Overblog Suivre ce blog
Administration Créer mon blog
1 octobre 2013 2 01 /10 /octobre /2013 09:13

le-samourai-67.jpg

                                    

 

« Le Samouraï », film de Jean-Pierre Melville est sans doute le chef-d’œuvre du genre par sa sobriété, sa rigueur, son unité de temps, son économie de moyens et la remarquable interprétation d’Alain Delon, au sommet de son art, dont la présence magnétique donne à l’opus sa densité et son rayonnement. Aucune œuvre moins bavarde ; celle-ci ne repose que sur les éclairages, les expressions, les gestes les plus minutieux, le tempo d’une savante lenteur qui ne quitte pas un instant de vue le personnage ambigu de Jef Costello, tueur à gages solitaire et désenchanté. On comprend que le scénario ait d’emblée séduit l’acteur de 30 ans qui devait se reconnaître dans ce loup isolé qui préfère mourir à la façon du samouraï, en mettant sa mort en scène lui-même et en la provoquant, que de sombrer dans le déshonneur.

 

L'histoire est celle de ce Jef Costello qu’un clan du milieu parisien a chargé de l’exécution du patron d’une boîte de nuit huppée, ce qu'il fait dès le début du film. En sortant du bureau, où gît le cadavre de sa victime, il croise la pianiste du club, Valérie ( Cathy Rosier ). Malgré un alibi  bien construit, il est suspecté par le commissaire ( formidable François Périer ) chargé de l'enquête qui sera dans l’obligation de le relâcher, car la pianiste de la boîte  nie le reconnaître, ce qui est faux. Jef ne comprend pas pourquoi elle agit ainsi. Il se rend ensuite au point de rendez-vous convenu avec son employeur pour récupérer l'argent du contrat.

 

film-1017-4.jpg

 

Un homme blond, faisant office d'intermédiaire, s’acquitte de cette tâche en lui tirant une balle dans le cœur mais, grâce à ses bons réflexes, Jef s’en tire avec une égratignure au bras. Désormais, il va s’employer à remonter à la source et à démasquer ceux qui ont cherché à l’éliminer, tout en jouant au chat et à la souris avec la police qui guette le moindre de ses faits et gestes, le commissaire plus que jamais convaincu qu’il tient là son coupable. S'ensuit une traque dans le métro parisien et une perquisition chez la maîtresse de Jef, Jane Lagrange, que l’officier de police va tenter de déstabiliser, mais en vain. Le rôle est tenu par Nathalie Delon, alors l’épouse d’Alain, convaincante dans ce personnage courageux qui a vite fait de débusquer les intentions du policier.

De retour chez lui, Costello découvre, grâce au comportement anormalement agité de son bouvreuil, que quelqu’un a pénétré chez lui et y a posé des écoutes. Une seconde fois, intrigué à nouveau par l’agitation de l’oiseau, il se trouve en présence d’un émissaire du clan. Par chance, il parvient à le désarmer et à lui extorquer le nom et l’adresse de son commanditaire.

San plus tarder, il se rend à  cette adresse et constate qu'il s'agit de l'endroit où vit la pianiste. Il y retrouve celui qu'il cherchait et le tue avant de regagner la boîte de nuit, de sortir son revolver et de le pointer sur la pianiste  au vu et au su de l’assistance. La police, qui l’attend embusquée derrière une porte, l'abat sur place avant de découvrir que son revolver n'était pas chargé.

 

477510840_f44f950849_o.png

 

Peu de rebondissements dans cette œuvre tirée d’un roman de Joan McLeod, mais un narratif linéaire sans flash-back, un récit concentré sur le personnage de Jef qui ne quitte pas l’écran, ne parle pas, mais jouit d’une présence grave et tragique car il se sait condamné à plus ou moins brève échéance. Delon tient  là l’un de ses plus grands rôles. Le moindre de ses gestes prend une énorme importance, ainsi la façon de mettre son chapeau, de relever le col de son imperméable, de fixer son regard sur un interlocuteur, oui, le moindre détail prend une force et une importance incroyable. C’est tout l’art de Melville qui disait à propos de ce film : «  La peinture d’un schizophrène par un paranoïaque ». On sait que lui-même était une personnalité complexe et solitaire. Le choix d’Alain Delon s’imposait ; Melville prend comme acteur son alter égo qui est dans la vie, comme il l’est lui-même, un loup solitaire, un homme sans concession ni dans sa vie, ni dans son métier. Le résultat est prodigieux. « Le Samouraï » est aujourd’hui encore une œuvre de référence, tant il est parfait dans sa composition et son déroulement, avec les éclairages gris-bleu de Henri Decaë et le chant nostalgique du bouvreuil,  symbole éloquent de l’emprisonnement intérieur.

 

5-etoiles

 

Pour consulter l'article consacré à Jean-Pierre Melville, cliquer sur son titre :

 

JEAN-PIERRE MELVILLE OU L'OEUVRE AU NOIR

 

Et pour prendre connaissance des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :


LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL


 

Alain-Delon-samourai-3.jpg

 

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA FRANCAIS
commenter cet article
30 septembre 2013 1 30 /09 /septembre /2013 10:17

david-lean_la-fille-de-ryan.jpg

                                           VIDEO

 

L'Irlande pendant la 2ème guerre mondiale voue une haine tenace aussi bien à l'ennemi qu'à l'occupant anglais. Dans un village, Rosy Ryan, fille du tavernier, est amoureuse de Charles Schnaughessy, un instituteur quadragénaire. Le mariage a lieu, mais Rosy est vite déçue par la monotonie de son existence, jusqu'au jour où elle rencontre le commandant anglais Randolph Doryan qui, ayant été gravement blessé sur le front français, est en convalescence au village. Leur passion va susciter, au moment même où les opposants débarquent des armes sur la côte en pleine tempête, des réactions d’une rare violence...car le pays est en pleine insurrection et le major anglais représente  ce que la population exècre le plus.  Aussi la jeune femme va-t-elle concentrer sur elle et, à son insu, sa fureur aveugle, ce  qui l’obligera à fuir le pays avec son époux, alors que le major se donnera la mort …

 

Ce très beau film de Lean, après les succès que furent « Le pont de la rivière Kwaï »,  « Lawrence d’Arabie » et « Le docteur Jivago », va être quasiment assassiné par une presse déchaînée, en tête de laquelle figure la journaliste Pauline Kael, au point de décourager le réalisateur qui, jusqu’alors, avait été encensé par elle, de poursuivre sa carrière. Il lui faudra attendre 14 ans, soit 1984 pour ré -apparaître derrière une caméra lors du tournage de « La route des Indes ». Que s’était-il passé pour que la critique vire de bord à ce point et agisse comme l’aurait fait un tribunal en formulant contre l’auteur de tant de succès, sous forme d’un réquisitoire, une condamnation imméritée dont le malheureux sortira anéanti ?

