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3 septembre 2007 1 03 /09 /septembre /2007 09:19

                   

                                                
J'ai eu le privilège de voir For your consideration à Deauville en 2007, où il était en compétition et, bien qu'il n'ait reçu aucune récompense, ce film est une comédie réjouissante, faussement british, qui évoque avec lucidité et humour l'opportunisme des artistes, le poids de l'industrie cinématographique et également la difficulté de vieillir dans ce métier. A la fois féroce et tendre, caricatural et réaliste, il nous assure d'un bon moment de détente sans prétention exagérée. Il a été mis en scène par Christopher Guest, à qui l'on doit déjà Watting for Guffman ( 1996 ), Almost Heroes ( 1998 ), Best in show ( 2000 ) et A Mighty wind ( 2003 ). Ce dernier long métrage est une parodie d'un certain cinéma contemporain, film à petit budget, tourné avec de modestes acteurs de pub et que certains relais médiatiques vont porter au pinacle, cherchant, par intention ou manque de discernement, à les faire passer pour ce qu'ils ne sont pas et abusant les acteurs eux-mêmes qui s'imaginent déjà au sommet du 7e Art. La peinture de ce milieu, où personne n'est à sa place, où chacun se pense ce qu'il n'est pas, où la sottise, la vanité, la naïveté font des ravages, est aimantée par des dialogues qui font mouche. On sourit d'autant plus que les acteurs font tout leur possible pour nous apparaître aussi candides que ridicules. Le metteur en scène prend plaisir à nous dévoiler les dessous de l'industrie cinématographique, car nous ne sommes pas là dans un cinéma d'auteur, créatif et rigoureux,  mais celui racoleur autour duquel s'agitent un grand nombre de gens sans éthique, sans scrupule, qui usent et abusent des rêves que fait naître chez certains l'idée d'être sur un plateau. C'est cela aussi le cinéma !  "Qu'importe le flacon, pourvu qu'on ait l'ivresse" ; ce dicton résume le film qui nous fait assister non seulement au tournage d'un sujet ringard, mais partager les espérances et illusions des interprètes qui prennent pour argent comptant l'idée d'être nominés aux prochains Oscars. 

                    

La rumeur a débuté sur internet, probablement inspirée par l'un des responsables du film et s'est enflée au point que des médias, en manque d'inspiration, s'en sont emparée, laissant supposer à ces acteurs de second ordre que, demain, ils seraient peut-être au haut de l'affiche et considérés comme des stars. Petit monde pitoyable et émouvant que Christopher Guest saisit dans son quotidien et dont le naufrage annoncé est plus grotesque que pathétique, le cinéaste restant dans l'anecdotique et ne cherchant nullement à appronfondir son sujet et à en tirer une quelconque conclusion. Un vécu, pris sur le vif, que n'enrichit aucun prolongement philosophique ou moral et qui se laisse regarder sans déplaisir... 

 

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN, cliquer sur le lien ci-dessous :
LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

                   
                   

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2 septembre 2007 7 02 /09 /septembre /2007 09:51
HENRY FONDA - PORTRAIT

                        Henry Fonda. Les Grands Films Classiques   


Henry Jaynes Fonda naquit le 16 mai 1905 à Grand Island d'une famille d'anciens colons qui s'était établie, dès le XVIIe siècle, au nord de New-York dans une ville qui porte encore leur nom. Son père était imprimeur et sa mère femme au foyer. L'harmonie régnait au sein de ce couple sans histoire qui aura deux autres enfants. Ceux-ci seront élevés dans un esprit de justice et son père le fera assister, à l'âge de 14 ans, au lynchage d'un employé noir, ce qui le marquera à jamais. A 18 ans, il rêve de devenir écrivain et quitte Omaha pour suivre des cours à l'Université du Minnesota. C'est en 1925 qu'une amie de la famille lui propose un rôle de figurant dans une pièce que monte le théâtre municipal d'Omaha. Cette femme, du nom de Dorothy Brando, n'est autre que la mère de Marlon et va, de ce fait, orienter sa vie très différemment de ce que le jeune homme envisageait. Il est vrai qu'il possède un physique avantageux : il est grand, alluré, avec des yeux bleus perçants et une aisance naturelle. Dès l'année suivante, on lui propose le rôle principal dans "Merton of the Movies" où il surprend par sa présence, d'autant mieux qu'en jouant il parvient à surmonter ses inhibitions. C'est donc décidé : il sera acteur.

 


Dans cet environnement créatif, Henry s'épanouit, stimulé par l'esprit de camaraderie qui sévit dans la petite troupe. Bientôt une jeune femme les rejoint ; elle s'appelle Margaret Sullivan et les jeunes gens vont vivre un amour d'autant plus complice qu'ils partagent la même passion pour la scène. Après leur mariage en décembre 31 à Baltimore, ils décident d'aller tenter leur chance à Broadway. Mais les difficultés rencontrées ruinent leur union et ils se séparent. Henry est anéanti et a bien du mal à trouver du travail dans une Amérique en crise. Pour survivre, il se voit dans l'obligation d'accepter un emploi de vendeur chez un fleuriste.



