Overblog Suivre ce blog
Administration Créer mon blog
26 janvier 2011 3 26 /01 /janvier /2011 09:54

           Carlotta Films


A sa naissance à Rome le 3 janvier 1929, Sergio Leone tombe dans le chaudron du 7e Art avec un père pionnier du cinéma italien, condamné au chômage à cause de son opposition au fascisme, et une mère, Bice Valerian, actrice. Après des études en dents de scie, Sergio commence sa carrière cinématographique comme assistant et fait également un peu de figuration pour gagner sa vie et apprendre le métier de part et d'autre de la caméra. Celle-ci débutera réellement en 1959, lorsqu'il réalise, à la place de Mario Bonnard tombé malade, Les derniers jours de Pompéi, un film à péplum, suivi  deux ans plus tard, en 1961, d'un autre opus historico-mythologique Le colosse de Rhodes. Ces expériences lui permettent de se familiariser avec la démesure et d'élargir au maximum le champ de l'action. C'est le déclin du western américain qui va l'inciter à revisiter le genre et à lui donner de nouveaux codes. En 1964, il transforme en western violent le sujet traité par le cinéaste japonais Kurosawa dans Yojimbo, dont le titre est Pour une poignée de dollars. Ce film obtiendra un succès international et lui permettra d'imposer son nom ainsi que celui de ses collaborateurs, particulièrement le musicien Ennio Morricone et l'acteur Clint Eastwood et marquera le renouveau d'un genre tombé en désuétude, imité, par la suite - ce qui ne manque pas de piquant - par les Américains eux-mêmes. L'année suivante, le metteur en scène donne une suite à ce film avec Et pour quelques dollars de plus avec à nouveau Clint Eastwood et Gian Maria Volontè, pour lequel il s'est longuement documenté sur l'Ouest et la guerre de Sécession, affirmant son style et sa richesse thématique. Mais ce sera  Le Bon, la Brute et le Truand en 1966, où il dépeint l'apothéose de la violence irrationnelle et démystifie l'histoire traditionnelle de l'Ouest, qui fera de lui un réalisateur hors pair, un maître dans l'art de manier la caméra et d'en renouveler les thèmes. Je crois que les superlatifs manquent pour décrire ce chef-d'oeuvre obsédant, à la dimension narrative peu commune, où les présences des trois acteurs principaux que sont Elie Wallach, Lee Van Cleef et Clint Eastwood ne cessent de hanter nos mémoires.

 



 

En 1968, Sergio Leone va tourner une oeuvre encore plus ambitieuse Il était une fois dans l'Ouest, élégie spectaculaire sur la disparition d'un Ouest cher à John Ford, dont il ne craint pas de transformer l'un des acteurs favoris - Henry Fonda - en tueur sadique. Le film est tourné dans le même lieu mythique de Monument Valley avec une pléiade d'acteurs célèbres dont Charles Bronson et Claudia Cardinale et dans des tons crépusculaires. Ces tons s'enténèbreront davantage encore avec  Il était une fois...la Révolution en 1971, où sur toile de fond de la révolution mexicaine de 1913, le metteur en scène oppose deux types d'aventuriers interprétés par Rod Steiger et James Coburn, faisant clairement référence aux derniers jours du fascisme mussolinien.

 


     Carlotta Films


 

Il produira ensuite deux westerns parodiques Mon nom est personne en 1973 et Un génie, deux associés, une cloche en 1975 qui sonnent comme la nécrologie de toute son oeuvre. Par la suite, il devient producteur, entre autres des premiers films de Carlo Verdone, et réalisera en 1984 un ultime opus Il était une fois en Amérique  avec Robert de Niro dans le rôle titre qui est une épopée sanglante et nostalgique sur le gangstérisme des années 1930.  Il mourra à Rome le 30 avril 1989 à l'âge de 60 ans, laissant derrière lui une oeuvre d'une puissance rare, dont les innovations, la splendeur visuelle, les fulgurances, la parodie toujours présente en ont fait un réalisateur inclassable, dont chaque film est à lui seul un concentré de toutes les possibilités narratives et esthétiques du 7e Art.

 

Pour prendre connaissance des critiques de certains des films de Sergio Leone, cliquer sur leurs titres :

 

 IL ETAIT UNE FOIS EN AMERIQUE de SERGIO LEONE       

 

 IL ETAIT UNE FOIS DANS L'OUEST de SERGIO LEONE

 

Et pour consulter la liste complète des articles consacrés à la rubrique CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

 

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


James Coburn. Carlotta Films   

 


 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans LES REALISATEURS DU 7e ART
commenter cet article
20 janvier 2011 4 20 /01 /janvier /2011 11:28

                VIDEO


Au-delà est l'histoire de trois personnages hantés par la mort et les interrogations qu'elle soulève. George est un Américain d'origine modeste, affecté d'un "don" de voyance qui pèse sur lui comme une malédiction. Marie, journaliste française, est confrontée à une expérience de mort imminente, et en a été durablement bouleversée, quant à Marcus, un jeune garçon de Londres, il perd l'être qui lui était le plus cher et le plus indispensable, son jumeau, et se met désespérément en quête de réponses à ses interrogations. George, Marie et Marcus sont guidés par le même besoin de savoir et la même quête, si bien que leurs destinées vont finir par se croiser dans cette tentative qui les anime de répondre, autant que faire se peut, au mystère de l'Au-delà.