 

small_188200.jpg

 

Difficile de le dire. Une certaine lenteur peut-être, un petit quelque chose avec le bovarysme qui ne correspondait plus à l’époque, une incontestable naïveté dans la narration, des personnages trop stéréotypés, difficile à dire car l’opus réserve de belles surprises et déroule devant nos yeux des scènes magnifiquement filmées, des paysages grandioses et une interprétation irréprochable. Seule la musique de Maurice Jarre peine un peu, elle n’a pas l’éclat, le romantisme des musiques qui restèrent si longtemps dans les mémoires, celles du docteur Jivago et de Lawrence d’Arabie. Là, à l’évidence, le musicien se montre moins inspiré. Mais les interprètes ne le sont pas. On découvre une Sarah Miles, femme du scénariste Robert Bolt, très juste dans son personnage de femme passionnée et insatisfaite, un Chistopher Jones – que l’on ne reverra plus jamais à l’écran après ce film –  tour à tour glacé et fou d’amour, hautain et vibrant et un John Mills saisissant dans le rôle difficile de l’idiot du village qui, en fin de compte, est le seul vrai témoin des événements et, enfin, un Trevor Howard plein d’humanité dans celui du curé de la paroisse qui tente désespérément de ramener les villageois à la raison.

 

vlcsnap59393ko2.jpg


La variation bovarienne prend ici pour décor une falaise gigantesque dans la province irlandaise de Dingle, un bourg traditionnel entièrement construit pendant l'hiver 1968 pour être détruit à la fin du tournage, une plage immense où Lean et son équipe passeront des jours entiers à attendre que le soleil ou la pluie daignent se prêter aux besoins du tournage. Lequel durera 52 semaines, quand il était prévu de n'en prendre que dix.

Il faut ajouter à cela une variété extraordinaire de péripéties humaines et techniques. Lean et Mitchum ne s'entendaient guère et ne se parlaient que par l'intermédiaire de Sarah Miles, qui s'efforçait d'en rire. Quant à la grande scène de tempête, que Lean ne trouvait jamais assez spectaculaire, elle fut d’abord filmée en Irlande avant de finir par être tournée en Afrique du Sud.

 

Achevé au début de l'année 1970, ce tournage éreintant, même pour l'habitué des projets aventureux qu'était  David Lean, donna un fruit amer comme rarement un réalisateur eut l'occasion d'y goûter. Son nom s'estompa derrière ceux de Lawrence et de Jivago, que presque tous les spectateurs du monde connaissent sans toujours  pouvoir dire à qui ils les doivent.  « La Fille de Ryan », engeance maudite à tous points de vue, disparut plus encore, et même ses deux Oscars (meilleure photographie et meilleur acteur dans un second rôle pour John Mills) ne purent le sauver de ce naufrage programmé.

 

De nos jours, nous re-visionnons ce film avec plaisir, même ses défauts s’estompent car il y a une vraie beauté dans les images, une vraie authenticité dans les personnages, ainsi ce père qui a trahi son village mais, par orgueil et frousse, n’avouera jamais et laissera sa fille en porter l’opprobre. Enfin, comment oublier le rôle à contre-emploi de Robert Mitchum en mari cocu mais si bon, si épris, et tellement moins vulgaire et ridicule que le Monsieur Bovary de Flaubert. Il donne au film sa dimension déchirante et humaine, digne et fière qui ne peut manquer de toucher le plus récalcitrant des cinéphiles. « La fille de Ryan » mérite de sortir enfin de son purgatoire et de prendre toute sa place dans la filmographie de ce grand imagier.

 

4-e-toiles

 

Pour consulter l'article consacré à David Lean, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

DAVID LEAN, L'IMAGIER PRESTIGIEUX

 

vlcsnap-175058.png

 

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA AMERICAIN & CANADIEN
commenter cet article
27 septembre 2013 5 27 /09 /septembre /2013 09:50

BenHur2.jpg

 

Toujours à la recherche de nouvelles inspirations, Hollywood dans les années 1920 n'hésite pas à s'emparer d'un genre qui fait les beaux jours du cinématographe italien : le péplum. Et les studios vont s'en donner très vite les moyens...

Parler de péplum au cinéma avant la fin des années 50 constitue un anachronisme, puisque c'est à cette date seulement que le terme est apparu en France, puis en Italie et, le plus souvent, dans un sens péjoratif. Jusqu'alors, les Anglo-Saxons parlaient "d'épic film" ou de "Sword and sandals" soit " épée et sandales", péplum signifiant "tunique", lorsqu'il s'agit des productions les plus kitsch du genre. Derrière ces termes assez vagues se cachent des films où il est question de l'Antiquité que ce soit d'un point de vue historique, mythologique ou simplement imaginaire, voire même les trois à la fois. Quoi qu'il en soit, le péplum est l'un des genres les plus anciens du 7e Art. Jusqu'en 1914, Hollywood ne s'y intéressait guère, mais en découvrant "Cabiria" de Giovanni Pastrone, le public et les producteurs américains vont progressivement se familiariser avec cet univers où l'histoire biblique croise celle des esclaves révoltés et autres valeureux gladiateurs et empereurs sanguinaires.

