Fils de magistrats, Vittorio de Sica , né à Sora le 7 juillet 1901, passe sa petite enfance à Naples, avant de suivre ses parents à Rome en 1912. Devancant l'appel, il s'acquitte de ses obligations militaires et, dès son retour à la vie civile, s'oriente vers le théâtre, puis le cinéma. Il fait partie d'une troupe et bientôt apparaît dans plusieurs films, au point de devenir l'acteur phare des années 30. Mais jouer ne lui suffit pas. La mise en scène l'attire.  En 1939, il met entre parenthèses sa carrière de comédien pour se consacrer à la réalisation de quatre films de facture légère qui ne marqueront pas la mémoire du 7e Art. Mais un tournant important s'amorce lorsque de Sica fait la connaissance de Cesare Zavattini, célèbre scénariste avec lequel il va collaborer étroitement et produire successivement quatre nouveaux films, qui auront le mérite de faire date dans l'histoire du cinéma italien, oeuvres teintées d'une poésie humaniste et naïve qui contiennent tous les ingrédients du néo-réalisme, mouvement à la naissance duquel elles participeront grandement. Ce seront Sciuscia,  Le voleur de bicyclette,  Miracle à Milan,  Umberto D.  qui connurent la notoriété. Le metteur en scène y dresse le portrait social de l'Italie de l'après-guerre avec un sentimentalisme qui use, et parfois abuse, d'une imagerie sensible et populaire. Si bien que lorsque le cinéma italien s'éloigne du néo-réalisme, de Sica ne suit pas la mouvance nouvelle et ses films ne rencontrent plus le succès qu'avaient connu les précédents. Le réalisateur et son scénariste ne parviennent pas à se renouveler et à sortir du domaine de l'imagerie familière ; leurs tentatives pour donner une vision du monde plus intellectuelle échouent les unes après les autres. Pour cette raison, Vittorio de Sica décide de re-passer devant la caméra et renoue avec une brillante carrière d'acteur dans des films remarqués comme  Madame de.  de Max Ophuls, Le général della Rovere de Rossellini ou Austerlitz d' Abel Gance. Il meurt le 13 novembre 1974. Sa filmographie ne compte pas moins de 28 longs métrages.  Ettore Scola lui rendra un bel hommage dans son film Nous nous sommes tant aimés, qui lui est dédié, et dont je vous parlerai prochainement. Témoin occasionnel d'un tournage, Scola raconte:  

Un matin, allant à pied à l'école, je traversais la Piazza Vittorio pour me rendre au lycée Umberto Ier qui est à côté de la basilique Sainte-Marie-Majeure et je vis un spectacle exceptionnel : la place était occupée militairement par des troupes inconnues, pleine d'armes étranges, des projecteurs avec de grosses lampes, des camions, des voitures. Je ne suis pas allé au lycée et je suis resté là à regarder : j'ai vu Vittorio de Sica qui tournait Le voleur de bicyclette, la scène à l'aube avec les balayeurs qui se rencontrent et qui partent à la recherche de la bicyclette. Il y avait Lambert Maggiorani, Gino Saltamerenda, un acteur de composition, célèbre pour sa corpulence. Je ne sais si c'est là qu'est né mon amour pour le cinéma - j'avais dix-sept ans - cependant ce jour-là j'ai ressenti quelque chose de fulgurant". Ceci explique cela.

 Et, puisque j'ai choisi, parmi l'abondante filmographie du cinéaste italien, d'analyser plus particulièrement  Le voleur de bicyclette qui marque une date importante dans sa production et dans l'art cinématographique, voyons comment de Sica, avec une extraordinaire économie de moyens, a décrit la détresse muette des faibles et des affligés.