Cécile de France. Warner Bros. France



Nous aurions tant aimé nous enthousiasmer de l'audace de Clint à s'aventurer dans un nouvelle voie, mais voilà c'est raté, le film se perdant dans les dédales d'une quête ésotérique insuffisamment crédible et un narratif flou qui perd pied et finit, comme le tsunami, magnifiquement filmé au tout début, par noyer les personnages, leurs propos et, par voie de conséquence, le spectateur. Nous sommes loin de ces opus si réussis que furent Sur la route de Madison ou Gran Torino, où Clint, très à l'aise à traiter des sujets qui lui correspondaient, et pour lesquels il avait longuement mûri sa réflexion, nous avait offert des ouvrages cousus main et d'une grande force suggestive. Là, il semble bien qu'il se soit attaqué à gravir une montagne dont il ignorait les secrets et dont les sommets inaccessibles restent cachés dans les brumes. Oui, Eastwood a surestimé ses capacités et ne nous offre qu'un film long, ennuyeux, et aussi peu convaincant que possible. Tout le monde ne s'appelle pas Carl Dreyer, Ingmar Bergman ou Robert Bresson qui savaient, avec un art consommé de la suggestion, aborder les conflits de l'âme face aux questions primordiales : d'où venons-nous et où allons-nous ?  Il faut, pour ce faire, user des moyens minimums, du plus grand dépouillement et de la plus extrême simplicité, afin de parvenir à exprimer le maximum de choses et atteindre l'essentiel. Le contraire des effets recherchés ici par le réalisateur qui emploie les techniques les plus pointues et les ressources les plus sophistiquées de la cinématographie. Oui, les thèmes qui touchent de près ou de loin au monde invisible doivent être abordés avec infiniment de prudence, de façon à éviter d'argumenter dans le vide et de tenter de démontrer ce qui est indémontrable, en se limitant à approcher le mystère et à poser l'interrogation. Cela ne relève que de la foi ou de l'espérance intérieure, démarche totalement opposée à celle de Clint qui s'échine à réduire à quelques arguments pseudo-scientifiques une vie après la mort, supposée inscrite d'ores et déjà dans nos gênes. Dommage ! Il y a de sa part  une tentation d'orgueil et une maladresse à employer les moyens les plus contraires à ce genre de sujet et à s'embourber dans un démonstratif qui va à l'encontre de ce que l'on veut démontrer.


Cécile de France, Lisa Griffiths, Jessica Griffiths. Warner Bros. France

 


Preuve en est que les personnages ne parviennent pas à être le moins du monde probants. Même Matt Damon, pourtant excellent acteur, et Cécile de France semblent se demander ce qu'ils ont à prouver et bavardent là où il serait infiniment préférable de se taire. C'est par l'image que le 7e Art se doit de convaincre, non par les mots qui eux relèvent de la littérature ou de l'art dramatique. Et c'est d'autant plus fâcheux, que Clint connait parfaitement l'art de la mise en scène, que son ouverture avec l'irruption du tsunami est parfaitement réussie ; de même qu'il sait mieux que quiconque brosser des tableaux évocateurs et qu'il lui aurait été plus facile de convaincre s'il s'était contenté de suggérer au lieu de dogmatiser un tant soit peu sur ce qui n'est pas vérifiable. On ne peut néanmoins en vouloir à un homme aussi talentueux de se tromper. Ce film a le mérite de nous rassurer sur sa curiosité d'esprit, son souci de s'engager sur les pistes les plus hasardeuses, de sonder la mort avec les yeux d'un vivant et de fouiller avec sa caméra au-delà du dicible..

 

2-e-toiles

 

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

 

Et pour consulter l'article consacré à Clint Eastwood, cliquer également sur le lien ci-dessous :

 

CLINT EASTWOOD - PORTRAIT


Clint Eastwood & Cécile de France. Warner Bros. France

Matt Damon. Warner Bros. France



Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans CINEMA AMERICAIN & CANADIEN
commenter cet article
23 décembre 2010 4 23 /12 /décembre /2010 11:18

        

 

Honnête divertissement, cette comédie enlevée aborde de manière légère un sujet grave. Parfois maladroit, l'ensemble demeure suffisamment drôle pour emporter l'adhésion.


Jean-René, patron d'une fabrique de chocolat, et Angélique, chocolatière de talent, sont deux grands émotifs. C'est leur passion commune pour le chocolat qui les rapproche. Ils tombent amoureux l'un de l'autre sans oser se l'avouer. Hélas, leur timidité maladive tend à les éloigner. Mais ils surmonteront leur manque de confiance en eux, au risque de dévoiler leurs sentiments.

 

Benoît Poelvoorde & Isabelle Carré. StudioCanal

 

 

Tranquillement, Jean-Pierre Améris construit de film en film une oeuvre cohérente essentiellement fondée sur les rapports difficiles entre des êtres blessés par la vie. Avec "Les émotifs anonymes", il évoque un sujet extrêmement personnel et totalement original puisqu'il se penche sur le cas de gens qui sont incapables de communiquer leurs sentiments aux autres. Débordés par leurs émotions, ces personnes se révèlent être des handicapés des sentiments, si bien qu'il existe des groupes de thérapies collectives sur le modèle des alcooliques anonymes. Malgré le caractère très personnel du sujet, Jean-Pierre Améris a choisi de le traiter sous l'angle de la comédie au lieu de s'apitoyer sur son sort. Il met donc en présence deux personnages incapables d'aller l'un vers l'autre, alors même qu'ils sont tombés amoureux.