 

10-commandements1.jpg

 

 

En 1923, Cecil B. DeMille et ses "Dix commandements" met définitivement le feu à la machine hollywoodienne et enlève à l'Italie le flambeau de l'épopée populaire. Sa maestria et la puissance de la production américaine, qui ne mégote pas sur les moyens, donnent des oeuvres d'une dimension impressionnante qui, avec force figurants, décors et costumes remportent un succès planétaire à l'instar de "Le Roi des Rois" ( 1927 ) qui raconte la vie de Jésus, "Le signe de la Croix" (1932) sur les débuts du Christianisme ou bien encore "Cléopâtre" (1934) avec Claudette Colbert dans le rôle titre.Le péplum américain fait définitivement basculer Hollywood dans l'ère des superproductions et contribue, sous l'impulsion de DeMille, à l'élaboration de son mythe. D'autres réalisateurs s'essayent au genre comme Griffith, Niblo et également Lubitsch. Ce dernier réalise en 1922 "La femme du Pharaon", un film produit par Adolph Zukor avec des exigences et des moyens proprement hollywoodiens, mais la particularité de faire entrer un peu de comédie dans l'univers sérieux et codifié du péplum.

 


45555185.jpg
 

 

Ce goût pour un genre venu d'Europe conservera sa puissance jusqu'au milieu des années 60. Régulièrement, de grands cinéastes apportent leur contribution et ce n'est pas un hasard si le premier film en CinémaScope n'est autre que "La Tunique" tourné en 1953 par Henry Koster, tandis qu'en 1954 Michael Curtiz déploie tous les charmes de ce même procédé technique pour conter "L'Egyptien", soit la vie tumultueuse d'un certain Sinouhé. L'année suivante, c'est au tour de Howard Hawks de retracer la construction de la pyramide de Chéops dans "La terre des Pharaons", sans oublier la "Cléopâtre" que Mankiewicz signe en 1963. Si le tournage demeure un véritable cauchemar, il n'en reste pas moins l'une des plus grandes réussites du genre. Citons encore "La chute de l'Empire romain" réalisé par Anthony Mann. Autrement dit, les empires romains ou égyptiens n'en finissent pas de fasciner l'empire américain. Et, c'est précisément lorsque celui-ci vacille au gré des soubresauts révolutionnaires et des guerres de libération des années 1960, que la mecque du cinéma d'Outre-Atlantique se détache du péplum pour se consacrer davantage aux épopées du présent. Néanmoins, "Gladiator" de Ridley Scott ( 2000) et "Troie" de Wolfgang Petersen (2004) prouvent que le genre n'a pas encore éteint ses derniers feux.

 

Sources : Laurent Delmas

 

Pour prendre connaissance de la rubrique MES BILANS, cliquer sur le lien ci-dessous : 


LISTE DE MES BILANS CINEMATOGRAPHIQUES

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


gladiator-haut-3871142jikly_1731.jpg

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans MES BILANS
commenter cet article
16 septembre 2013 1 16 /09 /septembre /2013 13:20
ARIANE de BILLY WILDER

Ariane (Audrey Hepburn) vit à Paris dans l'appartement de son père, Claude Chavasse (Maurice Chevalier). Ce dernier est détective privé et consacre la quasi totalité de son temps à des affaires d'adultère. Jusqu'au jour où l'un de ses clients trompés profère des menaces de mort à l'encontre de l'amant de sa femme, le richissime Flanagan (Gary Cooper). Témoin de la scène, Ariane décide de le prévenir afin d'éviter le drame. L'hôtel Ritz est le théâtre de leur rencontre et deviendra celui de la relation passionnelle qu'ils ne tarderont pas à partager.

 

Le 30 juin 1957, Ariane (Love in the Afternoon) sort sur les écrans américains. Construite comme un hommage à Ernst Lubitsch, cette comédie marque une étape importante dans la carrière de Billy Wilder. Une étape au cours de laquelle le cinéaste se sépare de son compère Charles Brackett pour entamer une relation de près de trente ans avec I.A.L. Diamond. Mais avant d’évoquer cette collaboration fructueuse, voici un court aperçu du parcours de Billy Wilder ...

Natif d’une petite ville de Pologne, Wilder suit d’abord une formation de juriste qu'il abandonne rapidement pour devenir journaliste. Il se consacre ensuite à l'écriture de scénarios et travaille pour le célèbre studio allemand U.F.A. jusqu'à la prise de pouvoir du régime nazi. Wilder fuit alors son pays et, après un court séjour en France (où il réalise Mauvaise Graine en 1933 avec Danièle Darrieux), s'installe à Hollywood et vend son premier script. Son talent est rapidement reconnu, ce qui lui vaut d’être associé à Charles Brackett pour l’écriture de La huitième femme de Barbe-Bleue  (Ernst Lubitsch, 1938). Les deux hommes s'entendent à merveille, poursuivent leur collaboration et deviennent bientôt les scénaristes les mieux payés d'Hollywood. Adorés des studios et de la profession en général, ils sont nominés à trois reprises aux Oscars pour les scénarios de Ninotchka (1939), La Porte d'or (1941) et Boule de feu (1941). Toutefois, Billy Wilder fait preuve de mécontentement à l’égard du traitement accordé à ses scripts et développe rapidement des velléités de cinéaste. Toujours associé à Brackett dans les phases d’écriture, il démarre sa carrière de metteur en scène en 1942 avec Uniformes et jupons courts. Les deux artistes donnent ensuite naissance à douze films tant sur le registre de la comédie que sur celui du film noir (Assurance sur la mort, La Garçonnière). Puis vient le projet  Ariane et la rencontre avec I.A.L. Diamond : de 14 ans son cadet, Diamond est un jeune écrivain dont Wilder a apprécié le travail dans des magazines. Il est également auteur de sketchs dans lesquels sa plume acerbe fait régulièrement mouche. Définitivement séduit par ce talent, Wilder lui propose de devenir son nouveau collaborateur. Les deux hommes s’entendent immédiatement, et tandis que le cinéaste se concentre sur la dramaturgie de son récit, Diamond prend en charge les dialogues. A ses côtés, Wilder orientera son style vers la comédie douce amère et, sans jamais perdre sa causticité, peu à peu se laissera aller vers une certaine forme de romantisme. Le duo signera quelques œuvres souvent jugées irrévérencieuses mais devenues au fil des ans de véritables mètres étalon de la comédie moderne. Parmi ces œuvres, on pense notamment à Certains l’aiment chaud, La GarçonnièreEmbrasse-moi, idiot et donc... Ariane.

