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12 septembre 2011 1 12 /09 /septembre /2011 09:31

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Naomi Watts a le vent en poupe. Son jeu naturel, sa fraîcheur, sa présence toute en finesse et spontanéité l'ont rendue très populaire auprès d'un public international auquel n'a pas échappé ces qualités évidentes. D'autant qu'elle a su mener sa carrière avec feeling, après des débuts assez lents et difficiles, et s'imposer ensuite par le choix de ses metteurs en scène dont David Lynch qui la fait jouer en 2001 dans Mulholland Drive aux côtés de Justin Theroux et Laura Harring. Il expliquera son choix en disant : " J'ai vu quelqu'un dont j'ai deviné immédiatement le talent potentiel, qui de plus avait une belle âme et assez d'intelligence pour aborder des rôles très différents ".

 

Née le 28 septembre 1968 en Angleterre, Naomi a débuté sa carrière à la télévision australienne où elle est apparue dans diverses séries avant de se lancer dans le théâtre et enfin d'aborder le 7e Art dans des films de classe B, qui n'auront que le mérite de la familiariser avec la pellicule. Après le film de Lynch, qui lui a valu les éloges des spectateurs, elle obtient de nouveau le succès dans L'anneau en 2002 et est nominée aux Oscars en 2004 pour son interprétation de Cristina Peck dans 21 grammes de Alejandro Gonzalez Inarritu face à Sean Penn, recevant, par la même occasion, son premier Academy Award de la meilleure actrice qui confirme très officiellement son talent de comédienne. Elle y est une jeune femme éplorée qui vit une existence dangereuse après l'assassinat de son mari. Le New York Times écrira à ce sujet que Watts se réinvente à chaque performance. Il est facile d'oublier - ajoute-t-il - à quel point elle est brillante ; elle a une audace qui vient d'un manque d'emphase ; tandis que le San Francisco Chronicle la considère comme fascinante.

 

naomi-watts-curly-hair-2.jpg    Naomie Watts  imagesCA6HVD64.jpg

 

 

En 2008, on verra Naomi dans Funny Games du réalisateur Michael Haneke, aux côtés de Tim Roth. Elle y campe une femme retenue en otage avec son mari et son fils par de jeunes délinquants. En 2010, elle sauve en partie le Woodie Allen de l'année Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu où, face à Josh Brolin, elle est une épouse dont le couple traverse de sérieuses turbulences et cela avec une conviction et un charme qui suscitent l'adhésion. Convertie au boudhisme et végétarienne, Naomi Watts est également l'ambassadrice des Nations Unies dans sa lutte contre le Sida et mène une vie sans histoire auprès de son mari et de ses deux fils. Quant à sa récente apparition en princesse Diana, elle  ne laissera pas un souvenir inoubliable, bien que personnellement elle n'ait pas démérité.  

 

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6 septembre 2011 2 06 /09 /septembre /2011 17:07
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6 septembre 2011 2 06 /09 /septembre /2011 10:26

 27xthy0x

 

Soeur aînée de Warren Beatty, née en Virginie le 24 avril 1934, Shirley MacLaine a su, dès ses débuts, imposer au public américain et bientôt international, son minois rieur et ses taches de rousseur, à une époque où la beauté hollywoodienne était incarnée par la blonde Marilyn Monroe et la rousse et flamboyante Rita Hayworth. Elle fait ses débuts en 1955 avec Alfred Hitchcock qui utilise au mieux son charme primesautier dans "Mais qui a tué Harry ?". Ensuite viendra une succession de films dont "Deux sur la balaçoire"  ( 1962 ) de Robert Wise, "Irma la douce" ( 1963 ) de Billy Wilder, "Sept fois femme" ( 1967 ) de Vittorio de Sica, "Sierra torride" ( 1970 ) de Don Siegel et "Valentine's Day" de Garry Marshall en 2010, pas moins d'une cinquantaine de longs métrages, parfois trois ou quatre tournés la même année. Er cela sans compter les livres écrits dont un sur la réincarnation et les nombreuses apparitions à la télévision.

 

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Partenaire de Clint Eastwood ou de Jack Nicholson et interprète de grands réalisateurs comme Billy Wilder et Alfred Hitchcock auquel elle dit tout devoir alors que, jeune danseuse à Broadway, il l'engage et lui ouvre par la même occasion l'avenir et  la carrière que l'on sait, elle déplore qu'aujourd'hui le cinéma américain soit avant tout une affaire de marketing.
 