Mais la chance va, de nouveau, lui sourire. Après avoir passé des centaines d'auditions, il est retenu pour une comédie musicale "New faces of 1934" et reprend confiance. Un soir, dans le public, se trouve l'agent de Greta Garbo et de Fred Astaire, un certain Leyland Hayward qui le remarque et le prend sous contrat. Sa vraie carrière commence mais il ne part pas pour Hollywood sans une certaine réticence. Henry Fonda a 30 ans et quitte le théâtre pour le cinéma, où il apparait successivement dans quatre films, dont "The Trail of the Lonesome Pine" produit par la Paramount.  A 31 ans, il est un acteur déjà très demandé. De passage à Londres pour les besoins de "Wings of the Morning" ( La Baie du destin - 1936 ) avec Annabella, il rencontre une riche veuve de 27 ans Frances Seymour Brokaw qu'il épouse trois mois plus tard et qui lui donnera, l'année suivante, une fille Jane. Les films vont dorénavant s'enchaîner et font de lui une valeur sûre. Mais nous sommes en 1940 et la guerre fait rage en Europe. Aussi Henry part-il dans le Sud Pacifique pour deux ans. Il échappera à la mort de justesse, lorsque le cuirassier sur lequel il se trouve est bombardé par un kamikase. Il sera d'ailleurs décoré et cité à l'ordre de l'armée.

 

                         

Dès son retour, la Fox le remet au travail et il tourne de nouveau pour Zanuck "La poursuite infernale" en 1946 qui reçoit un accueil triomphal de la part du public. Si sa carrière semble maintenant stable, sa vie sentimentale ne l'est pas. La guerre, les séparations fréquentes ont eu raison de son couple. Sa femme lui reproche de ne pas s'occuper de ses trois enfants et souffre de sa nature renfermée. Ils se séparent en 49. Frances se suicidera peu de temps après, victime d'une terrible dépression. Il se remariera en 1950 avec Susan Blanchard, auprès de laquelle il tentera de récréer une ambiance familiale sereine avec ses enfants. Par la même occasion, il renoue avec la scène en jouant "Mister Roberts" à Broadway plus de mille fois, pièce dont on tirera un film qu'il interprétera à nouveau dans le rôle titre. Avec "Douze hommes en colère" en 1957 de Sidney Lumet, il revient au cinéma en jouant un personnage qui exprime fondamentalement sa nature d'homme libre, soucieux de paix et de justice. Grâce à son jeu tout en sobriété et à sa présence, il est considéré comme l'une des références incontournables du cinéma américain, d'autant qu'il sait donner à ses personnages une épaisseur et une profondeur que les critiques se plaisent à souligner.

 



C'est en 1962 qu'il rencontre celle qu'il appellera la femme de sa vie Shirley Adams et épousera secrètement à New-York. Dans le show-business, deux de ses enfants l'ont rejoint : Jane et Peter qui, non contents d'être des acteurs en vue, deviennent l'un et l'autre les portes paroles d'une génération très politisée, ce dont la discrétion de leur père s'accommode mal. A 70 ans, bien que confronté à l'âge, Henry aspire à être une fois encore sous le feu des projecteurs et tourne avec Katherine Hepburn  "La Maison du Lac" qui raconte l'histoire douce-amère d'un couple vieillissant dont l'époux se réconcilie avec sa fille, rôle qu'accepte de tenir la sienne : Jane. Le film sera un triomphe d'autant plus émouvant que l'acteur y manifeste ouvertement l'apaisement qui a fini par triompher entre Jane et lui. Pressenti pour l'Oscar du meilleur acteur, Henry, déjà très malade, ne pourra se rendre à la cérémonie, aussi est-ce Jane qui recevra le prix à sa place. Le 8 août 1982, il est victime d'un infractus et meurt, dans son sommeil, quatre jours plus tard. Ainsi disparait l'une des légendes d'Hollywood, laissant aux générations d'aujourd'hui quelques-unes des plus belles performances d'acteur du 7e Art. Dont celle qu'il réalisa dans le chef-d'oeuvre de Sergio Leone : "Il était une fois dans l'ouest" en 1968.

 

Pour lire les critiques des films interprétés par Henry Fonda, dont La poursuite infernale et Douze hommes en colère, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN  

 

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                                                            Carlotta Films    

 

HENRY FONDA - PORTRAIT
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29 août 2007 3 29 /08 /août /2007 18:06

                Bac Films Pathé Distribution    VIDEO

 

Une bonne surprise que le premier long métrage d'une jeune cinéaste qui vient enrichir l'affiche très encourageante d'un cinéma féminin de qualité, prêt à assurer la relève des aînés, et que l'on décline de façon jubilatoire avec les noms de Pascale Ferran, Marjane Satrapi, Nadina Labaki et aujourd'hui  Anne Le Ny. Un cinéma qui a cette fraîcheur, mais également cette audace des premières oeuvres, quand elles savent mêler force et tendresse, originalité et innovation et trouver un style, un ton, un souffle.
C'est le cas de Ceux qui restent, histoire d'un homme et d'une femme qui vont se rencontrer, se croiser, se parler, s'apprécier, alors qu'ils se rendent l'un et l'autre au chevet de leur conjoint atteint d'un cancer et en phase terminale ( on ne les verra d'ailleurs jamais ) dans les couloirs tellement neutres d'un hôpital, dans une cafétéria, un kiosque à journaux ou la voiture qu'ils partageront ensuite pour rentrer chez eux. Un film qui aborde  un sujet difficile et le traite entre espérance et douleur, avec autant de pudeur que de justesse. Une page se tourne pour chacun d'eux, creusant un abîme au fond du coeur, tandis qu'un espoir se dessine non sans tâtonnements et atermoiements, grâce à des bribes de phrases échangées, à des regards qui s'évitent et se cherchent, à une pudique relation tissée dans le malheur. Oui, oseront-ils franchir le pas et s'avouer qu'ils se désirent et s'aiment, quand bien même leur conjoint meurt dans la chambre voisine ?