 

Ariane est l’adaptation d’un roman de Claude Anet (Ariane, jeune fille russe) dans lequel la jeune héroïne entretient une relation passionnelle avec un homme d’âge mûr. Ce pitch est l’occasion pour Wilder et Diamond de dresser un portrait au vitriol du mâle américain et de dénoncer l’aliénation de l’individu dans la société moderne. Ici, l’individu en question n’est autre qu’Ariane, à la fois soumise à l’autorité paternelle et à celle de son amant. Afin de se défaire de cette double emprise, elle utilisera le mensonge, jouera sur les apparences et devra faire preuve de beaucoup de malice. La voir ainsi manipuler Flanagan, ce riche industriel blasé des histoires d’amour, est un véritable plaisir pour le spectateur. Peu à peu, le récit montre comment les rôles s’inversent (la jeune innocente devient manipulatrice, tandis que le vieux séducteur retrouve des émotions d’adolescent) jusqu’à trouver un équilibre qui les verra finalement se dévoiler avec franchise. Doté d’un charme de tous les instants, ce scénario diffuse un discours délicieusement acerbe et ponctué de dialogues absolument exquis. Citons par exemple Monsieur Chavasse, révélant une nouvelle affaire à sa fille : « A client from Brussels. His wife ran away to Paris with the chauffeur. I have to find them ; the husband wants his car back. » Ou encore la fameuse introduction du film pendant laquelle le narrateur explique : « In Paris people eat better, and in Paris people make love, well, perhaps not better, but certainly more often. » Enfin, terminons par cette petite pique de Wilder à l’encontre des Américains lorsqu’Ariane les décrit à son ami : « They're very odd people, you know. When they're young, they have their teeth straightened, their tonsils taken out and gallons of vitamins pumped into them. Something happens to their insides ! They become immunized, mechanized, air-conditioned and hydromatic. I'm not even sure whether he has a heart. »

 

Mais dramaturgie et dialogues ne suffisent évidemment pas à expliquer le charme envoûtant d’Ariane. Un film qui, tel d’un bon vin, se bonifie au fur à mesure des dégustations. Car pour l’apprécier pleinement, il faut procéder à l'instar de son héroïne avec son amant : après une première rencontre pleine de charme, il est conseillé de répéter l'expérience. Une première fois, une deuxième, une troisième puis encore et encore jusqu'à tomber éperdument amoureux de cette œuvre intelligente et aux multiples facettes. Nul doute que certains critiques de l’époque n’ont pas pris ce temps et ont rédigé leurs papiers assassins à l’emporte-pièce.

 

Avec Ariane, Billy Wilder fait pourtant preuve d'ambition et de maîtrise en adoptant un style marqué par les années 30/40, un style proche de celui d'Ernst Lubitsch. Il choisit notamment de tourner en noir et blanc et s'attache les services de William C. Mellor, directeur photo couronné d'un Oscar en 1952 pour Une place au soleil (George Stevens). Le regard empreint de douceur qu’il pose sur les décors imaginés par Alexandre Trauner, combiné à la simplicité des mouvements d’appareil de Wilder, concourent à donner au spectateur l’impression d’un film tourné en plein âge d’or.

Mais l’hommage à Lubitsch ne se limite pas à une mise en image nostalgique de cette période faste. Il instille dans son écriture et sa mise en scène un comique de répétition parfaitement orchestré : dans l'hôtel, Flanagan reçoit régulièrement ses conquêtes selon un protocole réglé au millimètre. Et si les situations se répètent, elles ne provoquent jamais le moindre ennui car toujours rythmées par des gags récurrents et souvent hilarants. Citons, par exemple, ceux provoqués par ce petit chien sans cesse puni pour des bêtises qu’il n’a pas commises ou encore les allers et venues d'un orchestre de Gitans muets. Cet orchestre dont tous les amoureux d’Ariane se souviennent avec nostalgie, donne au film un ton résolument musical et marqué par quelques belles compositions. Comment ne pas évoquer l’excellente utilisation de Fascination, thème amoureux devenu depuis un véritable standard. Une mélodie simple et entrainante dont le spectateur a bien du mal à se détacher après la projection...

 

Continuons, car la filiation entre Ariane et les films de Lubitsch ne s'arrête pas là ! En choisissant Gary Cooper pour interpréter Flanagan, Billy Wilder fait un pas de plus vers le cinéma de son mentor. Néanmoins, rappelons que Cooper n'était pas le premier choix de Wilder. Le cinéaste rêvait depuis longtemps de diriger Cary Grant. Il lui avait notamment proposé le premier rôle de Sabrina que Grant avait refusé au profit de Bogart. Tenace, Wilder revient donc à la charge pour Ariane et lui offre d’interpréter Flanagan. Dans un premier temps, Grant accepte mais lorsqu'il apprend qu'il devra donner la réplique à Audrey Hepburn, il abandonne le projet. La différence d'âge lui paraît trop exagérée, il ne croit pas à cette histoire d'amour. Wilder accuse le coup et se tourne vers Yul Brynner. C'est à nouveau un refus et vient alors l'idée de Cooper : âgé de 56 ans, Cooper est l'incarnation même du mâle américain des années 30/40. Et de surcroit, il est l'acteur "lubitschien" par excellence ! Dans Ariane, il incarne un riche industriel. Séducteur de tous les instants, son personnage évoque celui de Linus Larrabee (Humphrey Bogart) dans Sabrina. Mais il fait également référence au héros de La huitaine femme de Barbe-Bleue. Sous l'œil de Wilder, Cooper endosse le rôle d'un séducteur pris à son propre piège. On le voit aux bras de nombreuses jeunes femmes, les journaux ne cessent de relater ses aventures amoureuses jusqu’à sa rencontre avec Ariane. Pour donner corps à ce rôle, Gary Cooper use de son charme légendaire et impose une sorte de force tranquille. Certains critiques reprocheront sa présence en tête d’affiche, le jugeant trop âgé et non crédible dans son rôle de tombeur. Mais il paraît bien mesquin de réduire la critique d’un film à un tel argument. Comme le montre le récit, l'histoire d'Ariane et sa passion pour les potins mondains ont forgé en elle une fascination pour des personnalités comme celle de Flanagan. Dès lors, il n'est guère surprenant de la voir tomber dans les bras de cet Américain au regard ravageur et bâti comme un cow-boy !