Je crois - dite-elle - que l'époque des histoires audacieuses, qui faisaient réfléchir, qui apportaient un peu de fraîcheur est vraiment révolue. Il s'agit seulement d'utiliser le dernier outil technologique. (... ) J'en ai marre d'aller m'asseoir dans une salle pour voir quel est le dernier objet qui va me sauter à la figure avec le 3D. L'âge d'or du cinéma était celui des histoires qui éveillait  la conscience des spectateurs. On n'est plus là-dedans.

Malgré cela Shirley a su conserver son goût des studios et vient d'achever une comédie de Richard Linklater " Rock Academy" malgré ou grâce à ses 77 printemps. Après Deauville, qui vient de la recevoir avec faste dans le cadre de  son 37e Festival du Cinéma Américain, la France lui a remis récemment la Légion d'honneur et la cinémathèque s'apprête à lui consacrer une rétrospective. Longue vie Shirley !

 

 

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3 septembre 2011 6 03 /09 /septembre /2011 09:33

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La vocation artistique va se développer très tôt chez le jeune Francis Ford Coppola qui, atteint de la poliomyélite, passera son enfance alité, ce qui favorisera son imagination et l'incitera à bricoler des spectacles de marionnettes et à s'inventer un monde fictif en mesure de faire de lui un créateur à part entière. Fils d'un musicien italien émigré ( auteur de plusieurs des partitions de ses longs métrages ), le jeune Francis s'initie dès son âge le plus tendre à réaliser des films amateurs avec la caméra 8mm de son père, puis part étudier le théâtre à l'Université de Hofstra avant d'intégrer l'école UCLA et, une fois ses études achevées, à accepter toutes sortes de travaux (films d'horreur, érotiques, montage de films soviétiques ) afin de se familiariser avec les techniques cinématographiques et à vivre en osmose avec cet univers. Mais, bientôt, son évidente facilité à rédiger des scénariis lui permet de se consacrer à des tâches plus nobles comme de participer à l'élaboration de  "Paris brûle-t-il ?" de René Clément et  "Reflets dans un oeil d'or"  de John Huston. En 1963, il passe à la réalisation avec "Dementia 13", un film d'horreur produit par Corman, ensuite avec "Big Boy" ( 1966 ), comédie sélectionnée pour le Festival de Cannes, enfin avec "La vallée du bonheur", dernière comédie musicale interprétée par Fred Astaire. Refusant les gros budgets auxquels il peut prétendre, il tourne avec une équipe réduite "Les gens de la pluie"  ( 1969 ), road-movie typique de la contre-culture des années 60, où on voit une bourgeoisie en rupture de ban prendre en auto stop un athlète mentalement retardé. La beauté de la mise en scène et la qualité de l'interprétation confirmeront auprès du public l'émergence d'un talent original avec lequel il faut désormais compter.

 

C'est à ce moment qu'il fonde avec Georges Lucas les studios American Zoetrope  basés à San Francisco. Hélas, l'échec de "THX1138"  de Georges Lucas mineront les espérances de Coppola et le contraindront à accepter d'écrire le scénario du "Parrain"  d'après un best-seller de Mario Puzo, mais il pose ses conditions et entend gérer ce budget colossal en engageant Marlon Brando dans le rôle de Don Corleone et un inconnu Al Pacino dans celui de son fils. Or le coup de poker se révélera être un coup de maître et, "Le Parrain", un triomphe qui assoira définitivement la réputation de son auteur.

 

"Le Parrain 2" ne fera que confirmer le succès du premier opus et les deux oeuvres seront récompensées par l'Oscar du meilleur film et l'Oscar du meilleur réalisateur. Entre temps, Coppola a écrit et mis en scène un film d'espionnage de facture  personnelle "Conversation secrète", qui conte l'histoire d'un homme soupçonné d'être impliqué dans un meurtre, sobre thriller politique sur l'obsession des écoutes téléphoniques en pleine actualité dans les années 70 aux Etats-Unis. Ce film recevra la Palme d'or à Cannes. Ensuite, Coppola va alterner les oeuvres baroques et les études psychologiques, fouillant ses sujets avec la maîtrise qui le caractérise, ainsi "Appocalypse Now" en 1979, vision hallucinée des horreurs de la guerre au Viêt-Nam ou "Dracula" ( 1992 ) qui dépasse de loin en richesses et intrigues les nombreuses versions précédentes. Dans le second registre, ce seront "Outsiders/Rusty James" (1983 ), peinture d'une jeunesse à la dérive qui bénéficie d'une somptueuse imagerie et, à mi-chemin entre ces deux orientations, il faut recenser "Coup de coeur"  ( 1982 ), projet modeste sur les peines de coeur d'un couple banal dont le mérite est d'avoir expérimenté, pour la première fois, les ressources des trucages numériques.