 

Benoît Poelvoorde. StudioCanal    Isabelle Carré. StudioCanal

 

Ce formidable duo de comédie est interprété par Benoît Poelvoorde et Isabelle Carré, tous les deux impeccables dans des rôles qui pouvaient aisément verser dans la caricature. Grâce à un scénario malin, le réalisateur signe quelques belles scènes de comédie (le premier rendez-vous au restaurant est hilarant) accompagnées de moments plus intimistes qui parviennent à toucher. Marquée par une esthétique très travaillée (les décors semblent volontairement issus d'époques différentes afin de brouiller les repères temporels du spectateur), cette comédie parvient à traiter de manière légère un sujet grave. On peut sans doute lui reprocher quelques facilités d'écriture - une situation initiale qui évolue peu -  une ou deux séquences de comédie musicale qui tentent vainement de singer la bonne humeur d'un Jacques Demy - sans y parvenir - et une fin qui n'arrive pas à se démarquer des multiples comédies romantiques à l'américaine que l'on ingurgite depuis de nombreuses années. Mais "Les émotifs anonymes", porté par son formidable duo d'acteurs, fait office de divertissement de qualité et se laisse regarder avec plaisir.. 

 

3-e-toiles

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


Lise Lametrie, Lorella Cravotta, Pierre Niney et Swann Arlaud. StudioCanal

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans CINEMA FRANCAIS
commenter cet article
8 décembre 2010 3 08 /12 /décembre /2010 10:54

Mario Monicelli (à gauche).     1915 - 2010


 

A la tête d'une filmographie éclectique, Mario Monicelli représente le must de la comédie italienne, ayant été le précurseur de cinéastes comme Francesco Rosi, Dino Risi et Ettore Scola. On lui doit aussi d'avoir lancé des acteurs aussi prestigieux que Marcello Mastroïanni ou Renato Salvatori et contribué à asseoir les carrières d'un Toto et d'un Vittorio Gassman. Après des études d'histoire et de philosophie aux universités de Pise et de Milan, Monicelli s'intéresse très tôt au cinéma qui lui ouvre des perspectives inespérées pour exprimer et illustrer son talent de conteur pétri d'ironie à l'égard d'une société dont il ne cessera de dénoncer avec vigueur les faiblesses et les ridicules. Son premier film annonce déjà la couleur : Au diable la célébrité ( 1949 ), une comédie à sketches qu'il co-écrit avec Steno, scénariste qui participera également à l'élaboration de trois autres films autour de la personnalité du comédien Toto : Toto cherche un appartement ( 1949 ), Gendarmes et voleurs ( 1951 ) et Toto e le donne ( 1952 ). En 1953, Monicelli dirige seul son premier film Toto e Carolina, une satire sur la bonne conscience bourgeoise qui s'attire les foudres de la censure. C'est en 1958 qu'il tourne son film le plus célèbre, Le pigeon, succès mondial et génial où s'illustrent Toto et Victorio Gassman dans des rôles de héros à rebours sur fond de farce désopilante et pivot de la comédie à l'italienne. Le cinéaste poursuivra avec La grande guerre ( 1959 ), mélange d'humour et de gravité, en composant une fresque qui a pour objectif de démystifier la guerre de 14/18, celle-ci vue avec un réalisme cruel qui annonce Les hommes contre de Francesco Rosi.

 


     


Après une comédie sentimentale avec Anna Magnani et Toto, Larmes de joie ( 1960 ) et l'épisode Renzo e Luciana de Boccace 70 ( 1962 ), il dirige une fresque sociale et ambitieuse Les Camarades ( 1963 ) sur les grèves de Turin et leur terrible répression à la fin du XIXe siècle. Poursuivant une carrière couronnée de succès, il va diriger des films d'une inspiration très diversifiée mais toujours originale et personnelle : une farce politique sur un complot fasciste Nous voulons les colonels ( 1973 ), une satire de moeurs Romances et confidences ( 1974 ), une comédie loufoque devenue un film culte Mes chers amis ( 1975 ), un drame bourgeois Caro Michele ( 1976 ), une tragédie caustique Un bourgeois tout petit petit ( 1977 ) d'après un roman de Vincenzo Cerami, une farce folklorique tournée dans le Nord de la France et en Belgique Rosy la bourrasque ( 1980 ), un pastiche Chambre d'hôtel ( 1981 ), enfin une étude douce-amère sur les névroses d'un écrivain Le mal obscur ( 1990 ). Son oeuvre bariolée, réalisée avec une caméra trempée dans le vitriol et où dominent l' ironie et la dérision, possède, malgré la pluralité des sujets, une cohérence esthétique et idéologique. On aura compris que le cinéaste en veut à ce qu'on appelle aujourd'hui  l'Establishment. Maître de la comédie italienne, ayant dirigé les plus grands comédiens de son époque, il s'est éteint à plus de 90 ans, laissant derrière lui une filmographie étonnement jeune d'esprit et prolifique.

 

Pour lire les articles de la rubrique consacrée aux réalisateurs, cliquer sur son titre :


LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN, cliquer sur le lien ci-dessous :  

 

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

 

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

 


        

 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans LES REALISATEURS DU 7e ART
commenter cet article
3 décembre 2010 5 03 /12 /décembre /2010 10:04
A BOUT PORTANT de FRED CAVAYE

       

Tout va pour le mieux pour Samuel et Nadia : lui est bientôt infirmier et, elle, attend son premier enfant. Mais tout bascule lorsque Nadia se fait kidnapper sous l'oeil impuissant de Samuel. A son réveil, son portable retentit : il a trois heures pour sortir de l'hôpital, dans lequel il travaille, un homme sous surveillance policière. Le destin de Samuel est désormais lié à celui de Sartet, une figure du banditisme activement recherchée par tous les services de police. S'il veut revoir sa femme vivante, Samuel doit faire vite...