Antonio Ricci, pauvre chômeur, se voit offrir un travail, celui de colleur d'affiches, à condition qu'il dispose d'une bicyclette pour ses déplacements. Il en a bien une, mais elle a été engagée au mont-de-piété et ce n'est qu'à la suite de nouvelles privations qu'il parvient à la récupérer. Mais, dès le premier jour, celle-ci lui est volée par un adolescent qui s'empresse de disparaître et l'essentiel du film consiste à nous montrer la quête angoissée du vélo et du voleur. En compagnie de son jeune fils, Ricci parcourt les divers quartiers de Rome et cette traversée de la ville revêt les aspects d'une épopée, tout en nous plongeant dans la vie romaine de l'après-guerre. Finalement Ricci retrouve son voleur, un garçon épileptique encore plus infortuné que lui, et, faute de preuves, renonce à porter plainte. Si bien qu'à son tour, il vole une bicyclette mais si maladroitement qu'il se fait  molester par la foule et ne doit son salut qu'au sang-froid de son enfant. Apitoyé par tant de détresse, le propriétaire du vélo laisse filer le père et le fils au lieu de les conduire au commissariat.

Le film se termine sans que le metteur en scène ne cherche à conclure, laissant à chacun le soin de tirer les conséquences de cette élégante démonstration : l'urgence de refonder une société qui se révèle incapable de répondre aux besoins élémentaires de l'homme et condamne les déshérités à le demeurer. On sent l'influence d'un Chaplin qui savait, ô combien !  - et avec autant d'humour que d'émotion, nous donner à voir la misère des bas-fonds new-yorkais. Mais il y avait chez Chaplin une plus grande distance. Restaient présent à son esprit le fait que l'homme est toujours l'homme, de quel bord qu'il soit, et que l'enfer lui-même est pavé de bonnes intentions.

Dans Le voleur de bicyclette, de Sica veut tout d'abord séduire le spectateur par le choix d'un sujet émouvant, ensuite le convaincre que le 7e Art est en mesure de délivrer des messages forts. On ne peut guère douter qu'il n'y ait eu de sa part un souci de prosélytisme et il est difficile de ne pas surprendre dans ce film un léger accent de propagande. Mais n'importe, ce dernier est bien ficelé, les images sont belles, il ne manque qu'un rythme mieux scandé, plus rapide ; on tombe trop souvent dans des images conventionnelles, un style nouille qui frise le mélo. Ce sont là des facilités que ne seraient pas permises un Fellini, même un Rossellini. Il y avait chez de Sica, malgré ses qualité évidentes et son talent que personne ne peut mettre en doute, trop de complaisance à émouvoir, des soulignements inutiles, des répétitions fréquentes qui ralentissent l'action et lui prêtent parfois une regrettable mièvrerie. Par ailleurs, le cinéaste nous charme par sa sensiblité, sa chaleur, sa générosité auxquelles il est difficile de résister. Ce diable d'homme, s'il ne convainc pas toujours, finit par captiver. Son cinéma, comme ses interprétations, distillent quelque chose de profondément humain. L'Italie est si présente avec ses excès, ses faiblesses, ses passions, son fatalisme et sa fierté jusque dans les douleurs les plus grandes. On sent que De Sica est italien jusqu'à la racine des cheveux. Ce qu'il souhaite avant tout est de parler de l'Italie, de dire l'Italie, de décrire l'Italie du petit peuple, qu'il a cotoyée à Naples, ces gens qui parlent fort, sont en permanence au bord du rire et des larmes. Il a réalisé ce film à peu de frais et sans avoir recours à des vedettes, tant il voulait que ses personnages expriment une réalité qui leur collait à la peau. Il mit beaucoup de temps avant de porter son choix sur des non-professionnels comme Lamberto Maggiorani et le jeune Enzo Staiola qui, tous deux, expriment avec gravité et tant de conviction naturelle la résignation bouleversante des démunis.