 

En 1990, soit seize ans après "Le Parrain 2", Coppola met en scène "Le Parrain 3", conclusion et final de cette trilogie magnifique, où le personnage central est toujours campé par Al Pacino, remarquable. Plus encore que les deux précédents, le troisième volet de cette saga est  une grande réussite, un opéra tragique quasi shakespearien où la vie de Mikaël et de la famille Corleone se déploie avec une ampleur baroque et impressionnante et où Coppola signe un film d'une force peu commune qui sonne comme " le châtiment d'une justice immanente".

 

Mais, très éprouvé par la mort de son fils, le cinéaste traverse une période difficile où il prend goût à la drogue, devient sujet à des crises mystiques et fait même une tentative de suicide, ne tournant plus alors que des oeuvres moins inspirées comme "L'idéaliste" (1997) ou "Supernova" (2000). Il ne reviendra à une réalisation originale et personnelle que sept ans plus tard avec "L'homme sans âge" (2007), d'après le roman éponyme de Mircéa Eliade. Mais ce film ne sera pas un succès. Cependant, malgré ses passages à vide ou ses changements d'humeur, Francis Ford Coppola n'en demeure pas moins l'auteur de quelques films parmi les plus  innovants de notre époque et peut être considéré aujourd'hui, en cette seconde décade du XXIe siècle, avec son retour à la sagesse et sa barbe, comme le patriarche du 7e Art. D'autant que sa fille assure la relève...

 

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                                                        Le parrain 3

 

 

 

 

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2 septembre 2011 5 02 /09 /septembre /2011 10:33

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                                VIDEO 
 

Paris, années 60. Jean-Louis Joubert, agent de change rigoureux, marié à une femme snob et convenue, découvre qu'une joyeuse cohorte de bonnes espagnoles vit... au sixième étage de son immeuble bourgeois. Maria, la jeune femme qui travaille sous son toit, lui fait découvrir un univers exubérant et folklorique à l'opposé des manières et de l'austérité de son milieu. Touché par ces femmes pleines de vie, il se laisse aller et goûte, pour la première fois, à des plaisirs sans prétention. Mais peut-on vraiment changer de vie à 45 ans ?


Fabrice Luchini & Sandrine Kiberlain. SND


Certes  ce film ne va pas révolutionner le 7e Art, certes il n'échappe pas aux stéréotypes faciles et aux clichés simplistes dans sa peinture de la société des années 60 qui rangeait volontiers ses classes sociales par étages, mais il y a, dans cet opus, une chaleur humaine, une gaieté de bon aloi, un optimisme qui en font un divertissement familial que l'on savoure avec une certaine gourmandise et une totale absence de contrition, car cela nous change de la violence habituelle et des effets spéciaux dont le cinéma américain surcharge ses productions jusqu'à l'overdose.

Rien de cela chez Philippe Le Guay qui nous livre un film pleinement franchouillard, où l'on voit un certain Monsieur Joubert, agent de change de son état, réalisant que son avenir n'est pas forcément lié aux actions et obligations boursières, grâce à la découverte, au sixième étage de son bel immeuble haussmanien, d'un petit paradis de gentillesse et de bonne humeur que régissent d'autres valeurs et où la vraie vie est brassée à pleines mains. Dans le rôle de Jean-Louis Joubert, échappant aux convenances et se transformant sous l'effet de cette révélation,  Fabrice Lucchini est formidable, jouant ce bourgeois coincé qui s'émancipe avec toute la sobriété nécessaire, n'en faisant ni trop, ni pas assez, aux côtés de Sandrine Kiberlain, plus vraie que nature dans celui d'une femme aseptisée et sans saveur, confinée dans son périmètre de jeune mondaine formatée.