 

Fred Cavayé a déclaré avoir d'emblée souhaité un rythme haletant, un opus conduit à un train d'enfer. Mission accomplie ! Dès le début, "A bout portant" n'est autre qu'une course effrénée avec à la clé une question de vie ou de mort. Ainsi, porté à bout de jambes par Gilles Lellouche, le film livre son lot de scènes spectaculaires dans des lieux emblématiques de la capitale, avec une mention particulière pour la scène de poursuite dans le métro, véritable morceau de bravoure physique et de mise en scène.

 

 

Gilles Lellouche reçoit ici son premier grand rôle. L'acteur livre une prestation physique complète, où la performance sportive exceptionnelle n'est jamais faite au détriment du jeu. En effet, l'expressivité de Samuel passe essentiellement par le langage du corps, que ce soit dans la gestion d'une situation de crise ou dans la relation avec sa femme (interprétée par Elena Anaya, remarquée dans Mesrine et à l'affiche du prochain film d'Almodovar) et le rapport à la paternité.

 

Gilles Lellouche. Gaumont Distribution

 

"A bout portant" peut d'ailleurs se comparer à un jeu de construction dont l'unité de base serait le couple : celui formé par Samuel et Nadia, celui de Samuel et Hugo Sartet (Roschdy Zem, tout aussi excellent en taiseux) qui joue avec les codes de la relation otage/bourreau, les frères Sartet, Werner et Fabre (on notera au passage que le film s'enrichit également de la présence de seconds rôles de très grande qualité, à l'image de Gérard Lanvin et Mireille Perrier), Fabre et Susini, etc., qui s'imbriquent au fur et à mesure.

 

 

Enfin, "A bout portant" est également un film d'ambiance qui bénéficie de la superbe lumière d'Alain Duplantier, photographe de formation qui a déjà oeuvré sur le précédent film de Fred Cavayé, "Pour elle". Une lumière qui creuse à foison les visages et qui, en éclairage artificiel, évoque, par son nuancier de bleus métalliques et de tons chauds jaunes orangés, le cinéma asiatique, notamment les films de Wong Kar Wai ou "Millénium Mambo".
Fred Cavayé signe ici un thriller au suspense tendu à l'extrême et tiré au cordeau qui ne lâche jamais la proie pour l'ombre... pas plus que le spectateur.

 

Pour consulter la lsite complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

A BOUT PORTANT de FRED CAVAYE
A BOUT PORTANT de FRED CAVAYE
Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans CINEMA FRANCAIS
commenter cet article
24 novembre 2010 3 24 /11 /novembre /2010 10:19
JAMES IVORY OU GRANDEUR ET DECADENCE DES CIVILISATIONS

 Merchant Ivory Productions   

 

James Ivory est né à Berkeley en Californie le 7 juin 1928 et se destinait, dans un premier temps, au métier de décorateur pour le cinéma, étudiant, dans cette perspective, les Beaux-Arts à l'université de l'Oregon. Il s'orientera finalement vers la section cinéma de l'université de Californie du Sud. Pendant ses études, il réalisera son premier court-métrage, "Four in the morning" (1953).

 

"J'ai toujours été intéressé par la grandeur et la décadence des civilisations" - dit-il et explique, par ces quelques mots, un large pan de son oeuvre. Après un bref séjour en France où il ambitionnait d'étudier la langue, il se rend à Venise et tourne un petit film documentaire sur les peintres vénitiens. Très original pour l'époque, "Venise : thème et variation"  (1957)  marque déjà le goût du cinéaste pour l'étranger. La curiosité chevillée au corps, il part en Inde et tombe instantanément sous son charme. Il s'imprègne de la culture, des modes de vie, de la langueur et des paysages indiens et, à trente-cinq ans, produit son premier long métrage de fiction, "The householder" (1963), adapté d'un roman indien et interprété par des acteurs locaux. A la même époque, il rencontre le cinéaste Satyajit Ray qui l'aide à perfectionner le montage de son film. C'est en Inde que James Ivory tourne "Shakespeare Wallah" (1965) - considéré par ses admirateurs comme son oeuvre la meilleure - et se fait connaître pour la première fois du public à travers l'histoire d'une troupe de comédiens shakespeariens déambulant de ville en ville, mais n'en sera pas moins boudé par un grand nombre de spectateurs qui relèguent la culture britannique aux archives des archaïsmes bourgeois. On y trouve en filigrane le thème récurrent du réalisateur, celui du temps qui passe et ronge inéluctablement les êtres au point d'avoir raison de leurs idéaux. En 1968, "The guru" est une évocation mélancolique des périples d'une jeune Anglaise venue se ressourcer en Inde. James Ivory, l'américain, poursuit sa collaboration avec son producteur et ami Ismail Merchant et explore les contradictions et les mutations de la société indo-britannique. "Adventures of a brown man in search of civilization" (1972) et "Chaleur et poussière" (1983) seront reconnus comme des modèles où se marient esthétisme et pertinence du raisonnement philosophique.