 

Aux côtés de Gary Cooper, Billy Wilder offre le rôle de Monsieur Chavasse à Maurice Chevalier. Ici encore, il est évident qu'un tel choix n'est pas uniquement le fruit d'une réflexion sur les qualités d'acteur de Chevalier ! Digne représentant de Lubitsch, qui l'a dirigé dans Parade d'amour (1929) ou La Veuve joyeuse (1934), le comédien était l'archétype même du "French Lover". Devant la caméra de Wilder, il incarne le père d'Ariane : un homme affable, doux et malin, qui donne son tempo au film. Narrateur, il est celui dont la voix introduit le récit. Sur ce point, il est d'ailleurs amusant de comparer Ariane avec Gigi. Tourné un an plus tard, le film de Minnelli démarre exactement comme Ariane. Au cours d'un long monologue, Maurice Chevalier évoque Paris et ceux qui s'aiment avec le charme désuet de son accent français. Difficile de dire si Vincente Minnelli s'est inspiré de la mise en scène de Wilder mais l'analogie est  frappante...

 

Enfin le triangle des personnages ne saurait être complet sans la présence d'Audrey Hepburn. Habillée par Givenchy, elle promène sa silhouette légendaire sous le regard amusé de Billy Wilder. Totalement sous son charme, le cinéaste semble avoir façonné son film comme un écrin pour l'y accueillir. Peu de temps après le tournage, Wilder jouera au prophète en affirmant : «Le culte du néné a envahi le pays. Audrey Hepburn peut d'un revers de main envoyer les grosses poitrines au grenier. Plus jamais un réalisateur ne devra inventer des plans où la fille se penche en avant pour prendre un scotch ou un soda. » Si la déclaration est jolie, rappelons tout de même que, deux ans plus tard, Wilder retournera au "grenier" pour y retrouver Marylin Monroe avec qui il tournera Certains l'aiment chaud !!

 

Audrey Hepburn, Gary Cooper et Maurice Chevalier forment donc le trio d'Ariane. Trois comédiens qui, sous l'œil acéré de Wilder, donnent vie à un scénario cousu main. Avec ce film, Billy Wilder réalise certainement son œuvre la plus "lubitschienne". Une manière pour lui de rendre hommage à son mentor tout en offrant à son public une comédie à la fois douce et impertinente avec des acteurs inoubliables.

4-e-toiles

Pour prendre connaissance des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN et CANADIEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA AMERICAIN & CANADIEN
commenter cet article
16 septembre 2013 1 16 /09 /septembre /2013 08:50

Joe (Clint Eastwood), un tireur d'élite, arrive dans une bourgade mexicaine proche de la frontière : San Miguel. Deux bandes rivales, les Baxter et les Rodos, se disputent le contrôle de la région. Joe, qui assiste à un massacre de soldats mexicains par les Rodos, décide de tirer profit de la situation pour gagner quelques dollars. Il incite les bandits à se battre entre eux dans l'espoir de récupérer l'or que détient Ramon, le chef des Rodos. Un premier affrontement entre les bandits élimine une bonne partie des Baxter. Joe se charge de tuer lui-même les Rodos survivants. Une opération d'autant plus facile à imaginer que Joe a découvert le point faible du plus farouche des fils Rodos, son amour pour Marisol (Marianne Koch), une belle Mexicaine...

 

 

Judicieux mélange de violence et de baroque, ce film nous révèle un Clint Eastwood admirable dans son rôle de perturbateur, anti-héros jouant du colt avec maestria et crevant l’écran littéralement. Et puis il y a la musique enivrante d’Ennio Morricone, une imagerie grandiose et les mélanges audacieux, propre à Sergio Leone.  «  Pour une poignée de dollars » annonce déjà ses œuvres futures par leur style qui unit avec virtuosité la verve et l’outrance, l’ambiguïté des héros qui ne reculent devant rien pour imposer leur loi. Du grand art.

 

 

 Pour consulter la liste des articles de la rubrique CINEMA EUROPEEN, cliquer sur le lien ci-dessous :
 

LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

 

POUR UNE POIGNEE DE DOLLARS de SERGIO LEONE
POUR UNE POIGNEE DE DOLLARS de SERGIO LEONEPOUR UNE POIGNEE DE DOLLARS de SERGIO LEONE
Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN
commenter cet article
1 septembre 2013 7 01 /09 /septembre /2013 08:52

vestiges-du-jour

 

Un Américain, Lewis, vient d'acheter la riche et vaste demeure de Darlington Hall. A peine installé, il prie James Stevens (Anthony Hopkins), majordome dans la maison depuis plus de trente ans, de prendre des vacances bien méritées. Stevens décide d'en profiter pour rendre visite à madame Benn (Emma Thompson), qu'il connut et aima sans jamais le lui avouer, lorsqu'elle n'était encore que miss Sarah Kenton et oeuvrait comme gouvernante à Darlington Hall. Pendant le trajet, le vieux majordome se souvient. Il revoit son maître, lord Darlington, un inépuisable partisan du rapprochement entre l'Allemagne nazie et l'Angleterre, éprouvant encore l'espèce de fidélité qui le liait à cet homme controversé...mais se demandant si l’exercice de son devoir ne l’a pas fait passer à côté de l’essentiel : l’amour.


les-vestiges-du-jour-1993-6660-7205899.jpg

 

Admirable réflexion sur l’exercice du devoir porté à son paroxysme, le film de James Ivory, inspiré du roman de Kazuo Ishiguro, est une réflexion approfondie sur la domesticité envisagée comme une caste à part entière, peut-être plus noble que les nobles, un groupe social qui obéit à un code de l’honneur implacable. James Stevens, interprété par Anthony Hopkins dont c’est certainement le plus grand rôle, inoubliable dans ce personnage corseté par son souci constant de la perfection, va ainsi tout sacrifier à son emploi, délaisser son père mourant et laisser la femme qu’il aime, Sarah Kenton magnifiquement campée par la merveilleuse Emma Thompson, en épouser un autre. Quand ils se revoient à la suite de ce congé providentiel, il est trop tard, la vie a passé et Stevens ne récolte plus que les fruits amers d’une fierté qui l’a rendue plus rigide encore que son maître.