Fabrice Luchini & Natalia Verbeke. SND

 

Quant aux Ibériennes du 6e étage responsables de la transformation de notre héros, dont l'épopée saura se limiter aux contours de son immeuble, elles sont toutes crédibles. Que ce soit Conception ( Carmen Maura ), Dolorès, Pilar ou Maria, interprétée par la ravissante Natalia Verbeke, elles ne peuvent que susciter notre sympathie et nous ouvrir les perspectives  d'un univers sans fards, sans botox, sans calcul, sans tricherie, ayant remplacé le nombrilisme rampant par la générosité et l'entraide. Et cette remise en mémoire n'est pas inutile de nos jours. Allez vite vous ressourcer à ce spectacle sans prétention qui rappelle le bon temps d'un cinéma familial qui faisait la joie de nos samedis soirs.

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Fabrice Luchini & Berta Ojea. SND

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28 août 2011 7 28 /08 /août /2011 09:58

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Fondateur de la World Cinema Foundation, Martin Scorsese, né aux Etats-Unis le 17 novembre 1942, est considéré comme l'un des plus talentueux cinéastes de sa génération, en même temps comme l'un des plus controversés. Ses préoccupations marquées par son éducation religieuse se retrouvent dans la notion de culpabilité et de rachat qui font partie de son questionnement et ne peuvent laisser personne indifférent. Soucieux de célébrer l'homme dans sa noblesse et son obscurité, ce fils d'émigrés italiens ne cesse de puiser, dans son enfance, une inspiration partagée entre le pire et le meilleur, la violence et le lyrisme.

 

Etudiant, puis enseignant à la Colombia University de New-York, Scorsese attire l'attention dès ses premiers courts métrages et ses documentaires autobiographiques. Son premier film, en 1970, "Bertha Boxcar" avec Barbara Hershey et David Carradine impose son style et suscite les encouragements de John Cassavetes. En 1973, "Mean Streets", son oeuvre suivante, est acclamée par la critique et lui permet de faire une rencontre décisive avec l'acteur Robert de Niro qui deviendra son alter ego. Cette chronique violente de deux petits malfrats sans envergure résume la vision en clair-obscur et le ressenti d'un réalisateur qu'interpelle en tout premier lieu notre condition humaine. Mais c'est avec "Taxi Driver" qu'il connaît la consécration, recevant la Palme d'or à Cannes en 1976.

 

L'impact de ses films, le cinéaste le doit principalement à l'image, à cette façon très particulière qu'il a de créer une mythologie urbaine qui déforme les corps et les esprits, meurtri les coeurs et qu'il sature de couleurs volontairement agressives. Au centre de ce chaos, un être progressera lentement vers la lumière ou s'abîmera définitivement dans les ténèbres. Ce sera le cas de "New-York, New-York", de "Raging Bull", des "Affranchis", de "A tombeau ouvert". Le monde du crime, la mafia, les mégapoles déshumanisées forgent un enfer dans cette approche mystique qui caractérise l'univers du cinéaste. Parfois, au coeur de ce déferlement brutal, des rituels raffinés d'une société privilégiée illustrent comme dans "Le temps de l'innocence" un enfer tout aussi dangereux car trompeur.

 

Robert de Niro prêtera ses traits à plusieurs de ces héros. Selon les voeux du metteur en scène, cet immense acteur saura modeler son corps, tantôt musclé et aminci, tantôt bouffi et vieilli, afin de signifier l'évolution de l'être en proie à une possession diabolique ou aux prises avec une possible rédemption. Lorsque Scorsese aborde le Messie dans "La dernière tentation du Christ", c'est à travers les corps des uns et des autres chargés de symboliser les déchirements des âmes. Par des moyens physiques, une imagerie obsédante, l'oeuvre de Scorsese ne se contente pas de peindre l'homme de son temps et ses malaises sociétaux, il l'inscrit dans une perspective où l'idée de la grâce n'est pas absente et lui accorde des prolongements culturels et historiques, un sens et un rayonnement universel. Ainsi nous invite-t-il en permanence à la réflexion.

Avec son dernier film, "Silence", qui sort sur nos écrans, Scorsese amorce, davantage encore, un retour vers le spirituel après plusieurs films plus grand public où, dans le Japon médiéval, le croyant délivre une profonde réflexion sur la foi dans un désert d'ignorance et de brutalité. Un film à ne pas manquer.


