Au royaume de Danemark, en ce XVIIIe siècle plein de bruit et de fureur, règne le roi Christian VII (1749 - 1808), intelligent mais immature, que son éducation brutale a fait sombrer dans la paranoïa et qui vient d'épouser Caroline-Mathilde de Hanovre, une princesse anglaise de 15 ans, qu'il délaissera le mariage tout juste consommé, pour batifoler avec des putains et partir faire un tour d'Europe de deux années. La jeune reine enceinte va mettre au monde un garçon et bientôt tomber sous le charme du médecin de son royal époux Johann Struensee qui, ayant gagné la confiance du souverain et inspiré les philosophes des lumières, entend jouer de son influence et mener des réformes humanistes dans un royaume corseté dans des principes d'un autre âge.

L'histoire est réelle mais le scénario trop lâche et les dialogues trop vagues pour rendre crédible la face psychologique et la vraisemblance historique qui feront que le docteur Struensee, après le coup d'état fomenté par lui, va régner à la place d'un roi qui a horreur d'être roi et conduire des réformes audacieuses comme la suppression de la torture,  avec l'appui de la jeune reine qui est devenue sa maîtresse. Il y avait pourtant matière à composer un film passionnant, à sonder les coeurs et les esprits, à expliciter les situations, à argumenter de façon à mieux éclairer les réformes en cours et les  personnages, mais Nikolaj Arcel s'est contenté de faire défiler sous nos yeux, durant 2h15, un très beau livre d'images et des héros inconsistants et terriblement ennuyeux qui semblent figés dans une posture beaucoup trop manichéenne à mon goût : il y a la reine ravissante et malheureuse, le roi  déséquilibré, sujet à des hallucinations et qui finira fou, l'éminence grise d'une gravité inaltérable qui terminera ses jours sur l'échafaud devant la foule compacte d'un peuple qu'il a tenté bien en vain de libérer, enfin les bons et les méchants qui ne sont autres que le clergé et la noblesse bien entendu. Mais ce film a du moins  le mérite de nous montrer que peu de choses ont changé en ce monde depuis le XVIIIe siècle et que les privilégiés sont toujours récalcitrants dès qu'il s'agit de céder, ne serait-ce qu'une part de leurs privilèges... Malheureusement, pas une once d'humour ne vient égayer cet opus qui se focalise exclusivement sur les noirceurs du pouvoir, les petites  trahisons, les jeux d'influence, tout cela survolé et sans épaisseur, hélas !

Oui, un film décevant par manque d'ambition et d'ampleur et une direction d'acteurs aussi languissante et pusillanime que le scénario. Mikkel Boe Folsgaard, dans le rôle du roi Christian VII, est le seul vraiment crédible de par sa ressemblance avec le personnage et son interprétation fantasque. La charmante Alicia Vikander, qui était une délicieuse Kitty dans Anna Karénine, traverse le film avec grâce et élégance mais sans ferveur et sans minauderies d'ailleurs, quant à Mads Mikkelsen, dans le rôle de Johann Struensee, il nous accable pendant plus de deux heures d'une moue désabusée et irritante et se glisse dans la peau du célèbre médecin sans lui insuffler un soupçon de passion et un brin  de subtilité. Reste des prises de vue qui sont belles, des robes, des éclairages, des paysages de neige qui composent un fort joli décor et tentent de subvenir aux insuffisances d'un film sans inspiration.

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Actrice britannique née à Reading dans le Berkshire le 5 octobre 1975, Kate Winslet sera propulsée d'un coup au sommet de la notoriété à l'âge de 22 ans, grâce au cinéaste James Cameron qui l'engage pour être avec Leonardo DiCaprio l'une des  figures de proue de son film "Titanic" (1997). Film le plus cher  jamais réalisé, mais comptant aussi parmi les plus grands succès, il cumule les records et gère avec justesse effets et sentiments. Ici, l'histoire d'amour l'emporte sur le déluge technologique. Réalisé avec souffle, malgré une musique un peu trop envahissante, l'histoire est celle du paquebot mythique et des amours impossibles entre une aristocrate fortunée et un jeune artiste sans le sou qui feront beaucoup sangloter dans les chaumières. Il n'en reste pas moins que "Titanic" est une belle réalisation qui aura eu, entre autre mérite, celui de faire sortir du quasi anonymat deux acteurs de tout premier plan : Kate et Leonardo devenus, depuis lors, des figures emblématiques du 7e Art.

