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6 juin 2016 1 06 /06 /juin /2016 09:35
Retour chez ma mère d'Eric Lavaine

A 40 ans, Stéphanie, divorcée, au chômage, est contrainte de retourner vivre chez sa mère. Elle est accueillie les bras ouverts : à elle les joies de l’appartement surchauffé, de Francis Cabrel en boucle, des parties de scrabble endiablées et des précieux conseils maternels sur la façon de se tenir à table et de mener sa vie… Chacune va devoir faire preuve, vis-à-vis de l’autre, d’une infinie patience, car mère et fille ont goûté depuis longtemps à leur indépendance et cette cohabitation va mettre les nerfs de chacune à rude épreuve.  Et lorsque le reste de la fratrie débarque pour un dîner, règlements de compte et secrets de famille vont se déchaîner de la façon la plus jubilatoire. Mais il est des explosions salutaires. Bienvenue dans un univers à haut risque : la famille !

 

Le titre, à lui seul, résume l’histoire : Stéphanie (Alexandra Lamy), architecte, a fait couler son entreprise en vendant ses services à un client véreux  présenté par une amie sans scrupule. Séparée de l’homme qui lui a donné un fils, étranglée financièrement, en froid avec son frère et sa sœur, la jeune femme n’a d’autre choix que de retourner vivre chez  maman, ce qui ne l’emballe qu’à moitié. Sa mère, c’est  Jacqueline (Josiane Balasko), une sympathique sexagénaire qui ne connaît rien aux nouvelles technologies, écoute Francis Cabrel à longueur de journée et joue au scrabble par téléphone avec ses amies. Ce tête-à-tête ne va pas manquer de piquant et susciter des scènes inattendues et très drôles car chacune de ces deux femmes a, des situations qui se présentent, une lecture totalement opposée.

 

Les précédents films d'Eric Lavaine n’avaient pas totalement gagné l’adhésion du public, aussi celui-ci, bien écrit, bien réalisé, est-il une agréable bonne surprise. En effet, cette comédie à quiproquos se situe plutôt sur le registre de la finesse et traite des incompréhensions familiales avec doigté et un savant dosage d’humour et d’émotion, sans trop en faire néanmoins. Et puis les deux actrices sont formidables, très justes dans leur interprétation de mère et de fille. Elles portent le film avec une décontraction et un naturel bluffant. Sans prétendre apporter rien de nouveau au genre, « Retour chez ma mère » est un plaisant divertissement tissé de formules et de situations qui sonnent justes et nous assure une heure trente de scènes de la vie ordinaire dénuées de toute vulgarité. 

 

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14 mars 2016 1 14 /03 /mars /2016 09:14
La Veuve de Saint-Pierre de Patrice Leconte

 

Le réalisateur de « Ridicule » filme une histoire d'amour fou et dénonce la peine de mort, le tout dans les glaces de Saint-Pierre-et-Miquelon au milieu du XIXe siècle. 

 


Dans l'embrasure de la fenêtre,  une femme en robe noire a l'oeil perdu dans le vide. C'est Juliette Binoche. Une veuve qui donne toute son incandescence à cet opus. Après « Une fille sur le pont »,  où Daniel Auteuil, lanceur de couteaux, avait le coup de foudre pour Vanessa Paradis, Patrice Leconte continue dans la veine d'un romantisme en costume, au risque de faire ricaner un peu plus cette partie de la critique qu'imprudemment il avait accusée de tous les maux... Mais, en confirmant son éclectisme, lui qui, parti de la grosse comédie « Les vécés étaient fermés de l'intérieur », a tout aussi bien mis en scène « Les Bronzés » qu'une adaptation dépouillée  de Simenon « Monsieur Hire » et un éblouissant film à costumes sur l'hypocrisie de la cour versaillaise  « Ridicule », assume à nouveau son goût de la diversité avec « La veuve de saint-Pierre », une histoire captivante sur fond de meurtre, de guillotine et de lutte contre une société sclérosée qui ne vit que pour les apparences. Juliette Binoche prouve une fois de plus l’étendue de son jeu à la fois subtil et fiévreux.