 


Loin de se détourner de l'Inde, le réalisateur se prend de passion pour l'oeuvre littéraire du romancier Henry James. De retour aux Etats-Unis en 1979, il adapte "The europeans", unanimement salué par la critique et sortira définitivement de la confidentialité avec les études de caractères de ses films suivants. "Chambre avec vue " (1985) et "Maurice" (1987), tirés de deux romans d'Edward Morgan Forster imposent définitivement son nom et son style auprès de cinéphiles émerveillés par le raffinement de ce Californien so british. Se satisfaisant jusque-là d'acteurs relativement peu connus, James Ivory fait appel à Emma Thompson et à Anthony Hopkins pour "Retour à Howards End" (1992) et "Les vestiges du jour" (1993), deux chroniques teintées de nostalgie qui synthétisent l'ensemble de ses oeuvres antérieures et en expriment l'originalité. Si son académisme et son imagerie trop léchée au goût de certains lui sont reprochés, James Ivory est aujourd'hui considéré, à juste titre, comme l'un des réalisateurs les plus importants de sa génération. La raison en est qu'il a su marquer la pellicule d'une empreinte délicate et traiter des maux qui marquent de façon indélébile nos sociétés occidentales : la lutte des classes, l'intolérance et l'hypocrisie. Dans Chambre avec vue, véritable ode à la nature, le metteur en scène immerge ses personnages dans une ambiance charnelle, dans "Maurice", il les montre démunis de la moindre force vitale et se laissant malmener par le destin, alors que dans "Retour à Howards End"  il théâtralise les sentiments et nous entraîne dans les méandres du coeur, pointant du doigt la cruauté des rapports qui s'instaurent au sein des familles. L'ensemble de son oeuvre est d'une qualité exceptionnelle qui n'est pas sans rappeler, par son raffinement, son souci de réanimer le passé, la palette d'un Visconti dont il semble s'inscrire dans la continuité.

 

Lion d'argent à la Mostra de Venise en 1987 pour "Maurice".

Pour lire les articles consacrés à Emma Thompson et aux Réalisateurs, cliquer sur leurs titres :

 
EMMA THOMPSON           LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN, cliquer sur le lien ci-dessous :  

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

 

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


Daniel Day-Lewis. Collection Christophe L.  Natasha Richardson. Sony Pictures Classics

            Merchant Ivory Productions   Anthony Hopkins et Emma Thompson. Merchant Ivory Productions

 

JAMES IVORY OU GRANDEUR ET DECADENCE DES CIVILISATIONS
Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans LES REALISATEURS DU 7e ART
commenter cet article
11 novembre 2010 4 11 /11 /novembre /2010 10:28
POTICHE de FRANCOIS OZON

           
Oui, on rit et on s'amuse beaucoup à assister au dernier opus de François Ozon "Potiche", qui fait la une de tous les journaux et jouit d'une promotion pour le moins omniprésente sur les médias  ( le résultat, salle pleine en plein après-midi ) et  que le cinéaste, s'inspirant de la pièce de boulevard de  Barillet et Grédy - où triompha pendant des mois, sinon des années, la truculente Jacqueline Maillan - relooke pour l'adapter au grand écran, profitant de l'occasion pour adresser quelques oeillades amusantes à la vie politique actuelle. Pour mettre tous les atouts dans son jeu, Ozon a convié à ce rendez-vous des acteurs dont la renommée n'est plus à faire : en premier lieu Catherine Deneuve, qui reprend le rôle de Jacqueline Maillan en lui apportant son charme et sa féminité, et qui m'a très agréablement surprise dans ce rôle à contre-emploi, plein de malice et d'humour, dans lequel elle semble s'être coulée sans peine, assumant son âge avec une sereine désinvolture ; Fabrice Luchini épatant dans celui d'un patron et mari détestable à souhait ; la ravissante Judith Godrèche qui s'est fait la tête de Farrah Fawcett, une drôle de dame de l'époque ; Jérémie Rénier qui s'est voulu une ressemblance surprenante avec Clo Clo, autre clin d'oeil aux années 70, sans compter les parapluies que produit l'usine de sieur Luchini et qui ne sont autres qu'un hommage délicat de Ozon à la délicieuse Catherine Deneuve des "Parapluies de Cherbourg" ; Karin Viard en secrétaire trop zélée, et, enfin, Gérard Depardieu, dont la surcharge pondérale est telle, qu'on a quelque peine à croire qu'il séduisit un jour la belle patronne dans un chemin creux de campagne. Il y a, c'est vrai, quelques invraisemblances qui auraient pu être évitées et qui enlèvent de la crédibilité à un film, par ailleurs, assez bien ficelé.  


Catherine Deneuve, Judith Godrèche et Karin Viard. Mars Distribution

 

En 1977, dans une province de la bourgeoisie française, Suzanne Pujol est l'épouse popote et soumise d'un riche industriel Robert Pujol. Il dirige son usine de parapluies d'une main de fer et s'avère aussi désagréable et despote avec ses ouvriers qu'avec ses enfants et sa femme, qu'il traite comme une potiche. À la suite d'une grève et d'une séquestration de son mari, Suzanne se retrouve à la direction de l'usine et se révèle, à la surprise générale, une femme de tête et d'action qui va prendre une juste revanche à ses frustrations en cautionnant les revendications sociales de ses employés. Mais lorsque Robert rentre d'une cure de repos en pleine forme, tout se complique...je ne veux pas en rajouter pour vous laisser la surprise de la chute qui illustre avec drôlerie la libération des moeurs et l'ascension irrésistible des femmes. Il y a là encore un clin d'oeil aux ambitions présidentielles récentes d'une Ségolène Royal, dont on sait que Ozon avait soutenu la candidature. Tout cela pimenté de dialogues qui font mouche, dont cette phrase à l'adresse de la femme charismatique qu'est devenue Madame Pujol, de la part d'un mari débordé par les événements : La potiche n'était pas une cruche.

 

A propos de potiche, un journaliste n'a pas hésité à dire à François Ozon qu'il était un rien gonflé d'avoir offert à une actrice comme Deneuve, qui est devenue une icône du 7e Art, un rôle de potiche. A cela, le metteur en scène a répondu que Deneuve était le contraire d'une star recluse dans sa cage dorée, mais une femme libre, qui aime boire, manger, sortir et faire ses courses comme tout le monde, une femme vivante, drôle, ancrée dans la réalité et très différente de l'image que l'on se fait d'elle.  Preuve est donnée...Un divertissement plaisant pour une soirée sans autre but précis.  