Les débuts de Kate se feront à la télévision dans une série de science-fiction avant qu'elle n'obtienne un rôle dans "Raison et sentiments" (1995), un film de Ang Lee aux côtés d'Hugh Grant et d'Emma Thompson. Et, pour la première fois d'une longue série, elle sera nominée aux Oscars dans la catégorie "Meilleur second rôle féminin". Très à l'aise dans les films d'époque, Kate campe Ophélie dans l'Hamlet de Kenneth Branagh en 1996, mais c'est évidemment dans celui de Rose, jeune femme éprise de liberté, qu'elle s'impose l'année suivante sous la direction de Cameron. Aimant les défis, l'actrice, dès 2003, va changer de registre  et accepter de jouer dans La vie de David Gale d'Alan Parker, un film sur la peine de mort, puis elle sera saluée en 2004 pour sa prestation dans "Eternel Sunshine of the Spotless Mind" du réalisateur français Michel Goudry, qui lui méritera sa quatrième nomination aux Oscars. Elle jouera également dans "Romance and Cigarettes" en 2005 et dans un drame politique "Les fous du roi " de Steven Zailliau où elle a pour partenaires Sean Penn, Jude Law et Anthony Hopkins. Enfin, dans le drame "Little Children" (2006) de Todd Field, elle récolte une cinquième nomination.

Ce sera douze ans après "Titanic" que ce prestigieux trophée, souvent proposé et jamais gagné, couronne enfin son interprétation bouleversante de Hanna Schmitz dans "The Reader" de Stephen Daldry, face à Ralph Fiennes. Pour ce rôle qu'elle joue avec finesse et un mélange subtil de froideur et de gravité, elle reçoit les deux Golden Globes de la catégorie féminine, ainsi que le Bafta de la meilleure actrice dans un rôle principal et enfin l'Oscar de la Meilleure actrice. Consécration suprême pour une remarquable actrice et une jeune carrière conduite avec intelligence et discernement. On l'a vue récemment dans "Carnage" de Roman Polanski, donnant la réplique à Jodie Foster, Christophe Waltz et John C. Reilly d'après la pièce de Yasmina Reza, huis-clos où deux familles s'affrontent en un véritable règlement de compte à la suite des disputes intervenues entre leurs enfants respectifs et que je trouve, personnellement, très décevant. Enfin Kate Winslet prête son joli visage à la marque Lancôme et celle de haute couture St John. Mais elle est avant tout une actrice de race qui, à l'écran, ne peut laisser indifférent aucun spectateur, tant chacune de ses composition est empreinte de naturel et de force. Mariée au metteur en scène Sam Mendes qui lui donnera un beau rôle dans "Les noces rebelles" auprès de son ami Leonardo, elle est mère de deux enfants et partage aujourd'hui sa vie avec Ned Roknroll. On l'a vue en 2013 dans "Labor Day" de Jason Reitman et sa carrière est actuellement à son apogée. N'est-elle pas aujourd'hui sous les feux de la renommée dans le dernier Woody  Allen " La roue de l'infortune" ( Wonder Wheel).

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Troisième film de l'acteur Ben Affleck après "Gone baby gone" ( lire ma critique en cliquant ICI ) et "The Town", "Argo"  est une reconstitution très réussie d'une histoire vraie qui nous fait vivre à 100 à l'heure la mission à haut risque qui permis à la CIA, doublée par Hollywood, de sauver de la pendaison six otages américains recueillis par l'ambassade canadienne de Téhéran, lors de la révolution islamique de 1979. L'ayatollah Khomeini venait de prendre le pouvoir après la chute du chah et avait chauffé à blanc une population bien disposée à son égard contre le grand satan américain, coupable d'avoir reçu et soigné l'abominable tyran Pahlavi, longtemps le partenaire  de l'Occident. Le film s'ouvre d'ailleurs sur une scène particulièrement réaliste, l'attaque de l'ambassade des Etats-Unis par cette population urbaine aveuglée par la haine. Parmi ceux qui se trouvent à l'intérieur du bâtiment, six employés américains vont parvenir à s'enfuir et à se réfugier à l'ambassade du Canada qui leur ouvre généreusement sa porte. Reste à regagner l'Amérique, ce qui n'est pas une mince affaire en pleine insurrection iranienne. La CIA propose un projet mais celui-ci semble peu fiable, si bien qu'un spécialiste de l'exfiltration, interprété par Ben Affleck, va avoir une autre idée  : monter un scénario et faire en sorte que les six réfugiés soient affiliés à la réalisation de ce  film hollywoodien. Cela va donner lieu à des scènes cocasses parfaitement jouées et rendues plausibles par Goodman et Arkin, note d'humour appréciable dans cet opus à haute tension psychologique.  