 

Cette passion nous est contée avec le recul nécessaire grâce aux interprètes et aux images et le souci d’une mise en scène dépouillée qui nous introduit de plein pied dans un univers  austère et clos.  En flash-back, voici l'histoire tragique d'une femme amoureuse et emplie de bons sentiment qui est  persuadée que chacun peut avoir une deuxième chance et qui, pour mettre sa vie en harmonie avec ses convictions, précipitera l'homme qu'elle aime vers le déshonneur et la mort...
 


Juliette Binoche est  l’épouse très amoureuse du capitaine chef militaire de « l'île à morue »  ( Saint-Pierre et Miquelon ), interprété par Daniel Auteuil. Nous sommes en 1850, la petite société des notables  se révèle conservatrice, rigide et cancanière, aussi  regarde-t-elle  avec méfiance ce jeune couple qui, souvent, chevauche sur la lande un étalon noir. Mais un soir de brume épaisse, un marin, pris de boisson, poignarde un habitant. Condamné à mort, il doit être guillotiné. L'île ne possédant ni bourreau, ni guillotine (aussi appelée « la Veuve »), il faut attendre d’en faire venir une. L'assassin, qui a une bonne tête, est confié  alors à la garde du capitaine, dont la femme, que les îliens nomme "madame La", entreprend de réhabiliter. Persuadée qu'aucun homme n'est fondamentalement méchant, elle l'utilise pour ses menus travaux, notamment de jardinage, le sort de son cachot, lui fait traverser l'île afin qu’il l’aide dans ses oeuvres de bienfaisance et commence même à lui apprendre à lire. L'homme, doux et gentil, devient très populaire. Quand arrivent sur l'île une « veuve » trouvée en Martinique et un bourreau débutant, le capitaine est au pied du mur : écoutera-t-il son devoir ou sa femme ?
 

 

Cette histoire est inspirée d'un fait divers réel. Belle preuve d'amour que celle donnée par l'officier à l'oeil sombre qui reste, en toutes occasions, droit dans ses bottes. Belles images aussi que celles tournées sur place dans un froid polaire, un décor de glace. Belle idée, que celle de ce combat d'avant-garde contre la peine de mort. Binoche, à qui le deuil sied, nous séduit par son jeu très intériorisé et sa grande élégance morale et Daniel Auteuil dans son rôle d’homme amoureux qui cédera aux idéaux de son épouse, au mépris de son propre statut. Convaincant également  Emir Kusturica  qui prête sa silhouette de géant massif et son sourire tendre au personnage de Neel, marin meurtrier et condamné, que la protection de Madame La ne parviendra pas à sauver...

 

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3 mars 2016 4 03 /03 /mars /2016 09:23
Eperdument de Pierre Godeau

L’adaptation du roman de Florent Gonçalves inspiré d’une histoire vraie, Défense d’aimer, évoque la passion répréhensible entre un directeur de prison et une détenue. Les deux acteurs vedettes, Guillaume Gallienne et Adèle Exarchopoulos s’imposent par leur naturel et leur charisme évident.

 

Couple de cinéma improbable, l’un et l’autre s’aiment à l’écran. Ces deux acteurs, issus de milieux diamétralement opposés, incarnent les protagonistes d’un drame amoureux dans l’enceinte d’une prison. En effet, l’auteur du livre, publié en 2012, s’était laissé séduire, alors qu’il dirigeait un établissement pénitencier pour femmes à Versailles, par une jeune délinquante qui avait été l’un des rouages de la tragédie antisémite qui avait ébranlé la France en 2006 et où elle avait joué le rôle de l’appât du gang dénommé « le gang des barbares » qui opéra à la mise à mort d’Ilam Halimi, torturé et exécuté pour la simple raison qu’il était juif.
 