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16 juillet 2011 6 16 /07 /juillet /2011 09:12

 Corbis Sygma 


Luis Bunuel  est né le 22 février 1900, avec le siècle, à Calanda, petite ville de l'Aragon réputée pour son obscurantisme religieux. Aîné d'une famille aisée de sept enfants, il dut subir les durs principes d'une éducation rigoureuse, chez lui et chez les Jésuites auprès desquels il fit ses études secondaires, éducation qui, à l'évidence, ne convenait pas à sa nature rebelle. A dix-sept ans, il commence des études supérieures et obtient un diplôme de philosophie. Il fait alors deux rencontres qui le marquent profondément ( et on le comprend) : celles de Dali le peintre et de Garcia Lorca le poète, qui exerceront une forte influence sur ses premières oeuvres cinématographiques. Grâce à l'aide financière de sa mère, il peut, à 28 ans, tourner son premier film, secondé par Dali : Un chien andalou. Ces débuts prometteurs vont de suite lui mériter l'estime des intellectuels et le succès auprès du public.

En 1930, la projection de  L'âge d'or  provoque un scandale tel, que le film est retiré du circuit et frappé d'un interdit qui ne sera levé qu'en 1981. Peu après éclate la guerre civile d'Espagne, au cours de laquelle  Bunuel ne s'engagera que moralement, en participant à un documentaire pro-républicain  Madrid 36,  puis il part pour les Etats-Unis où il va s'employer à démontrer aux Américains le danger des films de propagande nazi. Mais son anticléricalisme et son marxisme lui valent des ennuis et des pressions qui vont le contraindre à s'exiler au Mexique. Là, il  reprend sa carrière de cinéaste et réalise  Los Olvidados  en 1950,  Archibald de la Cruz en 1955,  La mort en ce jardin  en 1956 et  Nazarin  en1958, longs métrages qui font référence à Sade, la religion et la bourgeoisie qu'il pourfend de son ironie implacable.

 

    Collection AlloCiné / www.collectionchristophel.fr  Tamasa Distribution

 

De retour en Europe, il se consacre à un long métrage qui compte parmi ses chefs-d'oeuvre :  Viridiana.  Avec ce film, il obtient en 1961 la palme d'or du Festival de Cannes, mais n'échappe pas aux remous politiques, diplomatiques et religieux qu'il suscite. Franco qui, dans un premier temps, avait autorisé son tournage et accepté son exploitation, finit par l'interdire dans la très catholique Espagne. Suivront d'autres réalisations, toujours provocantes et attendues :  L'ange exterminateur en 1962,  Le journal d'une femme de chambre  en 1964, Simon du désert en 1964,   Belle de jour  en 1966,  Tristana  en 1969. Avec  Le charme discret de la bourgeoisie,   il obtient l'Oscar du meilleur film étranger et met un terme à sa prodigieuse carrière en 1977 avec  Cet obscur objet du désir.  Il meurt à Mexico le 29 juillet 1983. Le meilleur du cinéma de Bunuel se situe à l'intersection du monde du besoin, symbolisé par la nourriture et le sexe qui sont le lot quotidien de l'existence, opposé à la mise en scène réglée par les conventions bourgeoises et la religion. Le cinéaste s'est plu à montrer  combien la civilisation et les bonnes moeurs ne sont jamais qu'un vernis fragile et que l'homme se rapproche de l'animal à maints égards. Un animal de raison souvent déraisonnable. "Au fond - disait-il - j'ai toujours choisi l'homme contre les hommes".

 

Unión Industrial Cinematográfica (UNINCI)  Tamasa Distribution

 

Viridiana  est, parmi les nombreux  films de Luis Bunuel, sans doute l'un des plus forts et des plus aboutis. Il est certain que l'on ne sort pas de cette projection indemne. Ce film coup de poing nous interpelle au plus profond de nos doutes et de nos convictions. Iconoclaste, on comprend qu'il ait soulevé la controverse. Bunuel s'y livre, une fois de plus, à l'un de ses règlements de compte envers les siens et les Jésuites qui le formèrent, selon une règle dont il considère qu'elle l'a opprimé au point de gâcher son enfance et son adolescence. Il y aborde également les thèmes qui lui sont chers : l'inceste, l'hypocrisie de l'église, la bêtise et la suffisance de la bourgeoisie, la bestialité du peuple. Tout y passe avec une insolence, une audace à couper le souffle. On prend conscience de l'impact que l'art cinématographique peut avoir lorsqu'il est exercé par un homme de génie. Cela dépasse de beaucoup les résonances de l'écrit. La Cèneoù le Christ et ses apôtres sont remplacés par des mendiants est l'un des sommets de la provocation. De même que les passages où l'auteur se plait à détruire les objets de l'iconographie religieuse.