 

 

Filmé d’une caméra sobre et scrupuleuse, cet opus est un chef-d’œuvre de par la densité du sujet où l’on assiste à l’application pointilleuse d’un service domestique qui se veut hors de toute comparaison et s’emploie à exercer  sa mission à son degré ultime d’excellence, cela au prix de toute autre considération. La dignité de James Stevens est à la fois émouvante et tragique, tant il met de rigueur à évacuer de sa vie, ne serait-ce que l'ombre d'un sentiment qui risquerait de le détourner de son but. Quant à  Sarah Kenton, gouvernante irréprochable que Stevens admire pour sa probité professionnelle, elle saura quitter son emploi pour vivre une existence plus en phase avec les réalités du cœur. Le film doit beaucoup aux deux interprètes Emma Thompson et Anthony Hopkins qui portent leurs personnages jusqu’à l’incandescence, servis par un scénario parfaitement maîtrisé et des dialogues justes et économes. Magnifique.

 

5-etoiles

 

Pour consulter l'article que j'ai consacré à James Ivory, cliquer sur son titre :

 

JAMES IVORY OU GRANDEUR ET DECADENCE DES CIVILISATIONS

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


vestiges-du-jour-1993-05-g.jpg

 

LES VESTIGES DU JOUR de JAMES IVORY
LES VESTIGES DU JOUR de JAMES IVORY
Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN
commenter cet article
26 août 2013 1 26 /08 /août /2013 13:09

l-affiche-du-film--1-.jpg      VIDEO

 

Isabelle, une jolie jeune fille qui vient de fêter ses dix-sept ans, a apparemment tout pour être heureuse, malgré le divorce de ses parents et un père qui vit en Italie sans se préoccuper de sa progéniture. Mais le beau-père  (Frédéric Pierrot) est sympathique, joue son rôle sans en faire trop ni pas assez, la mère  (Géraldine Pailhas) est jeune, belle et dans le coup, le petit frère, qui aborde la puberté, en admiration devant sa soeur aînée, est un complice bienveillant, aussi tout se présente-t-il sous les meilleurs auspices à l'aurore de ces dix-sept printemps pour une adolescente fondue dans le moule de la jeunesse contemporaine. Le film commence alors que s'achèvent les vacances d'été. La jeune fille s'est liée d'amitié estivale avec un allemand et un soir, sur la plage, après une virée dans les boîtes de nuit de la station,  perd dans ses bras sa virginité de la façon la plus décevante qui soit.

 

Est-ce cette déception qui va l'inciter, dès son retour à Paris et la reprise de ses études de lycéenne, à se prostituer avec des hommes qui tous ont l'âge d'être son père, voire même son grand-père, on ne le saura jamais vraiment ? Ce sera le cas de Georges, le premier d'entre eux, un homme  de plus de soixante ans, qui la reçoit dans la suite d'un grand hôtel et, attendri par sa jeunesse et sa beauté, se révélera un client délicat et presque tendre et mourra lors d'une étreinte, son coeur fragile n'ayant pas résisté à ces assauts extra-conjugaux. Démasquée par la police, Isabelle, qui se faisait appeler Léa par sa clientèle, va devoir affronter sa mère et rendre des comptes. Et, c'est sans doute à ce moment-là que le film prend son ampleur. Oui, pour quelles raisons cette jeune fille de bonne famille, élève au lycée Henri IV, qui pourrait prétendre à un brillant avenir, est-elle habitée par une si tenace mélancolie et transgresse-t-elle tous les tabous apparemment sans désir et sans souci d'argent, puisque celui gagné, elle ne le dépensera même pas ? Il semble que François Ozon nous invite, grâce à un canevas assez lâche, à composer notre propre scénario à partir du sien, à nous livrer aux suppositions que suscite immanquablement son personnage admirablement campé par la mystérieuse et hypnotisante Marine Vacth, dont on ne connaîtra jamais la motivation profonde, sinon celle d'exercer sur des êtres qu'elle méprise un pouvoir éphémère. 

 

C'est ce côté éphémère, insaisissable, transgressif qui donne à l'opus une fascination particulière, malgré la faiblesse des dialogues, l'inconsistance des protagonistes et certaines scènes inutilement racoleuses. Mais rarement l'imagerie d'Ozon - qui n'est certes pas un de mes cinéastes préférés -  n'a été plus affinée, précise et poétique au fil des saisons et des chansons qui mêlent le passé et le présent et que murmure, de sa voix éternellement nostalgique, Françoise Hardy. Bien que le réalisateur ne célèbre ici que les plus basses réalités - celles du sexe et de l'argent, du vice et de l'oisiveté - il émane de "Jeune et jolie" une sorte d'incandescence que l'on doit en grande partie à la façon douce et inspirée dont Ozon filme son héroïne. Cette dernière, qui ne quitte pas l'écran, s'y profile étonnement par son absence psychologique, par ce regard tourné vers l'intérieur d'elle-même, ne cédant jamais à ses émotions, déesse d'une jeunesse sacrifiée sur l'autel des illusions perdues. Je ne suis pas "mauvaise", dit-elle à une amie de sa mère. Et, en effet, elle a raison, c'est le monde qui l'est... Aussi, est-ce sa part la moins incarnée qui nous retient le plus.

 

2-e-toiles


Pour consulter la liste des films de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquez sur le lien ci-dessous :

LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


Jeune--26-Jolie_jeune_jolie_portrait_rvb.jpg

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA FRANCAIS
commenter cet article
19 août 2013 1 19 /08 /août /2013 10:35

300px-PaleRiderCover.jpg        

 

En Californie, à l'époque de la ruée vers l'or, Lahood Corporation, puissante société d'orpailleurs entend contrôler la ville et ses habitants. Coy Lahood est fermement décidé à expulser les quelques mineurs isolés qui tentent de lui résister et à s'approprier leurs terres. Pour Hull Barret, sa fiancée et la fille de cette dernière, une ravissante adolescente, la situation devient chaque jour plus difficile. Surgit, alors que leur camp vient d'être sauvagement attaqué par les hommes de Lahood, un mystérieux cavalier solitaire.