Cette valse hésitation fait le charme du film qui dose admirablement  paroles et silences, scrupules et résolution, retenue et hardiesse dans un patchwork étonnant de sentiments. Et puis le metteur en scène a su utiliser au mieux les ressources de deux comédiens formidables : Emmanuelle Devos et Vincent Lindon qui sont Lorraine et Bertrand avec une finesse, une subtilité dont on ne peut que les remercier, tout en félicitant la réalisatrice d'avoir su si bien les diriger et tirer la quintessence de leurs personnages respectifs : lui qui n'est guère heureux à la maison auprès d'une belle-fille et d'une soeur qui ne lui passent rien ; elle, qui se débat au milieu de mille difficultés quotidiennes qu'elle ne sait pas gérer. Avec ce joli rôle de mari triste et dévoué, Vincent Lindon est bouleversant de naturel, alors qu'Emmanuelle Devos montre, à l'inverse, un aspect de sa personnalité plus vif et effronté que dans ses films précédents. Ensemble, ils trouvent leur place dans un drame discret, où la culpabilité apporte sa touche sombre et grave. Un film à voir d'urgence. Emotion garantie.

 

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

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                       Emmanuelle Devos et Vincent Lindon. Pathé Distribution Emmanuelle Devos et Vincent Lindon. Pathé Distribution

 

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22 août 2007 3 22 /08 /août /2007 08:41
ROMY SCHNEIDER - PORTRAIT

                      FR3 Cinéma 

                                                                    
                                                          

                   

Romy Schneider, passante inoubliable, a traversé le cinéma comme un météore, y laissant une empreinte indélébile. Plus de trente ans que s'est éteint ce regard où la gaieté finissait toujours par s'embuer de mélancolie. Comme Audrey Hepburn, avant même d'être belle, Romy était le charme, la féminité et la grâce. C'est pourquoi elle nous a tant touchés, tant émus. Elle réunissait ce que la femme symbolise le mieux : la ferveur et la fragilité, l'opiniâtreté et la douceur, la tendresse et  la docilité, la simplicité et la coquetterie, le courage et l'abandon. Elle était la femme parce qu'elle savait être toutes les femmes.



Rosemarie Magdalena Albach était née le 23 septembre 1938 à Vienne d'un père et d'une mère acteurs qui, absorbés par leur carrière respective, n'eurent guère de temps à lui consacrer. Ce sont de ses années les plus tendres que date son syndrome de l'abandon qui la poursuivra sa vie entière : Romy adulée, admirée, enviée, restera toujours cette petite fille sans enfance qui craignait qu'on ne l'aimât point, une sorte de crainte irrépressible que personne ne saura apaiser. La chance va cependant lui sourire de bonne heure. Alors qu'elle n'a que quatorze ans, elle fait de courtes apparitions dans des films, chaperonnée par sa mère Magda. Son minois ravissant, qui sait accrocher la lumière, plait au public, si bien qu'elle sera choisie quelques années plus tard pour interpréter le rôle de l'impératrice d'Autriche Elisabeth, dite Sissi, dans une trilogie qui connaîtra un incroyable succès international. Projetée dans un tourbillon frénétique de bals, d'interviews, de séances de photos, elle se laisse porter un moment par cette vie dorée qui lui apparaît bientôt futile et risque, à la longue, de l'enfermer dans un carcan dont elle subodore les conséquences désastreuses. Il lui faut, sans tarder, prendre son destin en main et faire en sorte de s'évader d'un cinéma qui ne la satisfait plus. Le salut viendra avec "Christine",  une romance à crinoline qui lui donne pour partenaire Alain Delon.Sur cette jeune fille pétrie de convenances, le jeune chien fou aura une incontestable influence et l'aidera à s'extraire d'un milieu étroit et d'un cinéma dépassé et vieillot. C'est grâce à Delon qu'elle rencontre l'homme qui sera son Pygmalion : le cinéaste Luchino Visconti. Derrière la jeune fille de bonne famille, le maestro devine un vrai tempérament. Il décide alors de la mettre en scène dans "Dommage qu'elle soit une putain".Terrifiée, elle relève le défi, prend des cours de diction et de français et finit par triompher et s'imposer comme une véritable comédienne. Romy Schneider est née.     

 

                  

La suite sera sa rupture avec Delon et sa rencontre avec le metteur en scène Harry Meyer qui va la subjuguer par sa culture et son intelligence. Ensemble, ils auront un fils David qui sera le point d'ancrage de cette jeune femme fragile. Car le couple bat de l'aile, Meyer s'étant révélé un géant aux pieds d'argile, un être rongé par une névrose d'échec. Heureusement pour Romy, une opportunité se présente : Delon l'appelle pour devenir sa partenaire dans le prochain film de Jacque Deray "La piscine".  Ce film  va révéler au public une actrice de trente ans au sommet de sa beauté et de son talent. La maternité a fait d'elle une femme épanouie, resplendissante et apparemment sûre d'elle. C'est grâce à ce long métrage que Claude Sautet découvre la vedette qu'il cherche et qu'il saura utiliser comme personne dans plusieurs de ses réalisations : "Les choses de la vie""Max et les ferrailleurs", "César et Rosalie"installant Romy au panthéon des actrices françaises et l'imposant comme l'égérie radieuse des années 70. C'est lui qui élaborera son personnage définitif : une femme libre ou qui s'efforce de l'être et en qui se reflète l'évolution des moeurs. Et puis il y avait de la part de l'actrice, qui n'était pas exempte de rouerie, une authenticité qui faisait tout passer. Le moment fort de leur collaboration sera  "Une histoire simple",  qui est, par ailleurs, l'oeuvre la plus retorse de ce metteur en scène. C'est un récit sans intrigue réelle où la jeune femme sert de référence à des couples pris dans des tourments affectifs, aggravés de problèmes de statut social. L'actrice trouve là un rôle à sa mesure qui correspond à l'image que le public avait d'elle : non point celle d'une figure mythique comme Marilyn Monroe mais d'une femme qui évoquait à la fois la beauté de la maturité et une certaine liberté d'allure et de comportement qui leur semblait familière et proche.