De ce meurtre abominable, il n’est nullement question dans le film, si bien que le spectateur n’a aucun à priori particulier envers la jeune prisonnière dont on ignore l’objet de la réclusion. Pierre Godeau, déjà auteur du film « Juliette », se polarise essentiellement sur le couple qui se forme inopinément entre les murs de la prison. Un coup de foudre, à priori peu probable, de la part d’un homme qui semble professionnellement irréprochable, marié, père d’une adorable fillette et visiblement équilibré. Néanmoins, cet homme va sombrer dans une liaison qui le détruira inexorablement. Par chance, la prison, qui n’est pas un tribunal, ne nous oblige pas à formuler un jugement sur la jeune femme en question, dont on peut comprendre qu’elle s’accroche à cet amour comme à une bouée de sauvetage, puisqu’elle ne dispose que de l’atout de son insolente jeunesse et de son audace pour tenter de séduire et de survivre. Quant au directeur de la prison, il nous surprend davantage par sa vulnérabilité, vulnérabilité qui le met dès le départ en position de faiblesse, si bien que ce film a cette originalité que  la victime n’est pas celle que l’on croit. L’autodestruction à laquelle il se livre apparaît bientôt irréversible ; c’est à une descente aux enfers librement consentie et engendrée par une passion charnelle sans lendemain qu’il s’abandonne.

 

Cependant, la complexité des rapports, telle qu’elle nous est livrée, reste de surface et il faut l’interprétation d’une intensité indiscutable des deux acteurs pour conférer un peu de vraisemblance à cette relation, d’autant que la mise en scène reste conventionnelle, peu convaincante et maladroite, les scènes d’intimité étant dénuées de toute saveur et minées par un réalisme de salle de garde.

 

Certes Pierre Godeau tente une métaphore sur l’enfermement, sur l’emprisonnement mental de ses personnages qui abolit  jusqu’à leur instinct de survie, mais sans parvenir à nous émouvoir et à gagner notre adhésion. Demeure l’ambiguïté sur les relations et sur la manipulation des uns et des autres, sur l’étrange esprit de destruction qui est en chacun de nous, sur la rédemption toujours possible au-delà des regards et de l’irrationalité des actes. La dernière scène, sans accorder de réponse, laisse percer une espérance. Malgré quelques moments bienvenus, principalement ceux entre la mère de l’incarcérée et sa fille, et une interprétation irréprochable, « Eperdument » se confine dans le domaine de la télé-réalité, loin de certaines réalisations autrement convaincantes sur des drames carcéraux.

 

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Eperdument de Pierre Godeau
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18 février 2016 4 18 /02 /février /2016 09:26
Chocolat de Roschdy Zem

Après "Mauvaise foi", "Omar m'a tuer" et "Bodybuilder", Roschdy Zem passe à nouveau derrière la caméra pour retracer avec brio l'histoire oubliée d'un artiste de la Belle Epoque. Il s'agit d'un homme noir exploité dans un cirque de province français à la fin du XIXe siècle, comme l'ont été des nains et même d'anciennes cocottes, nombre de ceux qui ne répondaient pas aux critères de l'époque. C'est alors qu'un certain George Footit va discerner en lui des talents et un potentiel scénique et former avec celui qui deviendra Chocolat un fabuleux duo de clowns.

 

Tout en rendant ainsi hommage au premier artiste noir de la scène française, ce film nous conte  l'histoire d'une amitié forte entre deux hommes. Rien d'étonnant à ce que le tandem soit la valeur sûre de cet opus : ces deux personnages ne sont-ils pas interprétés par Omar Sy et James Thierrée, le petit-fils de Charlie Chaplin ! Avec eux, on passe du burlesque à la tragédie en un clin d'oeil. Derrière le combat personnel de Chocolat, c'est une lutte contre les innombrables blocages d'une société qui a du mal à s'émanciper de ses principes et juge l'étranger à l'aune de ses seules valeurs, qui sont évoqués, ce qui donne lieu à des scènes émouvantes, notamment dans la prison et au théâtre. 

