point que ses propres qualités apparaissent en pleine lumière, ce, d'autant que cet humoriste ne manque pas de tendresse et que sa cruauté n'est pas dénuée de lucidité. Certes Chabrol n'est pas un pourvoyeur de songe comme le Resnais de L'année dernière à Marienbad ; c'est un réaliste dans la tradition de Renoir  et de Duvivier qui saisit l'homme dans son quotidien, la société dans ses ridicules, la passion dans ses excès et auquel aucune de nos tares ne parait échapper. En outre, la morale de ses histoires est éminemment raisonnable.  La femme infidèle se révèle être une apologie de la fidélité. Il s'agit donc chez lui d'une description sans complaisance, fine et juste, de la France contemporaine des lendemains de la guerre, où il dépeint de façon sarcastique l'avarice, la sottise, la mesquinerie, l'envie, et rejoint une tradition littéraire bien établie chez nous : celle d'un Balzac, d'un Flaubert ou d'un Mauriac.

Il semble que le public, au fur et à mesure de sa production, se contemple sans déplaisir dans le miroir critique que Chabrol lui tend, peut-être parce qu'il devine, de la part du cinéaste, derrière les aspects satiriques, une réelle sympathie et une évidente tendresse pour les figures de femmes et d'enfants qu'il lui propose. Il est vrai aussi que Chabrol ne cesse d'affiner ses portraits de société, ses récits psychologiques, qu'il nous livre d'un trait tantôt appuyé, tantôt léger, grâce à un métier sans faille et une acuité rarement prise à défaut. Lui-même dira en 1969 : " Je peux tout faire maintenant. Je le dis sans prétention. Si on me demande de faire un quart d'heure d'Eisenstein, je fais un quart d'heure d'Eisenstein. Extérieurement, attention, ça n'en aura que l'apparence". Si Chabrol prend des points de départ variés et travaille avec des matériaux disparates, le climat de chacun de ses films n'en reste pas moins personnel : en quelque sorte une variation tragique sur le thème de l'obsession. Et cette obsession, ne serait-elle pas une passion, ou mieux une folie, qui entraîne ses personnages à leur perte et à leur damnation ?  L'ironie cacherait-elle une forme de désespoir ? C'est probable. Il y a chez Chabrol une instance pathétique, celle de la chute inéluctable de l'homme dans un dédale obscur qui fait de chaque destin, un naufrage. Cette obsession assure également à l'oeuvre une incontestable unité que l'on retrouve aussi bien dans ses films les plus élaborés que dans ceux que, pour des raisons économiques, il lui est arrivé de bâcler.
Il est à cet égard plus proche d'un Hitchcock et d'un Fritz Lang que de ses amis de la Nouvelle Vague, comme Godard et Truffaut. Chabrol a également subi l'influence de Orson Welles et s'est plu dans La décade prodigieuse  ( 1972 ) à lui faire jouer le rôle de Théo ( dieu en grec ), alors que le film repose sur la violation des commandements du Décalogue et que Dieu y est représenté comme un jaloux criminel. Le cinéaste veut prouver ainsi que l'on fabrique de l'avenir avec du passé et qu'il n'y a donc aucune raison valable de ne pas utiliser le cinéma d'hier, qui permet de mieux reprendre pour mieux prolonger.

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