Dans ce film, comme dans la plupart des précédents et des suivants, il n'hésite pas à décrire avec délectation la puissance étouffante du milieu social, monde originaire qui figure la permanence de l'asservissement auquel aucun d'entre nous n'échappera, milieux si semblables à des systèmes cosmiques indépendants, qu'ils ne peuvent être perméables les uns aux autres et que, s'ils évoluent, ce ne peut être qu'à l'état d'ébauches déjà condamnées. Chez lui, comme chez le marquis de Sade, le bien conduit au mal, son envers, si bien que les tentatives de charité et de bonté sont vaines et n'aboutissent qu'à produire des monstres ou des zombies.

 

Silvia Pinal. Tamasa Distribution

 

Jugeons-en par l'expérience de Viridiana et résumons son histoire pour la mieux comprendre : Viridiana, juste avant sa prise de voile et ses voeux définitifs, rend visite à son protecteur et vieil oncle, Don Jaime, sur les conseils et les encouragements de la Mère supérieure du couvent. Celui-ci vit seul depuis la mort de son épouse survenue la nuit de leurs noces. Or il s'avère que Viridiana ressemble étrangement à cette femme. Troublé par la beauté de sa nièce, Don Jaime n'a plus qu'une idée : la garder auprès de lui. Avec la complicité de sa servante Ramona, il lui fait absorber un somnifère et tente d'abuser d'elle pendant son sommeil. Le lendemain, épouvantée à l'idée qu'il l'a possédée, comme il le lui laisse croire, elle s'enfuit. Mais sur le chemin du retour, apprend qu'il s'est donné la mort. Elle revient alors au domaine - dont elle est l'héritière avec l'un de ses cousins - et décide de renoncer à la vie monastique pour se consacrer aux pauvres. Un soir de fête, les malheureux, qu'elle a recueillis, se livrent à une sorte de bacchanale, se saoulent, pillent la demeure et essaient même de violer leur bienfaitrice. En cherchant à améliorer la condition d'existence de ces pauvres gens, Viridiana n'est parvenue qu'à exacerber davantage leurs pulsions animales. Pulsions de mort et d'anéantissement qui habitent l'homme depuis la nuit des temps. Rien ne vaut rien. Le pessimisme de Bunuel ne lui permet pas d'envisager une quelconque rédemption, même pas une espérance. Puisque, selon lui, l'univers est livré inexorablement au néant. Les scènes carnavalesques et les simulacres n'ont pour but que d'aggraver ce qu'il y a de dérisoire dans tout effort qui tendrait à envisager un possible salut.

 

Dans cette perspective, la perversion se révèle être un dérivatif. L'homme y devient un prédateur et l'assouvissement des riches n'a d'égal que l'inassouvissement des pauvres. Bunuel, s'il admet la valeur symbolique de la religion et des arts, lui reproche de ne proposer aux hommes qu'un idéalisme fallacieux, une vision magnifiée et forcément trompeuse d'eux-mêmes ; le destin humain lui apparaissant comme voué à jamais à sa perte. D'où son ironie grinçante qui n'est pas le désespoir, mais un détachement volontaire et passablement hautain des choses. Le cinéaste entend nous confronter avec  le réel, sans céder à la complaisance. Il est certain qu'un tel film, sorte de  " contre-bible " laisse longtemps dans l'esprit son amer désenchantement.

 

Pour lire les articles consacrés à Jeanne Moreau, Catherine Deneuve et aux Réalisateurs, cliquer leurs titres :

 
JEANNE MOREAU     CATHERINE DENEUVE - PORTRAIT     LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN, cliquer sur le lien ci-dessous :  

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

 

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23 juin 2011 4 23 /06 /juin /2011 10:33

Pyramide Distribution


Iconoclaste et inclassable, Alain Cavalier est le cinéaste qui, par excellence, et cela dès ses débuts, a opté pour un parcours atypique de façon à faire cavalier seul. Né en 1931 à Vendôme, il commence des études d'histoire avant d'entrer à l'IDHEC, puis de devenir l'assistant de Louis Malle. Le voilà à bonne école, au coeur de cette Nouvelle Vague dont il entend bien se distinguer en tournant bientôt, pour son propre compte, des événements politiques comme la guerre d'Algérie dans Le combat dans l'île en 1961 et  L'insoumis  en 1964, insoumis qu'il est lui-même et justification du refus d'obéissance aux ordres. Mais malgré la présence d'acteurs de renom comme Jean-Louis Trintignant, Romy Schneider ou Alain Delon, ces premiers essais seront des échecs. Alain Cavalier connaîtra ses premiers succès avec des films plus commerciaux dont un polar Mise à sac en 1967 et surtout avec La Chamade en 1968, qu'il adapte du roman éponyme de Françoise Sagan, alors au sommet de sa gloire.