 



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C'est probablement avec "L'important, c'est d'aimer" qu'elle ira le plus loin dans un univers crépusculaire qu'elle portait en elle et où elle incarne, sous la direction de Zulawski, une actrice sans envergure et exprime remarquablement sa solitude face à un monde déboussolé et sinistre. Puis elle tournera avec Chabrol  "Les innocents aux mains sales",  mais le courant ne passera pas entre eux et avec Robert Enrico  "Le Vieux Fusil" où, face à un Philippe Noiret remarquable, elle fait une composition d'une grâce bouleversante, avant d'être "La Banquière" de Francis Girod, un film à costumes qui retrace la montée puis la chute d'une femme d'affaires et où Romy se montre séduisante et déterminée. Elle retrouvera aussi le personnage de Sissi dans "Le Crépuscule des dieux", sous la direction de Visconti qui, plus soucieux de la réalité historique, transformera la suave Sissi en une grande dame volontaire et douloureuse.



Malheureusement, sa vie privée n'est pas au diapason de sa réussite professionnelle. Son mariage s'est peu à peu transformé en un conflit permanent où l'alcool joue un rôle maléfique. Aussi demande-t-elle le divorce et va-t-elle prendre plaisir à jouir d'une liberté qui la voit avide d'aventures. D'autant que le succès lui apporte sans cesse de nouveaux rôles qu'elle interprète avec cette flamme dont elle est habitée et qui semble jaillir du plus profond d'elle-même. Un César de la meilleure actrice, puis un second viendront récompenser le travail acharné et le professionnalisme d'une comédienne toujours inquiète de n'être pas à la hauteur de ce que son metteur en scène attend d'elle.

 


Après des années d'errance amoureuse, elle croit avoir trouvé le bonheur auprès de Daniel Biasini, qu'elle avait engagé comme secrétaire et qui deviendra son mari et le père de sa petite Sarah. Mais comme elle l'avoue elle-même : elle ne sait pas garder l'enfant en même temps que le père. Daniel et elle se sépareront peu après la naissance de l'enfant. C'est alors que le suicide du père de David rompt son fragile équilibre. Assaillie de culpabilité, l'actrice renoue avec ses vieux démons et les barbituriques dont on sait qu'ils ne font pas bon ménage avec l'alcool. Et de l'alcool, elle est tentée d'abuser...  Puis survient la mort accidentelle de David qui se perfore l'artère fémorale en escaladant la grille du jardin de ses grands-parents à Saint-Germain-en-Laye. C'est le coup fatal. A cela s'ajoute l'ablation de son rein droit atteint d'une tumeur. Elle tourne encore "La passante du Sans-Souci" avant de tirer sa révérence à l'âge de 43 ans. Moins d'un an après la mort de David... Les épreuves, les barbituriques, l'alcool auront eu raison de sa santé. Mais il nous reste ses films, une soixantaine, le souvenir de sa silhouette, de son pas vif, de son sourire des yeux, de ses larmes, de la grâce de ses gestes, de son rire délicieux et de cette mélancolie toujours présente comme un adieu éternel à la vie.

 

 

Pour prendre connaissance des critiques de films où apparaît Romy, dont "César et Rosalie", "Une histoire simple", "La piscine", "Ludwig ou le crépuscule des dieux" et "Le vieux fusil", cliquer sur les liens ci-dessous : 

 

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LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN   

 

 

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                                      Dean Film 

 

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ROMY SCHNEIDER - PORTRAIT
ROMY SCHNEIDER - PORTRAIT
ROMY SCHNEIDER - PORTRAIT
ROMY SCHNEIDER - PORTRAIT
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19 août 2007 7 19 /08 /août /2007 11:13

                    Bac Films  Bac Films

" Les femmes n'ont rien à dire, mais elles ont tout à raconter " - ce bon mot d'André Gide pourrait être mis en exergue du film de la jeune cinéaste libanaise Nadine Labaki qui nous offre, avec son premier long métrage Caramel ,  une oeuvre délicate, poétique et non dénuée d'humour. La jeune femme a choisi de situer son action dans un lieu clos, sorte de refuge propice aux confidences qui a déjà servi à Cukor pour Femmes en 1939 et à Tonie Marshall pour Vénus Beauté en 1999. Car plus encore que les mondaines occidentales, les clientes de l'Institut un peu défraîchi de Jayale ( interprétée par Nadine Labaki ) ont besoin d'un havre de paix pour se dire, se confier, loin des oreilles et des regards indiscrets et pour partager un moment de douceur dans des existences difficiles déclinées en cinq destins : celui de Jayale éprise d'un homme marié, de Nisrine qui n'ose pas avouer à l'homme qu'elle aime qu'elle n'est plus vierge, de Rima qui est attirée par les femmes, de Jamale, quinquagénaire, qui voudrait tant renouer avec sa carrière d'actrice et de Rose, la couturière chrétienne, qui a consacré sa vie à soigner une soeur aînée handicapée. Cet entrecroisement de destins est servi par une lumière caramel qui évoque les odeurs sensuelles du sucre fondu avec lequel on épile les clientes et par le charme discret et très convaincant des actrices recrutées pour leur proximité avec les personnages qu'elles sont chargées de représenter. Le film doit beaucoup à ces actrices improvisées qui confèrent une spontanéité, une grâce, une authenticité et une vitalité extraordinaire à cet univers superficiel réservé au beau sexe et rend plus crédible encore un message où la volupté de l'instant et le poids d'une tradition immémoriale ne cessent de se mêler dans une spécialité d'une saveur toute orientale.
"Je me suis toujours posée des questions à propos de la femme libanaise - a confié la cinéaste lors d'une interview - oscillant moi-même entre deux mondes, la culture occidentale moderne, qui nous offre l'image d'une femme émancipée, et l'univers oriental, lourd de traditions. Chrétiennes et musulmanes, nous subissons le poids de l'éducation rigide, de la religion toujours très présente. Nous avons la volonté de bien faire, de ne pas décevoir et vivons dans la crainte du regard des autres, dans la hantise du jugement. Le Liban est considéré comme un exemple d'ouverture, de libération, mais ce n'est pas toujours le cas. La femme libanaise n'est pas très bien dans sa peau. Elle cherche son identité, parfois à travers le jeu des apparences, et souffre de l'hypocrisie du système".