 

L'esthétique du film est, par ailleurs, particulièrement soignée avec une élégante reconstitution du Paris du début du siècle dernier. On se sent complètement immergé dans cette Belle Epoque avec des détails pittoresques, une mise en scène raffinée et une histoire drôle et touchante. Quant aux acteurs, ils sont irréprochables, avec un Omar Sy au top.

 

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Chocolat de Roschdy Zem
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7 février 2016 7 07 /02 /février /2016 10:47
Journal d'un curé de campagne de Robert Bresson

« Le Journal d'un curé de campagne « ( 1950 ), d'après le roman de Georges Bernanos, compte parmi les réalisations les plus sobres et les plus achevées du cinéma français. Une première adaptation écrite par Aurenche et Bost avait été refusée par l'écrivain, aussi Bresson en prépara-t-il une autre, dépouillée à l'extrême, et donnant la préférence à des décors naturels. Il ne put la soumettre à Bernanos, mort en juillet 1948, mais reçut l'aval du critique Albert Béguin et de l'abbé Pézeril, exécuteurs testamentaires du romancier. Le film fut tourné dans un petit village de l'Artois avec, dans le rôle du curé d'Ambricourt, un comédien presque inconnu Claude Laydu et des interprètes débutants, Bresson ne voulant pas renouveler l'expérience tentée avec Maria Casarès dans « Les dames du bois de Boulogne » qui avait trop marqué cet opus de son jeu personnel. Avec ce dernier, le cinéaste amorce un tournant décisif et va désormais poursuivre une quête, qui s'avérera permanente, dans ses réalisations futures : celle du dépassement de soi.

 

 

Un jeune prêtre est nommé à Ambricourt, paroisse du pays d'Artois. De santé précaire, de caractère solitaire, il se heurte à l'hostilité des villageois. Pour nous faire entrer dans la vie de ce jeune homme en soutane, Bresson choisit de montrer d'abord des choses matérielles : une brouette, un tonneau, le pain qu'il trempe dans du vin sucré pour s'alimenter. Cette figure idéaliste apparaît sous les traits d'un taiseux, d'un jeune homme apeurée qui touche et attache. Ses tourments spirituels sont exprimés de la manière la plus physique. Et c'est le pauvre cahier d'écolier du petit curé, couvert d'une écriture fiévreuse, qui sera le fil rouge, avec sa voix off, entre les différentes  scènes dialoguées.

 


Grâce à ce sujet emprunté à Bernanos, Bresson se consacre à retracer l'itinéraire tragique d'un jeune prêtre, incompris de tous, cheminant vers  la sainteté à l'aide d'images burinées en noir et blanc, au point de rendre sensible la présence de l'invisible et l'intensité des luttes de la vie spirituelle. Son style, qui s'oppose par sa rigueur à celui bouillonnant et fiévreux du romancier catholique, offre le paradoxe d'avoir su, avec une approche différente, coïncider au plus juste à l'oeuvre littéraire. Ce qui dénote son savoir-faire et son sens aigu de la mise en scène. Par la suite, Bresson poussera plus loin encore ses recherches et ses exigences, afin de réaliser un idéal qu'il a résumé ainsi :


Le film est le type de l'oeuvre qui réclame un style et ce style il est bon de l'affirmer jusqu'à la manie. Il faut un auteur, une écriture. L'auteur écrit sur l'écran, s'exprime au moyen de plans photographiques de durées variables, d'angles de prises de vue variables. Un choix s'impose, dicté par les calculs ou l'instinct, et non par le hasard.

 

    

Le journal d'un curé de campagne ne marque pas moins une étape importante dans sa conception de la mise en scène et le rapport entre l'écriture filmique et l'écriture romanesque. Les jurés le reconnurent qui lui attribuèrent le Prix Louis-Delluc, couronnant la modernité, l'originalité dont témoignait cette adaptation d'un grand livre nourri d'une foi profonde, toute intérieure et condensée en la personne de ce jeune curé. Mais la foi est-elle donnée ? La question était du moins posée avec une ferveur peu commune dans un silence plein d’éloquence.