 

  Rezo Films  Pyramide Distribution  Hugo Films

 

 Toutefois, ces films commerciaux, s'ils lui permettent de vivre et de se faire connaître du grand public, ne satisfont aucunement sa nature exigeante. Ce n'est pas ce cinéma-là qu'il entend promouvoir. Aussi va-t-il à nouveau renoncer aux codes du cinéma en vogue pour réaliser des longs métrages dans lesquels il impose sa conception personnelle du 7e Art et sa sympathie pour les marginaux, en veillant à ce que le sujet soit abordé sans concession et s'inspire de l'expérience de chacun. Se refusant à l'action dramatique traditionnelle, le cinéaste décide de ne plus tourner que des oeuvres fondées sur une base d'authenticité qui mettent en scène des dilemmes intérieurs comme Ce répondeur ne prend pas de message en 1979 et Un étrange voyage en 1980, où il relate un épisode singulier de la vie de sa fille et obtient, dans la foulée,  le prix Louis-Delluc 1981.

 

Jean Rochefort. Hugo Films 

 

 

Mais une étape capitale sera franchie avec Thérèse en 1986. Dans ce film, Cavalier s'inspire au plus près de la vie d'une jeune carmélite, qu'il traite avec un dépouillement extrême et une grande intensité qui lui vaudra l'admiration générale et où il questionne la sainteté avec une émotion palpable. Le film, ovationné au festival de Cannes 1986, recevra le prix du Jury avant de remporter le César du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur scénario. Dès lors Alain Cavalier est entré dans la cour des grands.

 

Catherine Mouchet. TF1 International

 

Dorénavant il oriente son inspiration vers une épure encore plus exigeante au service d'une nouvelle ascèse et aborde une série de 24 portraits de femmes exerçant des métiers en voie de disparition, tel que matelassière. A l'écart des groupes et des écoles, son enjeu principal est le respect du réel, le rendu sans concession de la vie, qu'il tourne en solitaire grâce à une caméra DV dont la légèreté lui ouvre des perspectives très larges, saisissant l'histoire sous l'angle du documentaire qu'il construit et déconstruit à son gré. Si bien que des films comme La rencontre  ( 1966 ),  Vies  ( 2000 ),  Le filmeur  ( 2005 )  sont-ils de véritables journaux intimes, où il met en récit sa propre vie et celle de ses proches. C'est le cas de son dernier opus  Pater qui sort actuellement sur les écrans après avoir été ovationné à Cannes, comme jadis Thérèse, et que les critiques considèrent déjà comme une oeuvre hors norme, offrant au spectateur une diversité inouïe de scènes qui, toutes, font acte de vérité, souci majeur de ce réalisateur qui entend que le 7e Art reste une aventure permanente.

 

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27 mai 2011 5 27 /05 /mai /2011 09:45

UFD  Metropolitan FilmExport   


 

 

Etudiant en philosophie, puis scénariste, Terrence Malick, né le 30 novembre 1943, occupe une place à part dans l'univers du 7e Art, de par la rareté de ses films d'abord,  de par leur puissance ensuite. Dès son premier opus La balade sauvage (1974), l'histoire d'un fait divers criminel, il déploie une réflexion très personnelle, poétique et panthéiste à la fois, sur la beauté du monde. A travers les deux films suivants Les moissons du ciel ( 1978 ) et La ligne rouge ( 1998 ), il donne plus d'ampleur encore à sa réflexion, jouant du contraste entre la brutalité des hommes et la splendeur de la nature. Luministe à la Warhol, il sait magnifiquement utiliser les ressources de la peinture américaine et une iconographie à la beauté dépouillée et grandiose à laquelle s'ajoute des choix musicaux insolites ( Satie ) et une méditation mystique qui élimine systématiquement les scènes d'action attendues ou les dialogues explicatifs pour développer, à la façon d'une symphonie, une épopée inversée mais captivante grâce aux sortilèges de l'image. C'est au spectateur à entrer progressivement dans cette oeuvre rare, dans cette réflexion savamment orchestrée, comme on le fait en littérature lorsque l'on aborde un Marcel Proust ou un Céline et, qu'à la place de l'image, la phrase vous emporte dans ses incessants méandres et vous invite à partager doutes et interrogations.