Son amour du cinéma lui a été transmis par son grand-père qui tenait, dans les années 50, une petite salle de projection dans le village de Baabdath. "Je n'ai pas connu cette époque malheureusement, mais j'en ai entendu parler par mon aïeul et surtout mon père qui a eu une enfance identique à celle du gamin de Cinema Paradiso "- a-t-elle dit à un journaliste. Après des études audiovisuelles, un prix du meilleur court métrage décerné par l'INA et de nombreux clips musicaux pour des stars du Moyen-Orient, c'est lors du Festival de Cannes 2006 qu'elle a trouvé le sujet de Caramel et que son scénario a été retenu par les jurés chargés d'encourager les jeunes créateurs. La prodige arabe a dédié le sien à sa ville de Beyrouth, réelle et rêvée, et a réalisé son film en six semaines, de mai à juillet 2006, ne se limitant nullement à la seule mise en scène mais se chargeant du rôle de Jayale, la responsable de l'Institut de beauté, partagée entre son métier et son amour sans espoir pour un homme marié. "Je ne me rêvais pas comédienne, mais je prends peu à peu goût au jeu" - reconnait-elle volontiers.
Nul doute qu'un bel avenir s'ouvre devant cette talentueuse jeune femme sensible, inspirée et déterminée, qui débute dans la carrière avec une première oeuvre pleine de promesse, bien filmée, bien sentie, bien jouée, que quelques maladresses et facilités ne parviennent même pas à ternir. A signaler la musique très plaisante qui accompagne l'intrigue et les scènes de joie comme d'inquiétude et de mélancolie. Caramel vient de recevoir son aval et sort enfin dans les salles de spectacle libanaises après une longue attente.

 

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

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                         Bac Films

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10 août 2007 5 10 /08 /août /2007 10:51

 François Berléand et Ludivine Sagnier. Wild Bunch Distribution      VIDEO

 

 

Inspiré d'un fait divers américain, l'assassinat en 1906 d'un célèbre architecte Stanford White par l'époux de son ex-maîtresse, une jeune actrice de music-hall, et de  "La fille sur la balançoire " (1955), l'excellent film de  Richard Fleischer,   La fille coupée en deux  de  Claude Chabrol  décrit l'ambition d'une jeune femme, présentatrice météo sur une chaîne de télévision locale, d'abord éprise d'un écrivain en vogue égotique et pervers, puis d'un jeune héritier déjanté et suicidaire, dont les amours partagées aboutiront à un drame trop bien annoncé pour surprendre aucun des spectateurs, et nous immerge dans le microcosme médiato-culturel de la télévision et de l'édition.


Chabrol, qui se considère volontiers comme " l'impitoyable anatomiste des passions humaines",  ne nous fait grâce d'aucune des perversions de ce milieu restreint et nous le dépeint avec une sombre férocité qui, malheureusement, n'échappe pas au trait excessif et caricatural, au point de gâter notre plaisir et de nuire à la cohérence psychologique des personnages. Ce maître du trompe-l'oeil, qui se plait depuis  Le beau Serge  à dénoncer les faux-semblants et les tares de notre société, nous livre ici un scénario trop outrancier, une intrigue qui dégénère assez vite en une farce dans laquelle le fils à papa, dandy de sous-préfecture, campé par un  Benoît Magimel  auquel on en demande trop et qui surcharge son rôle de façon à ce qu'il ne soit plus crédible, coopèrent pour rendre peu vraisemblable cette histoire de séduction et de vengeance. Je suis sortie déçue de cette projection, alors que je m'y rendais sans aucun à-priori, étant une admiratrice du cinéaste dont je considère certains de ses films comme d'incontestables chefs-d'oeuvre.


Ludivine Sagnier et François Berléand. Wild Bunch Distribution

 

 Là, le savoir-faire de Chabrol, son rythme de découpage incisif et percutant, l'atmosphère qu'il sait créer dès les premières images, moment où le décor, les personnages, les situations se mettent en place, ce talent où se mêlent dérision et subtilité ne fonctionne pas à plein et nous laisse sur une amère déception. On ne retrouve pas le grand Chabrol que nous avons apprécié et dont chacun des films était une leçon du style le plus décapant qui soit. Là, on subit un échantillonnage d'êtres en rupture avec eux-mêmes, figés dans des compositions paroxysmiques dont on ne peut croire qu'elles sont l'ordinaire de notre temps. Seule Ludivine Sagnier  nous touche, lors des premières scènes, quand la jeune fille, qu'elle est sensée représenter, découvre le monde corrompu dans lequel son amant tente de l'entraîner... un moment de grâce.