 

2-e-toiles


Pour consulter la liste des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

 

POTICHE de FRANCOIS OZON
POTICHE de FRANCOIS OZON
Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans CINEMA FRANCAIS
commenter cet article
9 novembre 2010 2 09 /11 /novembre /2010 10:28

  Kirsten Dunst. Sony Pictures Entertainment


Marie-Antoinette est probablement la reine de France qui a été la plus mise en scène au cinéma, davantage encore qu'Anne d'Autriche, qui ne doit sa célébrité qu'aux ferrets qu'elle eût l'imprudence d'offrir au duc de Buckingham et que d'Artagnan, si l'on en croit Alexandre Dumas, alla récupérer à Londres. Pourquoi une telle fascination pour la femme de Louis XVI, inspiratrice d'une trentaine de films, dont le dernier en date  "Les adieux à la reine" de Benoît Jacquot, mieux qu'une reconstitution historique, se focalise sur les émotions secrètes des personnages, soit la reine, sa lectrice et sa meilleure amie la princesse de Polignac et, ce, jusqu'à l'incandescence ? Sans doute parce qu'elle offre aux scénaristes plusieurs visages, depuis la princesse frivole de Versailles à la reine martyre de la Terreur. Il est vrai aussi qu'elle est séduisante cette jeune archiduchesse qui arrive en France pour épouser l'héritier du trônele 16 mai 1770. Sa fraîcheur, sa grâce, son élégance et sa beauté vont très vite faire d'elle la reine de toutes les fêtes et de tous les bals. Si bien que l'on ne tarde pas à lui prêter les passions les plus folles, dont une liaison avec le beau Fersen. Et aujourd'hui une tendance lesbienne ! Le 7e art pouvait-il ignorer une telle héroïne ? 

 


  Kirsten Dunst. Sony Pictures Entertainment

 


Hollywood s'emparera en premier du personnage pour raconter sa vie en 1938. La Marie-Antoinette du réalisateur Van Dyke est jouée par Norma Shearer mais tout est outré dans cette production de la Metro-Goldwyn-Mayer, alors à son apogée. Sacha Guitry se montrera plus mesuré dans Si Versailles m'était conté, où son épouse d'alors, Lana Marconi, y rayonne dans ses somptueux atours. Ces réalisations seront dépassées en 2006 par la Marie-Antoinette de Sofia Coppola qui nous offre une version acidulée et charmante d'une Marie-Antoinette très teen-ager à la lady Di, assez éloignée d'une reine de l'Ancien Régime. Tournée dans le château de Versailles, l'oeuvre éblouit par un déploiement de perruques, d'éventails, de pâtisseries, symphonie de couleurs, du rose bonbon au noir crépusculaire, ensemble très agréable à l'oeil mais souffrant de grossiers anachronismes. L'actrice Kirsten Dunst évoque une reine pleine de charme, telle que dût l'être la jeune dauphine, dont la séduction agit encore de nos jours.

 


Kirsten Dunst. Sony Pictures Entertainment  Kirsten Dunst et Jason Schwartzman. Sony Pictures Entertainment

 


La politique pointe son nez avec l'affaire du collier qui compromet le prince de Rohan, homme d'église. C'est Alexandre Dumas qui, une fois encore, fournit la trame du film de Ratoff Cagliostro, en 1949,  où Nancy Guild est Marie-Antoinette et Orson Welles, Cagliostro. Dans sa reconstitution de L'affaire du collier de la reine, trois ans plus tôt, Marcel L'Herbier s'était voulu plus rigoureux avec une reine interprétée par Marion Dorian.
 

    

 

Une autre Marie-Antoinette se révèle également, celle du début de la Révolution. A la princesse évaporée succède une reine hautaine, que l'on veut indifférente aux malheurs du peuple, telle que la campe Pierre Granier-Deferre, en 1990, dans un film qui porte pour titre L'Autrichienne et a  pour interprète Ute Lemper. Deux chefs-d'oeuvre l'évoquent par ailleurs. Ce sont le Napoléon d'Abel Gance en 1927, où l'on voit une Suzanne Bianchetti apparaître altière lors de l'évocation du 10 août, et La Marseillaise de Renoir ( 1937 ), en pleine euphorie du Front populaire, où Lise Delamare compose une reine ennemie du peuple et imbue des privilèges de sa caste.

 


Dernière image de Marie-Antoinette : la veuve Capet. La prisonnière du Temple porte un bonnet blanc et le voile de deuil, ainsi qu'elle se présente sur le tableau du musée Carnavalet, de même que dans le télé-film de Claude Barma : Le chevalier de Maison-Rouge. Son visage est celui émacié, creusé par la douleur d'Annie Ducaux. Cette fin tragique est également évoquée de façon émouvante, en 1956, dans le Marie-Antoinette de Jean Delannoy, d'après un scénario de Philippe Erlanger. Michèle Morgan, qui porte sur ses épaules le rôle de la reine déchue, s'y montre impressionnante de vérité dans sa marche vers l'échafaud. L'image rappelle alors le cruel dessin de David. Grâce à ces cinéastes, si contrastés dans leur façon d'évoquer ce personnage de l'Histoire, un mythe cinématographique est né et perdure.