C'est Bill Clinton qui, en déclassifiant cette affaire jusqu'alors "Top secret", permit qu'elle soit portée à la connaissance des citoyens américains et puisse aujourd'hui devenir un film bien rythmé et haletant qui, sans aucun doute, va faire un malheur au box-office. Bien sûr, le patriotisme américain n'en est pas évacué, au contraire, et ne manquera pas de séduire ou d'agacer, faisant de ce film, qui tient parfaitement la route, une machine à gagner des Oscars. Car ici Histoire et Cinéma ne font qu'un, Hollywood s'étant porté au secours de la politique avec, cerise sur le gâteau, quelques loufoqueries irrésistibles et la théâtralité assurée par les barbes et les tchadors. Ainsi, à ce film, qui ne pourrait être qu'un thriller de plus, s'ajoute un aspect sympathique et inattendu qui colle tellement bien à la personnalité de Ben Affleck, trop longtemps considéré comme un acteur de second ordre : le sauvetage par l'image et par la crédibilité supposée plus conforme du 7e Art. En affrontant les deux facettes, Affleck, oeuvrant devant et derrière la caméra, se refait une santé et nous offre un film passionnant où on voit les Iraniens d'alors se faire berner par un canular monté par deux scénaristes et producteurs d'Hollywood, ce qui ne manque pas de piquant. Avec "Argo" (titre de la mission), le cinéaste et interprète tourne définitivement la page à des années de galère où il n'était que la face négative de son copain Matt Damon. Une belle réussite pour lui et, pour les spectateurs,  un excellent moment de suspense où la tension est telle que l'on a l'impression de faire partie intégrante des rescapés. Heureusement des touches d'humour ça et là nous permettent de décompresser. A ne pas manquer.

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Une plume s'envole et atterrit aux pieds de Forrest Gump, un simple d'esprit, assis sur un banc en attendant le bus à Savannah, en Georgie. Esseulé, il va raconter sa vie  aux passants qui viendront s'asseoir à ses côtés. Et la sienne est justement à l'image de la plume que l'on aperçoit au début et à la fin du film, qui se laisse porter par le vent tout comme lui-même se laisse porter par ses aventures incroyables dans l'Amérique de la seconde moitié du XXe siècle. Entre son enfance, où il était physiquement handicapé par son dos et le moment même où il raconte son histoire, Forrest Gump sera champion de football américain, soldat au Viêt Nam ( il recevra la Medal of Honor ), champion de ping-pong dans l'équipe militaire américaine, marathonien exceptionnel  (il court sans s'arrêter pendant plus de 3 ans),  capitaine de crevettier, et même milliardaire, malgré lui.

Oui, un récit  qui tient de celui du héros ordinaire et de l'éternel Candide, si bien que l'histoire de l'Amérique des années 1950 à 1980 est revisitée par quelqu'un qui se contente de relater les choses sans les juger, d'où un récit  bon enfant et simpliste qui évite les écueils et ressemble à un livre d'images un peu trop consensuel à mon goût. Mais il y a Tom Hanks auquel le film doit beaucoup, tant son interprétation est époustouflante de sincérité. Il nous rend sensible un homme ingénu plongé dans son monde, avec sa vision des choses personnelle, si bien qu'on peut se demander si le réel existe bien, si c'est le monde qui passe à côté de lui ou lui à côté du monde ? En quelque sorte, une immersion dans une réalité irréaliste, un décalage si étrange que l'oeuvre nous envoûte et que cet homme naïf nous apparaît comme le témoin innocent d'un univers qui ne l'est certes pas. Mais nous, à sa ressemblance, ne sommes-nous pas victimes des événements, soit des éternels bernés, des éternels floués ? N'est-ce pas là le message du film ?