 

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Journal d'un curé de campagne de Robert Bresson
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25 novembre 2015 3 25 /11 /novembre /2015 10:41
L'Hermine de Christian Vincent

Michel Racine est un Président de cour d’assises redouté. Aussi dur avec lui qu’avec les autres, on l’appelle " le Président à deux chiffres ". Avec lui, on en prend toujours pour plus de dix ans. Malade au début de ce nouveau procès, quitté par une épouse plus riche que lui, Racine couche désormais à l’hôtel en traînant sa petite valise. Tout bascule le jour où il retrouve Ditte Lorensen-Coteret. Elle fait partie du jury qui va devoir juger un homme accusé d’infanticide. Six ans auparavant, Racine a aimé cette femme. Presque en secret. Médecin anesthésiste, elle l’a arraché à la mort physique lors d’une grave opération. Retrouvée par hasard et connue par hasard, elle va, au cours de cette audience, le sauver d’une nouvelle mort, la mort morale.

 

 

Ainsi la guérison de cet homme passe-t-elle par un procès dont l’intérêt principal réside dans le rôle des jurés, tous très différents, qui sont mis en présence d’un cas d’autant plus douloureux qu’il s’agit de la mort d’un enfant. Les témoins défilent sans apporter de notables éclaircissements. Qui juge qui, au final ? A un moment donné le président malmène l’un des policiers qui a découvert la mort de ce bébé de 7 mois. A chacun sa vérité, celle de ce policier honnête n’est pas plus certaine que celle du père qui attend le verdict dans le box des accusés. Michel Racine, touché par la présence de Ditte, leur rappelle qu’il faut accepter de ne pas savoir… Ainsi l’irruption de la douceur et de la tendresse dans sa vie bancale et solitaire est-elle le début d’une véritable rédemption, rédemption qui lui révèle une autre vérité : si un procès change le cours des choses, c’est peut-être d’abord vis-à-vis de soi. Nous voyons que les sentiments ont le droit de siéger dans l’enceinte stricte d’un tribunal.

 

 

Sidse Babeth Knudsen, qui interprète le rôle de Ditte, a été choisie par Christian Vincent à la suite de son visionnage de la série « Borgen » où il l’avait beaucoup appréciée. Et, il est vrai, qu’elle illumine le film de son rayonnement où s’allient en un dosage idéal la beauté et l’intelligence. Quant à Fabrice Luchini, qui a reçu pour le rôle de Michel Racine le prix d’interprétation à la Mostra de Venise, il est remarquable de sobriété et de naturel, homme intransigeant, droit dans ses bottes en apparence, mais plus vulnérable qu’il n’y parait, proie de toutes les perplexités de la conscience et de la vie. Sa soudaine guérison est celle du doute sur l’évidence intérieure, ce qui est vraisemblable n’étant pas obligatoirement certain. Un film qui suggère plus qu’il ne démontre et laisse à chacun son interprétation personnelle.

 

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11 octobre 2015 7 11 /10 /octobre /2015 09:36
Un taxi pour Tobrouk de Denys de la Patellière

 

En 1942, à Tobrouk, un commando français fait sauter des dépôts d’essence allemands. Quatre soldats parviennent à s’enfuir et se retrouvent bientôt perdus en plein désert. Après une journée de marche harassante, ils repèrent une automitrailleuse allemande et ses cinq occupants. Un seul échappe à la mort et est fait prisonnier. C’est le début d’une aventure étonnante où, face au danger, chacun découvrira l’entraide pour sortit vivant d’un tel guêpier.