 

Sources : Jean Tulard

 

Pour consulter la liste complète des articles de cette rubrique, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DE MES BILANS CINEMATOGRAPHIQUES

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans MES BILANS
commenter cet article
4 novembre 2010 4 04 /11 /novembre /2010 09:48

         

 

1562, la France est sous le règne de Charles IX, les guerres de religion font rage... Depuis son plus jeune âge, Marie de Mézières aime Henri, duc de Guise. Elle est contrainte par son père d'épouser le prince de Montpensier. Son mari, appelé par Charles IX à rejoindre les princes dans leur guerre contre les protestants, la laisse en compagnie de son précepteur, le Comte de Chabannes, loin du monde, au château de Champigny. Elle tente en vain d'y oublier sa passion pour Guise, mais devient malgré elle l'enjeu de passions rivales et violentes auxquelles vient aussi se mêler le duc d'Anjou, futur Henri III.



On connait la passion de Bertrand Tavernier pour l'histoire qu'il a toujours servie au mieux à travers un nombre conséquent d'oeuvres brillantes. A l'aise dans la description du Moyen-Age (le magnifique et vénéneux La passion Béatrice), des turpitudes de la Régence (Que la fête commence), de la Première Guerre mondiale (La vie et rien d'autre et Capitaine Conan) ou même de la Seconde (Laissez passer), le metteur en scène a eu, pour habitude, de s'entourer des meilleurs spécialistes afin de donner la vision la plus réaliste possible des époques passées. Mais cette fois, l'inspiration n'étant probablement pas au rendez-vous, il peine à dépeindre l'époque complexe et difficile du XVI e siècle, qui s'est tristement illustré par les guerres de religion entre catholiques et protestants, pas plus qu'il ne parvient à éviter les clichés habituels sur la Saint-Barthélémy et sur la haine entre les religions rivales. Si, dans sa reconstitution assez superbe sur le plan de l'imagerie, le cinéaste n'élude en rien la violence inhérente à l'époque, il n'arrive pas à en saisir les thèmes clés et les moments phares. De même qu'il peine à nous restituer le climat psychologique de l'oeuvre de Madame de La Fayette qui, en quelques pages et un art consommé du raccourci et de la concision, trouvait le moyen de nous faire partager l'évolution des sentiments de ses personnages, alors que Tavernier s'y perd et, en deux heures quinze de spectacle, nous plonge dans un assemblage baroque de scènes qu'il a bien du mal à relier les unes aux autres. D'où le peu de conviction qui émane de ce long métrage aux thèmes anachroniques par rapport aux attentes d'un public contemporain. Il y a aussi de nombreuses invraisemblances, par exemple la scène où le comte de Chabannes entre dans la chambre des jeunes Montpensier, et où la jeune mariée sort de son lit dans le plus simple appareil, ce qui était impensable à l'époque de la part d'une jeune femme de ce rang. Mais le spectacle est sauvé en partie par la beauté de la mise en scène, bien que très classique et sans innovations particulières, et par la splendeur des costumes dus au talent de Caroline de Vivaise.

 

 

Compte tenu de ces insuffisances, il n'est pas certain que le public se passionne pour les mésaventures sentimentales de cette femme mariée que tous les hommes de son entourage tentent de séduire, d'autant que le réalisateur n'a pas su maintenir une tension dramatique suffisante. Bertrand Tavernier nous avait habitué à mieux. Si la première heure accroche le spectateur par l'inscription de ce destin particulier dans la grande Histoire, on est peu à peu déçu que le scénario se concentre de plus en plus sur les affaires sentimentales de l'héroïne, en délaissant certains personnages pourtant plus intéressants (celui du comte de Chabannes, interprété avec beaucoup de finesse par Lambert Wilson). Dès lors, on se lasse des multiples hésitations des protagonistes que Bertrand Tavernier ne nous rend proches à aucun moment. Réalisé avec un soin méticuleux, servi par la belle musique de Philippe Sarde et par des images riches en références picturales, La princesse de Montpensier souffre également d'un casting désastreux. Si Mélanie Thierry, bien qu'elle ne soit pas le personnage, davantage teen-ager que princesse du XVIe, Lambert Wilson et le jeune Raphaël Personnaz (sans doute la révélation du film) s'en sortent avec les honneurs, on ne peut en dire autant d'un Gaspard Ulliel peu convaincant en fougueux de Guise et, ô combien pire ! de Grégoire Leprince-Ringuet qui, avec son physique d'éternel adolescent et sa voix fluette, n'arrive à aucun moment à nous persuader qu'il est un Bayard sans peur et sans reproche, jaloux de l'attrait que suscite sa belle épouse. Et puis ces jeunes acteurs n'ont aucune diction et nombre de dialogues sont quasi inaudibles...Inégal, mais non dénué de fulgurances (les séquences intimes entre Mélanie Thierry et Lambert Wilson, notamment, sont parmi les meilleurs moments du film), La princesse de Montpensier a du mal à emporter l'adhésion - du moins la mienne - et ce film n'a, à mes yeux, qu'un seul mérite : l'envie de me replonger dans l'oeuvre de Madame de La Fayette qui savait dire en peu de mots ce que le cinéaste n'a pas su exprimer en un flot d'images.

 

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS


 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 


Mélanie Thierry. StudioCanal

Lambert Wilson et Mélanie Thierry. StudioCanal


 

Repost 0
Published by ABARGUILLET - dans CINEMA FRANCAIS
commenter cet article
23 octobre 2010 6 23 /10 /octobre /2010 09:29

Woody Allen. Collection AlloCiné / www.collectionchristophel.fr  Woody Allen. Collection Christophe L.