Initialement le rôle de Forrest Gump  avait été proposé à John Travolta qui le refusa et dut avouer plus tard que cela avait été une grave erreur. Le spectateur n'a certes  rien perdu, car il semble bien que Tom Hanks ait été véritablement inspiré par son personnage auquel il donne une profondeur, une humanité bouleversantes. Il est littéralement habité par cet homme qui traverse sa vie sans la comprendre mais en l'acceptant, en en faisant une sorte de chef-d'oeuvre décalé  et saisissant.  Un film qui est très vite devenu culte et dont le fameux banc a été conservé dans un musée de Georgie. Tiré du roman éponyme de Winston Groom, il a su en retenir les moments les plus forts, les chapitres les plus explicites d'une vie étrange vécue durant les temps forts des Etats-Unis du XXe siècle. Tom Hanks tournera d'autres films avec Zemeckis grâce auquel il reçut l'Oscar du Meilleur acteur (le film en recevra six au total) "Seul au monde" en 2000 et "Le pôle Express" en 2004. Malgré quelques longueurs qui font perdre de la densité au film, "Forrest Gump" n'en reste pas moins une oeuvre originale et puissante, un film marginal par la poésie qu'il dégage et les invraisemblances qu'il suppose, jetant sur notre monde trop souvent sourd et aveugle, un regard qui n'est pas dénué de tendresse.

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La fin des années 1960 voit le système hollywoodien remis en cause. BBS, la société de production qui a permis à "Easy Rider" de voir le jour, a prouvé qu'on pouvait laisser les réalisateurs jouir d'une vraie liberté créative et avoir du succès. Dans ce nouveau paysage, les studios n'ont d'autres choix que d'ouvrir les portes à de jeunes cadres, plus en phase avec la réalité. Le changement de management est facilité par une série de fusions et de rachats qui vont bouleverser le paysage hollywoodien à partir de 1966. L'ère des producteurs est achevée, s'ouvre désormais celle des réalisateurs. Grâce aux influences conjuguées de John Calley à la Warner, de Robert Evans à Paramount et de Ned Tanen à Universal, le pouvoir passe donc entre leurs mains. Peter Bart, cadre de la Paramount à l'époque, se souvient :  "Tout le monde cherchait une réponse. Et l'une des réponses semblait être - si vous trouvez un jeune et brillant réalisateur avec une vision, foncez ! "

Ainsi ce changement va-t-il favoriser l'avènement d'une nouvelle génération de cinéastes issus, pour la plupart, des écoles de cinéma fraîchement créées. Influencés par la Nouvelle Vague européenne, ces talents nouveaux  maîtrisent également les classiques américains. Tous aspirent à un cinéma plus réaliste et plus sincère. Francis Ford Coppola devient leur chef de file. Formé à l'UCLA, il a déjà deux films à son actif lorsque la Warner lui confie la réalisation de "La vallée du bonheur" (1968), comédie musicale avec Fred Astaire. L'expérience se révélera désastreuse mais Coppola parvient à enchaîner avec "Les gens de la pluie" (1969), un road-movie inspiré par sa mère. Le succès de l'expérience lui permet de fonder Zoetrope, un studio alternatif destiné à accueillir les jeunes réalisateurs. La Warner le soutient dans sa démarche et bientôt d'autres jeunes talents le rejoignent comme George Lucas et John Milius. Porté par ce vent de renouveau, c'est une génération spontanée de talents qui explose. Peter Bogdanovich va s'imposer avec "La dernière séance" (1971), Brian De Palma avec "Get to Know Your Rabbit" (1972) et "Soeurs de sang" (1973), un thriller sophistiqué qui séduit le public, tandis que Scorsese fera recette avec "Mean Streets" (1973), un opus qui dégage une violence émotionnelle inhabituelle et reçoit un accueil favorable des critiques. Cette jeune génération apporte incontestablement un nouveau souffle à un 7e Art qui commençait à tourner en rond. Mais l'enthousiasme sera de courte durée. Le naufrage de "The last movie" (1971), second film de Denis Hopper marque la fin du rêve. Paul Lewis, producteur, raconte : " C'en était fini. Finie la liberté que nous avions pu avoir. La fin des années 70 s'est amorcée dès le début de la décennie. " L'échec de plusieurs autres films, issus des structures alternatives mises en place, incite les majors à s'impliquer davantage dans la production, si bien qu'après avoir fait un pas en avant, Hollywood amorce un pas en arrière. Si les réalisateurs conservent le pouvoir, ils devront apprendre à composer avec les studios qui contrôlent la distribution des films et détiennent les clés du business. Une seule solution pour sauvegarder son indépendance est de réussir au sein du système. William Friedkin est l'un des premiers à le comprendre et lorsqu'il s'engage sur "French Connection" en 1971, un film policier adapté d'une histoire vraie, il se réapproprie l'intrigue, créant un personnage principal complexe, à la fois victime et bourreau et impose, pour ce faire, un style réaliste. Produit pour 1,8 million de dollars, le film en rapportera 26,3 à la Warner qui se frotte les mains et confiera peu de temps après la réalisation de "L'exorciste" (1973), adapté d'un best-seller de l'époque, à ce réalisateur qui en fera une oeuvre terrifiante mais capable de rapporter 89 millions de dollars au box-office américain.