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De la projection d'un film de Fellini, on sort rarement indemne. Certes La Dolce Vita n'est pas le long métrage du cinéaste que je préfère, mais il apparait évident que c'est là une oeuvre charnière, capitale, dérangeante, comme le sera plus tard  Satyricon et que ce film prélude au terrible réquisitoire que le grand metteur en scène ne cessera plus d'adresser à notre société avec autant de désespoir sans doute que de dureté. Ne serait-ce que pour cette raison, il est incontournable. La perspective décadentielle de Fellini était proche de celle de Visconti, mais chacun des cinéastes traitera ce sujet avec son génie propre, l'un avec plus de faste, l'autre plus de cynisme, aussi en assistant à la projection, ai-je éprouvé un malaise et je me souviens avoir pris un léger remontant en rentrant chez moi. D'ailleurs ce film sulfureux suscita, lors de sa sortie, des réactions extrêmement violentes, excessives, mais l'étalage d'autant de vices, d'orgies, de débordements ne pouvait pas ne pas émouvoir un public qui n'y était pas préparé. Il faut se reporter aux années 60 et à cette gaieté superficielle qui régnait un peu partout. C'était le temps des yé-yé, chez nous des trente glorieuses que l'on pensait éternelles. Le film fit l'effet d'un coup de poing et inspira des commentaires virulents. Un cinéaste avait osé montrer ce qui ne devait pas l'être et, de plus, ce cinéaste le faisait avec génie. C'en était trop... On aurait préféré qu'il continuât à nous émouvoir avec des films poétiques comme La Strada  et Les nuits de Cabiria, alors que, sautant le pas, osant tout, prenant tous les risques, il nous jetait à la figure le spectacle de notre crépuscule, de nos illusions perdues, de nos tares, de nos méfaits, de notre déliquescence.

Pour le spectateur d'aujourd'hui, il est clair que Fellini est l'un des plus grands cinéastes avec Dreyer, Eisenstein, Lubitsch, Renoir, Welles, Bergman, Visconti, maître parmi les maîtres, mais en 1960, il n'était pas encore assis sur le sommet de l'Olympe cinématographique et les critiques les plus virulentes et les plus injustes lui furent assénées. La société n'aime guère que l'on bousculât ses habitudes, encore moins sa vision des choses, qu'elle s'efforce toujours de modeler à sa convenance.

L'histoire de La Dolce Vita est difficile à raconter tant elle est complexe, ramifiée autour de plusieurs personnages, tous en proie à des difficultés existentielles, tous atteints de dépression morbide qui mènent les uns au suicide ou à une vie dissolue, les autres à la boisson ou dans le cabinet feutré d'un psychiatre. Ce beau monde ne cesse point de s'étudier, s'analyser, se plaire et se déplaire, s'accoupler, s'enivrer, cédant aux excès les plus répréhensibles avec une sorte de jubilation funèbre. Avec ce film, Fellini a libéré son imaginaire et engagé son inspiration sur la voie de l'onirisme et de la psychanalyse, un monde dont on sait combien les certitudes s'effilochent avec le temps. Le metteur en scène, sans vouloir jouer les moralistes, propose à notre réflexion des interrogations auxquelles il n'apporte pas lui-même de réponse mais, à l'égard desquelles, il est difficile de ne pas réagir. Le Clézio  l'a fait avec talent :

" Le cinéaste nous aventure au milieu de sociétés qui n'ont rien à nous apprendre de définitif sur elles-mêmes, des sociétés de doute, des sociétés non pas de pierre mais de sable et d'alluvions. La société selon Fellini est une société incertaine. D'abord parce que cette société est une société en train de s'écrouler. Corrompue, débauchée, ivre, grimaçante, la société que nous fait voir Fellini est en complète décadence. Mais elle ne l'est pas inconsciemment : il s'agit d'un monde en train de s'interroger, de se tâter, qui hésite avant de mourir. Fellini est le plus impitoyable témoin du pourrissement du monde occidental. Le paysage humain qu'il nous montre en mouvement est à la fois la plus terrible et la plus grotesque caricature de la société des hommes. Bestiaire plutôt qu'étude humaine, elle nous montre tous les types de groins et de mufles dans toutes les situations : prostituées, déesses, androgynes, succubes, ecclésiastiques hideux, militaires abominables, parasites, artistes, faux poètes, faux prophètes, hypocrites, assassins, menteurs, jouisseurs, tous réels et tous méconnaissables, enfermés dans leur propre enfer, et perpétuant leurs crimes mécaniques sans espoir d'être libres, sans espoir de survie. En deçà de la parole, en deçà de l'amour et de la conscience, ils semblent les derniers survivants d'une catastrophe incompréhensible, prisonniers de leur zoo sans spectateurs. Cette société maudite est la nôtre, nous n'en doutons pas".