 


Brad Pitt & Jessica Chastain. EuropaCorp Distribution    Collection Christophe L.

 

Le cinéma de Malick est cela avant tout : celui de l'interrogation, où la question compte davantage que la réponse, réponse que chacun est prié d'aller chercher en soi-même. Le réalisateur se pose ainsi en  célébrant d'un opéra mystique où l'homme est inséparable de l'univers et plein acteur de sa condition humaine, puisqu'il est tout ensemble témoin et auteur. Certes, comprendre Terrence Malick n'est pas simple. De même qu'il donne peu de directives à ses acteurs, ce n'est pas quelqu'un qui vous propose une approche pédagogique de son travail. Sa vision, il l'impose telle quelle, libre à chacun de le suivre ou pas. Et puisque l'univers et la vie sont mystère, l'oeuvre de l'artiste l'est également et il faut faire avec, accepter que l'inspiration joue sa partition sans avoir à souffrir d'entraves et de réductions. Parce que chacun de nous demeure au coeur du mystère, l'artiste, forcément en osmose avec lui, le célèbre, non de façon angélique ou moralisatrice, mais comme une relation fragile et de caractère émotionnel. D'où la beauté de ses aubes et de ses crépuscules magnifiés comme jamais à l'écran. C'est le retournement des forces, celle de l'homme acceptant de se plier aux servitudes de sa condition dans une solennité qui peut apparaître, à certains, grandiloquente.

 

Absent depuis six ans, le cinéaste nous offre aujourd'hui, loin du traditionnel discours sur le bien et le mal, un film controversé The tree of life dont les jurés de Cannes, faisant fi des sifflets et des ovations, ont su apprécier la valeur  : celle d'une oeuvre audacieuse, rare, signifiante et inspirée,  réflexion en forme de poème sur la difficulté... d'être. Malgré une insistance esthétique peut-être trop envahissante, le film se place au-dessus de ce qu'il est habituel de voir, pour toutes les qualités soulignées plus haut et une thématique mise au service d'une expérience totale.

 

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Brad Pitt. EuropaCorp Distribution  Jessica Chastain. EuropaCorp Distribution  


 

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11 mai 2011 3 11 /05 /mai /2011 09:27

        

    

Un scénario bâclé prive ce film d'une véritable portée sociale et le fait passer à côté de son sujet, l'effleurant sans en rien tirer de pertinent, tant l'opus cède, dès le départ, à la facilité.

L'argument est simple et se résume en quelques lignes : les délocalisations massives en vogue ces derniers temps frappent une grosse entreprise de Dunkerque où travaille France ( dont le prénom n'est pas anodin ), une jeune femme qui élève non sans peine ses trois filles et se retrouve, soudain, sans emploi et larguée par son mari docker. A la suite d'un tuyau, qui lui a été donné par son beau-frère, elle se rend à Paris et devient la femme de ménage d'un trader forcément mauvais père, mauvais amant, infidèle, cynique et odieux, qui a contribué à bousiller sa boîte et à faire licencier son personnel. C'est Gilles Lellouche qui interprète le personnage auquel, visiblement, il ne croit pas davantage que nous ne croyons à cette histoire mal ficelée.


Karin Viard. StudioCanal    Gilles Lellouche. StudioCanal

 

La seule à tirer honorablement son épingle du jeu est Karin Viard qui tente de se couler avec bonne volonté dans un rôle qui oscille entre passionaria et pretty woman sans se situer avec précision. Ces maladresses enlèvent toute crédibilité à ce film qui n'a pas su choisir entre film de genre et romance. Trop manichéen, sans finesse aucune, les bons et les méchants partagés par des maximes toutes faites et circonstanciées, Ma part de gâteau ne parvient ni à faire sourire, ni à émouvoir, encore moins à convaincre. Brouillon imparfait et portrait loupé de notre époque, on l'oublie dans l'heure qui suit. Dommage pour les acteurs qui méritaient mieux.

 

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Audrey Lamy, Flavie Bataille, Jean-Pierre Martins, Karin Viard et Marine Vacth. StudioCanal    StudioCanal

 

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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


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