 

Pour prendre connaissance de l'article consacré à Claude Chabrol, cliquer sur son titre :

 

CLAUDE CHABROL OU UNE PEINTURE AU VITRIOL DE NOTRE SOCIETE

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, dont La femme infidèle, Le beau Serge et Que la bête meure, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

 

                                 Benoît Magimel et Ludivine Sagnier. Wild Bunch Distribution

 

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26 juillet 2007 4 26 /07 /juillet /2007 17:17

                         Sabine Azéma et Pierre Arditi. Thierry Valletoux

 

 

SMOKING  : un village du Yorkshire, Celia Teasdale, l'épouse du directeur de l'école, fait son ménage. Elle prend une cigarette... Arrive le jardinier auquel elle se confie : Toby, son mari, boit et la délaisse. Cinq jours plus tard, elle a bien envie de le quitter. Cinq semaines après, un ami l'en dissuade. Cinq années plus tard, le jardinier a épousé la soubrette des Teasdale et Celia s'est fait une raison, alors qu'elle aurait pu refaire sa vie, Toby l'abandonner, ou bien encore la soubrette rendre son tablier et ne pas épouser Lionel, ou bien ou bien...

 

NO SMOKING - Celia Teasdale fait son ménage dans sa maison du Yorkshire. Elle aimerait bien prendre une cigarette mais s'abstient. Arrive Miles, un ami de son mari, et, ensemble, ils se mettent à parler des vices de ce dernier qui boit trop et néglige son travail d'instituteur.. Cinq jours plus tard, lors d'un dîner en tête à tête avec Celia, c'est au tour de cet ami de se plaindre de sa femme Rowena qui le trompe. Cinq semaines après, les deux couples se retrouvent au golf et chacun campe sur ses positions. Cinq ans plus tard, Toby est mort et Miles, l'ami, est parti refaire sa vie en Australie. Mais cela aurait pu se passer autrement : Toby aurait pu rompre avec sa femme, ou bien Miles se tuer lors d'une excursion, ou bien, ou bien...

 

 

Smoking/No smoking ( 1993 ),  films jumeaux, films gigognes en forme de puzzle dont les pièces s'emboîtent à volonté, part d'une idée simple : tout dans notre vie aurait pu se passer différemment, car elle n'est autre que le produit d'une myriade de possibles, auquel  le jeu du hasard s'emploie à participer allégrement. "Elle ressemble toujours - nous dit Alain Resnais - à une esquisse, à un tableau qui ne sera jamais achevé". Pour développer ce schéma assez banal, le cinéaste décortique huit pièces d'un dramaturge anglais, Alan Ayckbourn, bien connu pour ses expériences de manipulation de la durée. Huit pièces, dont chacune comporte deux fins probables, soit seize combinaisons au total, donnant lieu à de diaboliques échafaudages. Alors même que Resnais ne parvient à l'écran  qu'à nous donner à voir un aimable divertissement avec deux acteurs en face à face - Sabine Azéma et Pierre Arditi - qui endossent à eux seuls tous les personnages. Pour l'une, ce sera tour à tour l'épouse coquette, la mère vénérable, la soubrette astucieuse, l'institutrice à cheval sur les principes. Pour l'autre, le mari intempérant, l'ami empressé, le jardinier énamouré, le père cacochyme. Cela produit une succession de scènes aux bifurcations multiples, dont l'humour n'est pas absent, mais qui reste dans le cadre de la démonstration un peu vaine. Dommage, car Resnais est un cinéaste de grand talent, un amoureux de la belle ouvrage, auquel le jeu des miroirs, avec ses infinités de combinaisons, plait beaucoup. Lecteur assidu de Proust, de Wells et de Borges, il conçoit le travail filmique comme une variation sur le phénomène du temps et les méandres insoupçonnés de la mémoire. Ce qui l'incite à user des théories de Bergson, selon lesquelles l'espace ne serait qu'une projection de notre cerveau qui mémoriserait nos perceptions afin de les adapter aux besoins de l'action. Si bien que le diptyque Smoking/No smoking n'est, en quelque sorte, que l'illustration exemplaire de cette double démarche : théâtralisation des situations et démantèlement de la chronologie.



L'adaptation de cette pièce n'en reste pas moins un défi dans la filmographie de Resnais qui, il est vrai, n'a jamais opté pour la facilité et toujours aimé les sujets difficiles, la réflexion sur des thèmes comme le hasard, le déterminisme, le libre arbitre, qu'il semble traiter ici avec un particulier souci d'équité. En une phrase, nous pouvons la résumer ainsi : un geste banal, ne serait-ce que celui de prendre ou ne pas prendre une cigarette, peut, en cinq secondes, faire basculer une vie dans un sens ou dans un autre. La vie, nos vies sont en permanence ouvertes à tous les possibles et nous jouons continûment aux dés avec notre destin. Ces ramifications entre ce qui pourrait être et ne pas être, aussi complexes et fragmentées soient-elles, donnent lieu à une comédie de moeurs où le marivaudage ne se conçoit qu'à deux personnages, dans un huit-clos finalement trop théâtral. Je regrette que le cinéma, en l'occurrence, n'apporte pas l'ouverture et le renouvellement espéré. Ou bien, c'est du théâtre à part entière, ou bien du cinéma muet, ou bien un livre que l'on ouvre et referme à volonté sur ces deux volets offerts dans l'ordre ou le désordre, ou bien je n'ai pas tout saisi et assimilé, ou bien la composition discontinue a un peu lassé ma bonne volonté, mais, certes, cette réalisation d'un metteur en scène que j'admire n'a pas su pleinement me séduire...