Venu du cabaret et de la télévision, Woody Allen s'est imposé grâce au cinéma où il fut tour à tour acteur et auteur. C'est avec Prends l'oseille et tire-toi  en 1969, où il se met en scène lui-même, que sa carrière débute vraiment. Dès lors, il ne va plus cesser  de faire rayonner l'auto dérision et de slalomer avec élégance entre rire et sérieux, à rester le clown de ses débuts tout en forçant l'admiration par son ambition d'être le représentant d'un certain esprit proprement new-yorkais.

 

 
Issu d'un milieu modeste, il gagne sa vie dès l'âge de 19 ans en écrivant des dialogues pour le célèbre comique Sid Caesar, tout en produisant ses propres spectacles et en participant à quelques films. Dans ses premières réalisations, son principal souci  est de donner un prolongement cinématographique au personnage de petit homme complexé, calamiteux, hypocondriaque, obsédé par le sexe qu'il a déjà rendu populaire sur scène. C'est avec Annie Hall en 1977 qu'il est salué par la critique comme le meilleur cinéaste comique de sa génération et que, désormais, il ne va plus cesser de puiser dans son quotidien et celui de son entourage les sujets de ses gags et de son inspiration. Les changements de compagne, les sauts dans le temps et le recours à des noms différents n'y changeront rien : Woody Allen sera toujours reconnaissable à sa silhouette, à son parler et aux situations particulières où il aime à placer ses personnages comme l'avaient fait avant lui un Harold Lloyd ou un Charlie Chaplin, sans toutefois égaler le dernier nommé. En quelques quarante films, il a constitué l'instantané d'une époque entière et sut saisir les ridicules, les obsessions, les tics de plusieurs générations.


 Action Cinémas / Théâtre du Temple Les Acacias 


 

On peut situer l'apogée de ce cycle quasi autobiographique entre Annie Hall  et Meurtre mystérieux à Manhattan ( 1993 ), avec une véritable somme thématique dans Hannah et ses soeurs ( 1986 ). Par ailleurs, Woody  Allen réussit brillamment son incursion dans le film dit " sérieux ", existentiel comme ses comédies, mais dont il s'exclut en tant qu'interprète. Intérieurs, en 1978, surprend par la noirceur du ton et la sobriété de l'écriture et il conservera cette simplification jusqu'à l'épure dans Une autre femme ( 1988 ) et dans Match Point  ( 2005 ). Cette diversification de l'inspiration, rendue plus grave, ne restera pas sans effets sur ses comédies auxquelles il se plait souvent à injecter des scènes sombres, des réflexions philosophiques, ainsi qu'il le fera dans Crimes et délits ( 1989 ) ou Alice ( 1990 ).



Les expériences stylistiques le passionnent comme en attestent Maris et femmes ( 1992 ) qu'il filme en partie caméra à l'épaule, clin d'oeil à la Nouvelle vague, et Maudite Aphrodite, scandé par un choeur antique en 1994 ou le pastiche si réussi de "Musical" que fut, en 1996, Tout le monde dit " I love you. Les reproches que certains lui adressent de se répéter sont injustifiés, car on sait qu'un véritable auteur, quel que soit son art, poursuit toujours d'oeuvre en oeuvre la même quête jusqu'à en atteindre la quintessence. Bien sûr, produisant en moyenne un film par an, Allen ne peut à chaque fois réussir un chef-d'oeuvre, mais ses films ont un ton, un style, qui sont sa marque propre et oscillent en permanence entre drôlerie, dérision, humour noir, le tout saupoudré de dialogues brillants et de mises en scène sobres et efficaces. Il a de plus en plus tendance à n'intervenir désormais que dans des rôles périphériques, laissant à des acteurs plus jeunes mais toujours chevronnés  le soin de le représenter. Le dernier en date est une variation sur la ville de Rome, comme le précédent sur la ville de Paris où affleurent souvenirs et évocations et qui, sans être des oeuvres marquantes, prouvent, si besoin est, qu'Allen a toujours la fibre créatrice et le feu sacré et un formidable savoir fimer.

 

 

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN & CANADIEN, dont de nombreux films de Woody Allen, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

 

 


Bac Films TFM Distribution TFM Distribution TFM Distribution


 

Repost 0
Published by Armelle BARGUILLET - dans LES REALISATEURS DU 7e ART
commenter cet article

Présentation

  • : LA PLUME ET L'IMAGE
  • LA PLUME ET L'IMAGE
  • : Ce blog n'a d'autre souhait que de partager avec vous les meilleurs moments du 7e Art et quelques-uns des bons moments de la vie.
  • Contact

Profil

  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.

Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


Charlie Chaplin

 

"Innover, c'est aller de l'avant sans abandonner le passé."

 

Stanley Kubrick

 

 

ET SI VOUS PREFEREZ L'EVASION PAR LES MOTS, LA LITTERATURE ET LES VOYAGES, RENDEZ-VOUS SUR MON AUTRE BLOG :  INTERLIGNE

 

poesie-est-lendroit-silence-michel-camus-L-1 

 

Les derniers films vus et critiqués : 
 
  yves-saint-laurent-le-film-de-jalil-lespert (1) PHILOMENA UK POSTER STEVE COOGAN JUDI DENCH (1) un-max-boublil-pret-a-tout-dans-la-comedie-romantique-de-ni

Mes coups de coeur    

 

4-e-toiles


affiche-I-Wish-225x300

   

 

The-Artist-MIchel-Hazanavicius

 

Million Dollar Baby French front 

 

5-etoiles

 

critique-la-grande-illusion-renoir4

 

claudiaotguepard 

 

affiche-pouses-et-concubines 

 

 

MES FESTIVALS

 


12e-festival-film-asiatique-deauville-L-1

 

 13e-FFA-20111

 

deauville-copie-1 


15-festival-du-film-asiatique-de-deauville

 

 

Recherche