 


Denys de La Patellière, auteur d’un certain nombre de comédies légères, souhaitait en ce début des années 60 évoquer l’absurdité d’une guerre qui avait emporté plusieurs membres de sa famille. Il réunit alors le scénariste René Havard et le dialoguiste Michel Audiard pour construire une histoire se déroulant durant la campagne de 1942 en Libye et mettant en scène un groupe de soldats perdus dans le désert. Grâce à Michel Audiard, le scénario va se doter d’un ton ironique qui transforme progressivement le film en une comédie féroce sur l’imbécilité de tout conflit armé. Sublimé par ses dialogues savoureux, « Un taxi pour Tobrouk » évoque sur le ton de la plaisanterie des thèmes délicats comme l’obéissance aveugle à une autorité supérieure, la fraternité entre les peuples, tout en se moquant ouvertement des règles et usages imposés par l’armée, cela de façon absolument iconoclaste.

 



Opus au budget limité, il sera tourné à Almeria en Espagne (l’Afrique du Nord en pleine décolonisation était trop risquée pour les assureurs) afin de profiter d’espaces désertiques sans sortir de l’Europe. Malgré ces moyens réduits, l’équipe parvient à un résultat convaincant jusque dans les séquences de combat, cela grâce au jeu des acteurs, tous d’un naturel désarmant, c’est le cas de le dire, et d’une franche liberté de ton. Conscient des limites formelles imposées par la production, Denys de la Patellière s’est concentré sur ses personnages et les liens qui les unissent. Glissant au passage quelques vérités sur la France de la collaboration, sur l’attentisme d’une large partie de la population ou encore sur l’héroïsme de pacotille mis en avant au moment de la Libération. Aussi le film heurta-t-il quelques personnalités choquées par cet antimilitarisme, mais reçu un accueil bon enfant du public. La présence de Lino Ventura, à l’époque très populaire, y est aussi pour quelque chose. Et on y découvre un Charles Aznavour, qui lui fait face sans complexe, et confirme son réel talent d'acteur. Un film qui garde aujourd’hui encore son côté burlesque et cocasse et son cynisme de bon aloi.

 

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Un taxi pour Tobrouk de Denys de la PatellièreUn taxi pour Tobrouk de Denys de la Patellière
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28 septembre 2015 1 28 /09 /septembre /2015 08:30
Premiers crus de Jérôme Le Maire

Fils de viticulteur, Charlie Maréchal (Jalil Lespert) a quitté la Bourgogne pour devenir un œnologue parisien réputé, auteur d’un guide à succès dont les notes font chaque année trembler tous les vignobles. Mais en Côte-d’Or, son père François Maréchal (Gérard Lanvin) a perdu le goût du vin et ses errements précipitent l’exploitation viticole familiale vers la faillite. D’abord réticent, Charlie revient en Bourgogne. Il doit rechausser ses bottes et remonter ses manches, devenir viticulteur et se confronter à un métier qu’il ne connait pas, sous le regard dubitatif de son père. Entre une météo capricieuse et un cépage délicat, Charlie va devoir prouver à son père qu’il est digne de ce terroir transmis de génération en génération dans leur famille. Il est facile de noter un vin, mais comment fait-on un grand vin ?

 

 

Sur les bases d’un scénario simple, Jérôme Le Maire nous offre un film plaisant dont les deux atouts principaux sont le jeu d’acteurs convaincus et la beauté des paysages bourguignons et ce n’est pas si mal. Bien sûr les clichés abondent et font grincer les dents de quelques grincheux, bien sûr on envisage assez vite le final et les lieux communs abondent mais, qu’importe, si ce vin est un peu court en bouche et ne vous enivre pas, il vous fera passer deux heures pas si désagréables que cela, vous visiterez la Bourgogne et ses vignes, verrez rougir les cépages et tomber les pluies orageuses qui sont la hantise de ces gens du cru qui ont l’amour de leur terre et des cales aux mains. De plus, cela vous assure un  bol d’air revigorant, alors ne boudons pas ce gentil plaisir.