 



Pour lire l'article consacré à Alain Resnais, cliquer sur son titre :

 

ALAIN RESNAIS OU UN CINEMA DE LA MEMOIRE

 

Et pour consulter les critiques des autres films de ce réalisateur, cliquer sur leurs titres :

 

L'année dernière à Marienbad

 

Les herbes folles

 

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SMOKING/NO SMOKING d'ALAIN RESNAIS
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23 juillet 2007 1 23 /07 /juillet /2007 08:47

                      Ad Vitam

                                                                                    
 
Le jardin des Finzi Contini, l'un des derniers films produit par le cinéaste et acteur Vittorio de Sica, peut-être le plus beau, le plus abouti de l'auteur de quelques-uns des longs métrages les plus marquants du néo-réalisme italien, après avoir fait l'objet d'une remise en circuit dans la diffusion cinématographique, a été récemment, et pour notre plus grand plaisir,enregistré sur DVD. Avec ce long métrage d'une force et d'une grâce bouleversantes,  De Sica s'est haussé à un niveau supérieur, faisant de cette oeuvre ( tirée du roman éponyme de Giorgio Bassani ) une sorte de symphonie douloureuse et immensément belle. Tout au long de la pellicule, le cinéaste nous dépeint la sombre période de l'histoire italienne où, à la suite du rapprochement entre les idéologies fasciste et nazie, la population juive de la péninsule se vit pourchassée, puis emportée dans des rafles dont on sait comment elle s'achevèrent.



A Ferrare, en 1938, une jeune bande d'amis aime à se rejoindre, dès qu'elle en a l'occasion, dans les magnifiques jardins et sur les courts de tennis du palais des Finzi Contini,  aristocrates juifs d'un niveau social élevé et fort bien intégrés dans la société de cette ville du nord de l'Italie. Les mesures antijuives se multiplient, en effet, et les clubs sportifs sont bientôt interdits aux membres non aryens. Cependant la famille ne peut croire à cette menace voilée, tant elle se sent en osmose totale avec cette terre sur laquelle elle vit, travaille, naît et meurt depuis des générations et dont elle a fait, à tout jamais, son pays d'adoption. C'est ainsi que les jeunes gens se plaisent à se retrouver dans le parc - qui semble à l'abri des risques comme un paradis clos - et où Giorgio, le voisin des Finzi Contini, rencontre la belle Micol dont il est amoureux. Peu à peu, l'ombre du malheur s'intensifie, se fait plus oppressante au coeur de ce lieu idyllique où les choses paraîssent s'être agencées naturellement pour le seul plaisir des sens, la seule sérénité de l'esprit. On assiste, dès lors, à une progression dramatique qui s'organise autour de l'évolution des états d'âme des principaux personnages que les événements ne peuvent manquer d'influencer.

 

 

                       Dominique Sanda et Lino Capolicchio. Ad Vitam

 

 

Pour cette démonstration magistrale, De Sica use d'une lumière excessivement travaillée, afin de placer ses héros dans un halo qui rehausse encore leur beauté et leur séduction, les idéalisant à l'extrême, de façon à les faire ressembler aux dieux d'une olympe fatalement inaccessible au commun des mortels et qui, malgré cela, seront emportés et anéantis par les tourments meurtriers de l'Histoire. A travers ces images enchanteresses, le message est clair : ce qui était apparu jusqu'alors comme un microcosme social quasi irréel, comme protégé du malheur par l'invisible puissance d'un privilège exceptionnel,  la seule magie de l'élégance et de la richesse, oui, la fatalité le broiera, à l'égal des autres et peut-être plus impitoyablement que les autres, dans son étau infernal. Oui, la beauté d'un monde fait d'agrément, de charme et d'harmonie est désormais menacée...

 


Nous assistons ainsi à la montée de l'antisémitisme et voyons s'actualiser ce qui, dès le début, s'annonçait comme la fin inévitable, la mort programmée de cette jeunesse trop belle et insouciante qui échangeait des balles sur un court de tennis cerné de toutes parts par un jardin faussement édénique. Fin d'un monde, fin d'un temps, fin d'une société qui sombrent dans l'horreur et l'inhumanité, sacrifiant une jeunesse qui n'aura jamais été qu'un fruit vert, qu'un blé en herbe.  Lors de la dernière scène, la famille s'avance sur le perron de la demeure tout de noir vêtue, après qu'elle l'ait été de blanc dans la plénitude de son bonheur. Puis s'éloignent dans un fondu mordoré le palais, les arbres du parc et le parc lui-même. Les Finzi Contini, chassés de leur paradis, font planer sur l'assistance un muet désespoir et naître chez chacun des spectateurs une nostalgie prégnante, longue à évacuer. Quelques trente -cinq ans après sa sortie, la copie restaurée de ce chef-d'oeuvre est disponible pour enrichir nos vidéothèques et nous assurer de la même émotion inspirée par la vision tragique de cette page de notre histoire, par les douleurs provoquées et la mélancolie que suscite immanquablement l'impossible amour de Micol et de Giorgio. Inoubliable.

 

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                    Lino Capolicchio et Marcella Gentile. Ad Vitam

 

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18 juillet 2007 3 18 /07 /juillet /2007 08:33

Diaphana Films Diaphana Films Diaphana Films Diaphana Films      

 

Voilà un film qui, malgré ses qualités, n'est pas parvenu à gagner pleinement mon adhésion, aussi pour être la plus honnête possible envers une oeuvre qui ne manque ni d'intérêt, ni d'intelligence, vais-je tout d'abord vous faire part de mes réticences avant de conclure sur les éléments qui m'ont séduite. Commençons par ce qui m'a bloquée dès le départ : la discordance entre le son et l'image. A cause de l'extrême simplicité du graphisme en noir et blanc, les voix des actrices ( Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni et Danielle Darrieux ) semblent venir d'ailleurs et ne pas coïncider avec les petits personnages qu'elles sont sensées animer et,  je l'avoue, cela m'a agacée. D'autre part, ce qui aurait pu donner un vrai relief à cette odyssée se noie dans un conformisme qui finit par enlever au film une part de son originalité, d'autant que la succession des sketchs et flash-back n'ont d'autre fil conducteur que la chronologie des événements, sans que cela donne lieu à une réflexion particulière sur leurs conséquences. Les faits s'enchaînent de manière très linéaire et on se lasse assez vite de ce narratif composé d'une imagerie trop plate. Il en est de même des personnages qui, eux aussi,  manquent de relief et restent, à mon goût, trop conventionnels, ne donnant pas suffisamment d'impact aux paradoxes d'une époque troublée. 