Coppola à son tour reprend le chemin des studios. Sommé de rembourser la Warner après l'échec en salle du premier film de Zoetrope, il accepte d'adapter "Le parrain", best-seller de Mario Puzo, pour la Paramount. Pour parvenir à ses fins, il soigne l'authenticité dans les moindres détails et a recours à un style sombre, peu conventionnel, qui  séduira le public. A sa sortie, le film atteint les 86 millions de dollars et bouleverse l'industrie cinématographique par son succès hors norme. C'est au tour de Steven Spielberg, jeune prodige du cinéma, de faire son entrée en scène et après "Duel", en 1971, un thriller fantastique particulièrement efficace, d'enchaîner avec "Sugurland Express" (1974), puis Les dents de la mer (1975) où, là aussi, il joue la carte du réalisme afin de ne pas produire un remake de "Moby Dick". Il refuse de tourner en studio et insiste pour n'avoir aucune star au générique, afin d'assurer au public  une identification totale. Le film ne fera pas moins de 129 millions de recettes et sera projeté dans le monde entier. C'est alors que la télévision entre en scène d'une façon inquiétante, retenant les amateurs de salles obscures devant leur petit écran. Les représentants de la jeune génération seront bien obligés de s'adapter et vont viser un cinéma plus grand public, renonçant en partie à un cinéma d'auteur. C'est ainsi que "American Graffiti" (1973), "La guerre des étoiles" (1977)  et  "Rencontres du troisième type" (1977) feront d'excellents scores.

Il n'en reste pas moins qu'une décennie s'achève et qu'un rêve amorce son déclin.  Scorsese doit se battre pour imposer "Taxi Driver" en 1976, que Bert Schneider s'enlise pendant trois ans sur la production des "Moissons du ciel"  de Terrence Malick et que Coppola, bien qu'auréolé par le succès du "Parrain", a bien du mal à convaincre les producteurs de le suivre sur l'adaptation de  "Apocalypse Now" (1979). Cette même année, Michael Cimino entame la réalisation de "La porte du paradis", un western avec Isabelle Huppert et Kris Kristofferson. Faisant exploser le budget par son perfectionnisme, il tourne près de 220 heures de film. Les responsables de l'United Artists restent impuissants. L'oeuvre sort en 1980 dans une version de plus de trois heures et demi, accompagnée de critiques désastreuses, aussi l'échec est-il sans appel. Le film, qui a coûté 44 millions de dollars, n'en rapportera que 1,3. Cette débâcle met un terme définitif à la politique des auteurs. "La porte du paradis nous a coulés. A ce moment-là, j'ai compris que quelque chose était mort " - dira Martin Scorsese. A cette date, les dirigeants des studios, plus financiers que cinéphiles, délaisseront les oeuvres ambitieuses et novatrices pour des films plus formatés mais assurés d'un succès d'audience. A ce propos Robert Towne écrira amer : " L'essentiel dans les années 1970 était de révéler la réalité du pays. Au fur et à mesure des années 1980, nous sommes entrés dans un monde de super-héros. " Et il est vrai que la production contemporaine n'a plus rien à voir avec la contre-culture de la nouvelle vague hollywoodienne qui entendait donner au 7e Art d'authentiques lettres de noblesse. Seul, le "system" a repris du grade.

Sources : Roland Delmas et Jean-Claude Lamy

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