 

palerider1.jpg

 

Il semble sortir de nulle part et se dit Pasteur. Eastwood reprend ici le thème déjà traité dans L'homme des hautes plaines avec un côté biblique qui fait entrer un peu de surnaturel dans un western où la violence reste très présente. Tout y est : la musique d'ambiance, les paysages âpres et sauvages, la petite ville écrasée de poussière et de chaleur, les gueules patibulaires, la jeune fille exaltée et, enfin, le cavalier mystérieux qui entend rétablir l'ordre au prix d'une violence toute biblique.

 

Une action assez lente, des acteurs parfaitement bien ciblés et une interprétation impériale d'un Clint Eastwood, qui semble prolonger le personnage qu'il campait autrefois dans les films de Sergio Leone, font de cet opus une réalisation sobre et convaincante. Le rôle de la jeune fille amoureuse du bel inconnu est quelque peu superflu et aurait pu être évité, tant le film vaut par la rigueur des scènes où s'affrontent, sans concession et avec une sauvagerie inouïe, l'homme chargé de rétablir la justice à n'importe quel prix et ces cavaliers de l'apocalypse uniformisés comme les forces du mal sortant de l'enfer du profit malhonnête et se livrant à une lutte sans merci. Une scène d'une froideur implacable qui donne au film sa force et prouve l'indéniable talent de Clint à traiter un scénario sous forme de parabole.  


4-e-toiles
 

Pour consulter l'article consacré à Clint Eastwood, cliquer sur le lien ci-dessous 


CLINT EASTWOOD - PORTRAIT

 

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


pale-rider-1985-08-g.jpg

 

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA AMERICAIN & CANADIEN
commenter cet article
27 juillet 2013 6 27 /07 /juillet /2013 10:39

220px-Bernadette_Lafont.jpg

 

Avec son sourire malicieux, son naturel inaltérable et sa voix gouailleuse,  Bernadette Lafont,  morte  à l'âge de 74 ans, incarnait l'insolence et la liberté du cinéma de la Nouvelle Vague. Chaque femme pouvait se reconnaître en elle tant elle était désarmante de naturel et pouvait se glisser dans n’importe quel personnage. "Je n'ai jamais voulu être cataloguée, ni avoir d'étiquette" - disait cette brune méditerranéenne aux traits généreux, citant Cocteau : "Les premières places ne m'intéressent pas spécialement. Ce que j'aime, c'est les places à part."

Celle qui a tourné plus de 120 films et adoré le théâtre, découvert à 40 ans, restera à jamais "La Fiancée du pirate" (1969), qui se venge de tout un village en couchant avec ses habitants sur l'air de "Moi, je m'balance" chanté par Barbara, et révèle par haut-parleur les médisances recueillies sur l'oreiller.

 

Le cinéma, elle le découvre à 17 ans. Fille de protestants qui voulaient un garçon - sa mère l'appellera toujours Bernard, elle naît le 26 octobre 1938 à Nîmes (Gard) où son père est pharmacien. Elle pratique assidûment la danse classique lorsqu'elle épouse le comédien Gérard Blain, rêvant d'être actrice à son tour. Lui s'y oppose, mais ils rencontrent l'équipe des Cahiers du cinéma. Claude Chabrol et François Truffaut veulent faire leur premier film. "Il n'y avait pas de producteur, pas d'argent. Donc, comme acteurs et actrices ils ont choisi Gérard et moi, entre autres." Ce sera "Les Mistons" (1957), tourné à Nîmes, où Truffaut la filme juchée sur sa bicyclette puis "Le Beau Serge" (1958) avec Chabrol qu'elle retrouvera à plusieurs reprises, entre autres pour "Les Bonnes femmes" (1960), "Les Godelureaux" (1961) ou "Inspecteur Lavardin" (1986). On la surnomme "la vamp villageoise". Truffaut la compare à Michel Simon pour son côté "voyou femelle" et parce qu'elle a l'air de "savoir vraiment la vérité de la vie". Il lui offrira "Une belle fille comme moi" en 1972.

 

 

bernadettelafont2.jpg

 

Séparée de Gérard Blain - ils resteront amis -, elle épouse à 20 ans un sculpteur hongrois, Diourka Medvecsky. Ils ont trois enfants dont Pauline, qui deviendra également actrice et mourra accidentellement en 1988 lors d'une balade en solitaire dans les Cévennes. Son corps ne sera découvert que trois mois après sa disparition. Bernadette Lafont se réfugiera dans le travail : "Le cinéma et le théâtre m'ont sauvée."

 

Elle connaît sa période "expérimentale" au début des années 1970 avec Bulle Ogier ou Jean-Pierre Kalfon dans des films dirigés par son mari, par Jacques Baratier ou Lazlo Szabo. En 1973, elle joue pour Jean Eustache dans "La maman et la putain", puis, en 1978, c'est la rencontre avec le théâtre. "Je veux bien ne jamais faire de cinéma si je peux toujours faire du théâtre", dit alors cette autodidacte. Elle joue Copi en 1981 puis Guitry, Pagnol ou "Les monologues du vagin" d'Eve Ensler (2002).

 

Parallèlement, elle continue de tourner, avec Juliet Berto ("Cap Canaille", 1983), Jean-Pierre Mocky ou Raoul Ruiz, mais également Yves Boisset ou Claude Miller ("L'Effrontée" - 1985), grâce auquel elle décroche le César de la meilleure actrice dans un second rôle. Récemment encore, elle incarnait une grand-mère dealeuse de hasch dans "Paulette" de Jérôme Enrico. Le film sorti en janvier a attiré plus d'un million de spectateurs.

 

Femme à ne pas cacher son âge, elle célébrera crânement en 2007, à 68 ans, ses cinquante ans d'une carrière menée également à la télévision où elle a joué dans de nombreux téléfilms. Cette longévité ne l'a pas empêchée d'aimer les jeunes artistes et de soutenir leurs créations : "J'ai besoin que ça bouge, que ça grouille autour de moi." Un César d'honneur la récompense en 2003 pour l’ensemble de sa carrière, tandis qu'elle  est faite officier de la Légion d'honneur en 2009. Elle reçoit en 2010 la médaille de l'Ordre du mérite et de l'Ordre des arts et lettres et nous quitte le 25 juillet, sans faire de bruit, avec cette discrétion qui, finalement, la caractérisait. Adieu Bernadette.