 

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17 septembre 2015 4 17 /09 /septembre /2015 08:55
Marguerite de Xavier Giannoli

Le Paris des années 20. Marguerite Dumont est une femme fortunée, passionnée de musique et d’opéra, qui a épousé un aristocrate ( excellent André Marcon ) sans le sous. Celui-ci  vit agréablement à ses dépens et la trompe sans vergogne. Depuis des années, Marguerite, malheureuse en amour, chante devant son cercle d’habitués, mais elle chante tragiquement faux et personne ne s'est aventurée à lui dire. Son mari et ses proches l’ont toujours entretenue dans ses illusions par intérêt et amusement, sa générosité lui valant le triste privilège d’être encensée par ce petit monde de nantis et par ceux, moins nantis, que son argent incite à une complicité cynique. Les choses se compliquent le jour où elle se met en tête de se produire devant un vrai public à l’Opéra.

 

 

Tandis que dans le parc de la somptueuse propriété, le paon pousse son cri particulier, à l’intérieur de la demeure, la maîtresse des lieux pousse ses vocalises gutturales capables d’écorcher les oreilles les plus sensibles et de faire rire sous cape cette galerie de mondains qui ne craint nullement d’abuser de ses largesses. Cela parce qu’elle voudrait que son mari la regarde. Marguerite est simplement une femme amoureuse et délaissée qui s’est réfugiée dans la musique comme dans un songe. Heureusement son majordome noir Madelbos (parfait Denis Mpunga) la protège, l’accompagne au piano, la photographie, et entre d'autant plus volontiers dans son rêve que lui-même a quitté le sien par nécessité pécuniaire. Et sa maîtresse n'est-elle pas comme lui sensible à tout ce qui touche au merveilleux dans une société saisie par la débauche et les plaisirs faciles ? Cette femme à qui tout se refuse, l’amour et le talent, porte néanmoins une sorte de génie de l’authenticité jusque dans son ridicule. Au milieu de ce monde de tricheurs et d’arnaqueurs, elle est la vérité sans fard, le naturel sans subterfuge, la sincérité sans ruse qui étonnent et posent sur un monde futile son interrogation. Par son jeu tout en subtilité, Catherine Frot nous bouleverse, oscillant entre la mégalomanie et la fragilité. Elle est étonnante, inoubliable. "Un personnage qui me laisse songeuse" – avoue-t-elle, avant de poursuivre -  "il y a une notion mystique, à la fin, un sacrifice d’amour. Le film contient des paradoxes à l’infini et, en même temps, il est très simple."

 

 

Ce personnage est inspiré de la vie de Florence Foster Jenkins, une excentrique milliardaire américaine, née en Pennsylvanie en 1868. En 1909, s’étant autoproclamée chanteuse lyrique, elle mit à profit son riche héritage pour organiser des concerts suivis de dîners de gala au Ritz Carlton. Elle louera par la suite le Carnegie Hall pour donner un récital devant une salle comble et hilare. Impassible, elle subodore que ces rires sont ceux de ses rivales. Mais hélas, elle n’échappera pas aux critiques assassines que les journaux du lendemain se feront un plaisir de publier et  mourra cinq jours plus tard d’une crise cardiaque dans un magasin de musique où elle était venue acheter de nouvelles partitions. Destin pitoyable et tragique d’une femme qui se refuse au réel pour vivre dans un songe où elle se croit enfin admirée et aimée.

 

 

Xavier Giannoli a repris cette fable cruelle et nous l’offre dans une mise en scène qui n’est pas sans rappeler celle du Max Ophuls de « Lola Montès » ou de « Madame de ». Les années folles y sont admirablement rendues dans une débauche d’images superbement baroques, royaume où les apparences sont en efflorescence dans des décors couleur sépia saisis par des éclairs de magnésium. On y voit surgir un monde que les cruautés de la guerre ont rendu ivre de plaisirs, une petite société que sollicite toutes les folies. Nous sommes en plein essor du surréalisme, du marxisme, du jazz, en ces années où les femmes prennent enfin du galon ou aspirent à en prendre. C’est le cas de Marguerite qui se veut libre mais n’en est pas moins victime de ses sentiments, de ses aspirations, de ses déboires conjugaux et de sa fraîche naïveté. Elle ne mange que du blanc, dit-elle, tant son désir de pureté est grand, oui du poulet, du riz, des poireaux, ainsi son rêve est-il paré des ailes d’un cygne. Un cygne qui navigue sur les eaux saumâtres d’une époque sans complaisance et en mourra, victime de ses chimères et de ses délires.