 

                     

                      Diaphana Films   Diaphana Films 

 

 

Néanmoins, le caractère volontairement naïf des dessins n'est pas sans émouvoir, ni la réalité des faits sans nous toucher infiniment, même si la leçon qui s'en dégage reste d'un retentissement limité. Mais il faut souligner qu'il s'agit là de l'histoire vue par une enfant, puis une adolescente, et que nous devons relativiser et séparer le politique de l'intime. L'auteure ( qui est déjà celle des quatre albums de bande dessinée dont ce long métrage s'inspire ) a choisi de nous narrer le destin de l'Iran contemporain en partant de son histoire personnelle, supposant - sans doute à juste raison - que le spectateur s'identifierait plus facilement à l'héroïne et ses proches qu'à un peuple en général et qu'il parviendrait ainsi à mieux intérioriser ce vécu particulier. C'est d'ailleurs ce qui est arrivé : le film ayant un succès constant auprès du public depuis le Festival de Cannes, où il fut ovationné et  primé. En conclusion, cette oeuvre d'animation auto-biographique mérite d'être vue en famille  pour son charme, sa poésie, son hymne à la liberté et parce qu'elle est une page de l'Histoire saisie, dans son implacable dureté, par le regard d'une jeune fille rebelle qui, au milieu des pires épreuves, n'a perdu ni le sens de l'humour, ni celui  du bien et du mal,  ni l'espérance.

 

 

3-e-toiles

 

 

Pour prendre connaissance de deux articles en relation avec ce film, cliquer sur leurs titres :

 

L'IRAN ET LE 7e ART               LES REALISATRICES PRENNENT LE POUVOIR

 

 

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                        Diaphana Films. Diaphana Films  Diaphana Films

 

 

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17 juillet 2007 2 17 /07 /juillet /2007 13:34

               Philippe Quaisse Guy Ferrandis

 

 

Antoine aime sa soeur Emilie qui l'aime en retour. Exclusif, cet amour ne suscite, en apparence, aucune équivoque : leurs rapports demeurent fraternels. Cependant Emilie craint que la chasteté ne soit qu'une étape de leur amour, la dernière avant l'inceste. Pour conjurer cette fatalité, elle se donne à un inconnu, croyant ainsi creuser un abîme infranchissable entre elle et son frère. Celui-ci tente de se suicider mais échoue. Alors, au terme d'un repas familial, comme pour mettre un point d'orgue apaisé et replacer chacun dans la direction qui est sensée être la sienne,  Emilie offre à Antoine cet émouvant poème : " Mais où est donc l'ami que partout je cherche. Dès le jour naissant mon désir ne fait que croître et quand la nuit s'efface, c'est en vain que j'appelle. Je vois ses traces, je sens qu'il est présent partout où la sève monte de la terre, où embaume une fleur et où s'incline le blé doré. Je le sens dans l'air léger dont le souffle me caresse et que je respire avec délice. Et j'entends sa voix qui se mêle au chant d'été ".


Car la mort et l'amour cheminent aux côtés des vivants et s'emparent de leur existence sans crier gare. Rien n'est assuré, tout est précaire dans les sentiments qui se saisissent des coeurs et les malmènent. Le cinéma d'André Téchiné sait admirablement témoigner de cette précarité, de cette tension entre le possible et l'impossible, entre l'amour et la haine. " J'aime filmer les sentiments en action " dit-il volontiers. Et il est vrai qu'il confère une intensité maximum à ces instants où tout peut basculer ; où un regard, un mot sont en mesure de changer le cours d'une vie. Réunis autour de leur mère mourante, Emilie et Antoine n'ont pas seulement à faire front à cette disparition prochaine, qui les met en présence de tant de souvenirs partagés, mais également à la nature de leur amour réciproque que leurs retrouvailles se plaisent à aggraver. L'oeuvre du cinéaste, angoissée jusqu'alors, semble néanmoins aboutir avec Ma saison préférée  ( 1993 ) a une conclusion plus sereine, et s'ouvrir sur un été où les personnages finissent par puiser en eux les raisons de leur survie et de leur épanouissement.



Belle méditation sur la vieillesse et la mort ( celle de Berthe la mère ), le film développe une tension psychologique de chaque instant et ajoute, à une écriture fluide,   une réalisation discrète et d'une extrême pudeur. Les dialogues sont mis en valeur par une interprétation sans faille : celles de Catherine Deneuve et Daniel Auteuil qui donnent à leurs personnages la gravité et la profondeur requises. Quant à Marthe Villalonga, elle dévoile ici une facette trop méconnue de son immense talent. D'une chaude densité dramatique, le film s'impose comme l'un des meilleurs de Téchiné, à l'instar des Roseaux sauvages  ( 1994 ), chronique d'une adolescence bouleversée par la guerre d'Algérie, traumatisme récurrent dans ses films. Voici résumé  l'oeuvre lyrique et fragile d'un sédentaire inquiet.

 

Pour lire l'article consacré à Catherine Deneuve, cliquer sur son titre :   CATHERINE DENEUVE - PORTRAIT



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  • : Ce blog n'a d'autre souhait que de partager avec vous les meilleurs moments du 7e Art et quelques-uns des bons moments de la vie.
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  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


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