Pour consulter l'article consacré aux acteurs du la Nouvelle Vague, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LES ACTRICES ET ACTEURS DE LA NOUVELLE VAGUE

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

Bernadette-Lafont-a-la-Ceremonie-des-Cesar-en-2010.jpg

 

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans ACTEURS DU 7e ART
commenter cet article
7 juillet 2013 7 07 /07 /juillet /2013 08:41

7762776712_pour-une-femme-le-nouveau-film-de-diane-kurys-so.jpg

                                               

Le film commence par la découverte d'une photo jaunie que  deux sœurs exhument d’une boîte à souvenirs à la mort de leur mère ( Mélanie Thierry ). Sur le cliché figure un oncle mystérieux qui va bientôt amener Anne (Sylvie Testud) à s'interroger sur la véritable identité de son père ( Benoît Magimel ). Est-ce celui adoré, qui fut un petit patron sans éclat, ou bien cet aventurier héroïque (Nicolas Duvauchelle), tueur de nazis, qui vécut un temps avec ses parents avant de se brouiller avec eux pour d'obscures raisons ? Anne va dès lors enquêter en revenant à Lyon où elle a passé une partie de son enfance, de même que Diane y vécut sa jeunesse. Aussi, cette dernière brouille-t-elle volontairement les pistes afin de mélanger fiction et autobiographie. Le résultat ? Une autofiction brodée autour de l'histoire familiale qui alterne flash-back et retours au présent, tout en couvrant plus de quarante ans de vie politique. Situé en 1947, au moment où le parti communiste compte le plus de partisans, Pour une femme se conclut dans les années 80 avec l'avènement de François Mitterrand.

 

pour-une-femme-diane-kurys.jpg

 

La première scène ouvre cette remontée du temps qu’Anne va entreprendre afin de connaître la vérité sur sa naissance. Cette photo de sa mère avec sa sœur et un étranger  sera le déclic qui va non seulement éveiller sa curiosité mais ouvrir la piste qui lui révèlera, au fil de ses découvertes, ce secret familial : l’amour éperdu de sa mère pour son beau-frère Jean avec qui elle ne connaîtra qu’une rapide étreinte alors que celui-ci s’apprête à quitter la France pour toujours. Ce maillage romanesque donne au film sa résonnance sensible, mais l’intérêt de celui-ci réside principalement dans la reconstitution des années d’après-guerre marquées par l’importance croissante du parti communiste au cœur de la vie politique. Non sans humour, la cinéaste nous montre l’aveuglement de ces hommes et femmes qui croyaient pouvoir changer la société en adhérant  à cette idéologie marxiste qui n’était autre que la robotisation de l’humanité au prix d’affreux compromis, et qui n’en démordront pas, même lorsque la vérité éclatera sans concession.  D’ailleurs l’un des protagonistes du film aura cette phrase : « le totalitarisme n’a fait que changer de moustache ». Cet homme plus éclairé n’est autre que Jean qui a vu de ses yeux évoluer la Russie soviétique et  tente désespérément de  raisonner son frère, de le déciller, en vain. Ce dernier mourra communiste, si bien que ses filles, dans un dernier geste de tendresse et d’amour filial, lui glisseront à l’oreille que l’on a reconstruit le mur de Berlin.

 

Les acteurs sont tous très convaincants, rôles principaux et secondaires à égalité. Les silhouettes se détachent bien, la reconstitution de l’époque replonge dans une ville de Lyon des années 50 avec ses quartiers populaires, ses fêtes, ses boutiques, le début du confort domestique et le charme désuet des intérieurs ou de la mode féminine. Léna, la mère d’Anne, est interprétée par une Mélanie Thierry délicieuse de fraîcheur et de naturel qui éclaire ce film par sa grâce face aux deux hommes de sa vie, Michel, celui qui l’a sauvée du camp de la mort en Allemagne en la faisant passer pour sa fiancée et qui l'épousera ensuite, et Jean, le beau-frère, qu’elle aime en secret parce qu’il représente l’aventure, une forme de justice implacable pour ces juifs émigrés qui ont tant soufferts. N'oublions pas Sylvie Testud qui est une Anne toute en finesse, aux prises avec un passé qui ne cesse de l'habiter. Un seul bémol pour une fin un peu longuette où Magimel peine à nous convaincre du passage des ans, mais c'est là une faiblesse qui ne nuit pas vraiment à l'ensemble. Diane Kurys, avec ce nouvel opus, nous offre une reconstitution passionnante et prouve qu’elle tient désormais une place importante dans l’univers du 7e Art après "Diabolo menthe" et "Coup de foudre".

 

4-e-toiles

 

Pour consulter la liste des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

web-puf-lena-madeleine.jpg

85727022.jpg

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE - dans CINEMA FRANCAIS
commenter cet article

Présentation

  • : LA PLUME ET L'IMAGE
  • LA PLUME ET L'IMAGE
  • : Ce blog n'a d'autre souhait que de partager avec vous les meilleurs moments du 7e Art et quelques-uns des bons moments de la vie.
  • Contact

Profil

  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.

Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


Charlie Chaplin

 

"Innover, c'est aller de l'avant sans abandonner le passé."

 

Stanley Kubrick

 

 

ET SI VOUS PREFEREZ L'EVASION PAR LES MOTS, LA LITTERATURE ET LES VOYAGES, RENDEZ-VOUS SUR MON AUTRE BLOG :  INTERLIGNE

 

poesie-est-lendroit-silence-michel-camus-L-1 

 

Les derniers films vus et critiqués : 
 
  yves-saint-laurent-le-film-de-jalil-lespert (1) PHILOMENA UK POSTER STEVE COOGAN JUDI DENCH (1) un-max-boublil-pret-a-tout-dans-la-comedie-romantique-de-ni

Mes coups de coeur    

 

4-e-toiles


affiche-I-Wish-225x300

   

 

The-Artist-MIchel-Hazanavicius

 

Million Dollar Baby French front 

 

5-etoiles

 

critique-la-grande-illusion-renoir4

 

claudiaotguepard 

 

affiche-pouses-et-concubines 

 

 

MES FESTIVALS

 


12e-festival-film-asiatique-deauville-L-1

 

 13e-FFA-20111

 

deauville-copie-1 


15-festival-du-film-asiatique-de-deauville

 

 

Recherche