Qu'ajouter de plus à cette analyse de l'écrivain, sinon que personnellement je reproche à ce film de ne pas inclure une lueur d'espérance, de nous montrer une civilisation irrémédiablement perdue, sans l'ombre d'un salut possible, de cadenasser toutes les issues qui pourraient nous laisser entrevoir, ne serait-ce qu'une raie de lumière. Ce vaisseau-là sombre corps et biens et nous assistons à son naufrage avec une certaine indifférence car, malgré tout, nous savons que le monde n'est pas aussi noir que le cinéaste met une certaine complaisance à nous le dépeindre. Il y a ici et là des hommes et des femmes de bonne volonté, des gens de devoir et de conviction, des artistes sincères et de vrais poètes, des aventuriers intrépides et des mécènes, des infirmiers du corps et du coeur ; oui, il y a encore des portes qui ouvrent sur des lendemains meilleurs...

Comme dans tous les films de Fellini, la distribution est éblouissante. Marcello Mastroianni interprète avec son naturel désarmant un journaliste spécialisé dans les faits divers et les chroniques mondaines, Anouk Aimée est une Maddalena inquiète, ne sachant ni où se situer, ni où porter ses pas ; Alain Cuny est sinistre à souhait en écrivain-philosophe atrabile, muré dans ses concepts au point que, pris de vertige à la vue de son propre abîme intérieur, il se suicide après avoir tué ses deux enfants ; Magali Noël, en danseuse de cabaret, apparait comme le seul personnage à peu près normal dans cette galerie de portraits sinistres et s'auréole d'un semblant de grâce ; quant à Anita Ekberg, elle rassemble sur sa personne les ridicules de la star hollywoodienne insupportable, capricieuse, provocante, outrancière, exhalant en permanence un relent de scandale. La scène, où elle se baigne tout habillée dans la fontaine de Trévi, est restée l'image la plus célèbre du cinéma italien. Comme des millions de touristes visitant la ville éternelle, je n'ai pu m'empêcher d'évoquer Fellini sur ces lieux mythifiés par ce film mémorable, empreint d'un charme pervers, presque maléfique, en même temps que doté d'une puissance incantatoire qui le situe parmi les oeuvres cinématographiques majeures du XXe siècle. Et, en de début de XXIe siècle, où le monde traverse des pertubations d'une gravité rare, ce film restauré est ni plus, ni moins prophétique, nous donnant à voir l'image même de notre société décadente.

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Réussite indiscutable, ce film d'époque n'en reste pas moins d'actualité. Il y a aujoud'hui encore dans notre société permissive des Valmont qui savent user et abuser des autres afin d'assouvir leur volonté de puissance et de séduction, et des Madame de Merteuil prêtes à toutes les compromissions pour parvenir à leurs fins et satisfaire leurs vanités. Oui, le monde n'a guère changé, sinon que le décor et les toilettes, le raffinement des objets, la grâce des coloris sont rarement à ce niveau d'élégance. Et surtout que la belle langue française n'est plus parlée et écrite  à ce degré de perfection. Il y  a eu depuis lors beaucoup de relâchement ... Au final, nous n'avons conservé au XXIe siècle que le plus mauvais : la privauté des moeurs.

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