 

 

L’originalité du thème, la magnifique interprétation des acteurs, la richesse de la mise en scène font de cet opus une rareté dans la production actuelle  trop souvent banale et complaisante. Sans doute le plus beau film français de l’année, habité par une Catherine Frot prodigieuse et divinement bien accompagnée. Une très grande réussite.

 

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Marguerite de Xavier Giannoli
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1 juin 2015 1 01 /06 /juin /2015 09:29
Trois souvenirs de ma jeunesse d'Arnaud Desplechin

Voici le dénommé Paul Dédalus (patronyme que l’on ne croise pas pour la première fois dans la filmographie de Desplechin), anthropologue, interprété, dans sa maturité, par un Mathieu Amalric au regard toujours aussi fixe. Ayant vécu loin de France pendant près de vingt ans, il s’apprête à quitter le Tadjikistan pour retrouver sa terre natale et y prendre un poste dans un ministère. À sa descente d’avion, des policiers l’attendent et lui demandent de les suivre. Le voilà bientôt devant un enquêteur des services secrets (André Dussolier), qui doute de sa véritable identité et lui révèle qu’un autre Paul Dédalus, né au même endroit et le même jour que lui, demeure en Australie. Qui est le vrai? Le spectateur est ainsi embarqué sur une piste qui, finalement, va le conduire à une actualité tout autre et, la parenthèse fermée, lui conter une histoire d’amour bancale mais très attachante.

 

 

À la suite de cette brève entrée en matière, Arnaud Desplechin nous entraîne dans une quête vertigineuse de l’identité, ce qu’avait probablement pour objectif le préambule rocambolesque et qui, désormais, constitue le tissus sensible de cet opus. Car la singularité d’une existence est-elle affaire de date, de nom, de lieu ou d’expériences? Procède-t-elle  d’une somme de moments successifs et souvent disparates ou, plus précisément, de la mémoire que l’on en conserve? Devant lenquêteur dubitatif, Paul Dédalus évoque un voyage effectué en Ukraine avec sa classe de lycée, où, pour aider un camarade engagé dans le soutien aux Juifs dEurope de l’Est, il avait pris de gros coups de poing dans la figure, au propre et au figuré.

 

 

Puis d’autres souvenirs s’égrènent: familiaux la plupart, entre crises de folie de la mère, (que l’on s’explique mal, c’est le seul point obscur de ce film délicat), violence incompréhensible du fils aîné, solitude du père devenu veuf, mysticisme du fils cadet mal dans sa  peau et l'idylle en dents de scie de Paul avec Esther, grande passion jamais oubliée. Une jeunesse à Roubaix – où le cinéaste est  né en 1960 –, puis à Paris, avec les études d’anthropologie auprès d’un professeur qu’il admire, l’ouverture au monde et la distance qui sépare Esther de Paul, et  Paul d’Esther…Une liaison constamment entrecoupée de séparations qui est, parmi cette succession d’évocations, la plus prégnante.

 

 

Narrés avec une certaine distance, un ton décalé, un ton souvent désabusé, mais aussi un sens certain du lyrique et du tragique, ces Souvenirs… sont portés avec  naturel  par deux jeunes acteurs : Quentin Dolmaire (Paul Dédalus jeune), repéré au Cours  Simon, et Lou Roy-Lecollinet (Esther), tout droit venue de sa classe de terminale, option théâtre. Ces deux novices, très prometteurs, s’épanouissent sous l’œil de la caméra d’Arnaud Desplechin, qui n’a pas son pareil pour puiser chez ses acteurs la matière la plus sensible, la plus frémissante de son film. Il signe avec eux un voyage romanesque vers la jeunesse telle qu’on la vit aujourd’hui avec ses excès et ses dépendances. Et, toujours, sans retour possible…

 

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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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