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9 janvier 2014 4 09 /01 /janvier /2014 12:20

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Ce nouveau biopic français, élégant et sophistiqué, allie le meilleur et le pire en une salade composée indigeste souvent, fastueuse et touchante parfois, et que supporte sur ses épaules menues un jeune acteur éblouissant Pierre Niney. Surdoué du théâtre, pensionnaire à la Comédie française, il s'est véritablement incarné en Yves Saint Laurent au point d'en avoir adopté les tics, la voix, les gestes, le phrasé, les mains. Réincarnation troublante qui méritait un scénario autrement mieux ficelé, une véritable approche de ce qu'est l'enfer du génie, une plongée dans cette créativité libre et colorée, exaltante et usante, au lieu que le film insiste lourdement sur l'aspect sombre du personnage, son addiction à l'alcool et à la drogue, son instabilité affective, son vieillissement prématuré, bien qu'il ne se concentre que sur les 20 premières années de la vie professionnelle de Saint Laurent. Dommage !

 

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C'est malheureusement une mode tristement actuelle d'appuyer sur tout ce qui relève du domaine le plus intime et d'obliger ainsi le spectateur à devenir un voyeur en lui assénant des scènes de sexe parfaitement inutiles, se plaisant à souligner les détails les plus crus, se complaisant dans une luxure qui certes ne grandit personne et surtout pas le metteur en scène. Encore une fois dommage ! Ce  parti pris de voyeurisme inonde nos écrans et finira par décourager le public pour qui le sexe risque de sombrer dans les basses fosses de l'ennui. Yves Mathieu Saint Laurent méritait mieux. Ce n'est pas son homosexualité et son comportement instable de toxico-maniaco-dépressif qui ont suscité l'admiration du monde mais son génie de créateur, son inventivité, son goût inné de la beauté. C'est cette part de lui-même que nous attendions et espérions, celle d'un esthète incomparable, d'un homme amoureux des arts, d'un collectionneur éclairé et novateur qui a changé nos habitudes vestimentaires, créant un style reconnaissable entre tous. C'est celui-là qui était intéressant, non le malheureux qui se vautre dans une débauche de riche parvenu, mais l'amoureux des écrivains et des peintres et l'initiateur d'une mode nouvelle.

 

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Né à Oran en 1936 dans une famille de la bourgeoisie modeste, le jeune Yves Mathieu monte à Paris pour suivre des cours de modélisme et très vite se fait remarquer par son talent. Choisi par Christian Dior pour devenir son assistant, il assure la relève à sa mort, bien qu'il n'ait que 24 ans. Le petit prince de la mode, comme on l'appelle, rencontre immédiatement le succès avec les 178 modèles proposés qui  imposent déjà sa propre inspiration. Ce sera une coupe trapèze très différente de celle du maître disparu. Mais appelé en 1960 à faire son service militaire qui, à l'époque, durait 27 mois, Yves Mathieu redoute plus que tout d'aller se battre dans son pays natal, l'Algérie, et tombe malade ; il sera hospitalisé au Val de Grâce pour dépression et finalement réformé et licencié par la maison Dior que gouverne le tout puissant Marcel Boussac. Grâce à Pierre Bergé, dont il partage déjà la vie, Yves Saint Laurent gagnera son procès pour rupture abusive de contrat et créera, toujours avec le soutien de Pierre Bergé qui en sera le directeur financier, sa propre maison de couture dont on sait le renom mondial qu'elle obtiendra, faisant de la griffe Saint Laurent une vitrine pour le commerce de luxe français et le fleuron incontesté de la Haute couture.

C'est donc cette vie que Jalil Lespert était sensé nous raconter et qu'il fait par bribes, avec de très beaux moments : ceux des collections sur une musique d'opéra où nous voyons défiler quelques-unes des plus belles toilettes sorties des mains inspirées du couturier. Mais à côté de ces moments de grâce, l'opus insiste non sans complaisance sur les pages sombres, les orgies très romaines dans la splendeur du palais marocain, les traits qui s'épaississent, les débauches courantes qui sont si peu en harmonie avec la beauté ambiante des intérieurs et des collections. J'ai déjà dit combien Pierre Niney est absolument génial dans son interprétation et il est curieux de remarquer que nombre de films récents doivent plus aux acteurs qu'aux metteurs en scène. Ce fut le cas pour "La Vénus à la fourrure" de Roman Polanski qui repose sur les interprétations remarquables d'Emmanuelle Seignier et de Mathieu Almaric. Même chose avec le film de Lespert qui ne serait rien sans Pierre Niney et Guillaume Gallienne, l'un et l'autre formant un duo extrêmement crédible, Gallienne transformé en un Pierre Bergé attentif et implacable, véritable mentor qui assure le bon fonctionnement de l'empire Saint Laurent/Bergé. Le final est un peu bref. On s'arrête en l'an 1976, alors que l'empire demeure toujours, simplement parce qu'il devait être bien difficile de confier au jeune Niney la face vieillissante de Saint Laurent. Quant aux autres personnages, que ce soit Loulou de la Falaise, Betty Catroux, Bernard Buffet, Victoire, ils ne font que de la figuration et se perdent dans les décors toujours somptueux.


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LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS


 

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9 décembre 2013 1 09 /12 /décembre /2013 09:28

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Thomas, un metteur en scène, se lamente dans un théâtre parisien vide. Sa journée passée à auditionner des comédiennes pour son adaptation de «La Vénus à la fourrure» a été un échec et l’a mis hors de lui. Désespéré par le niveau des aspirantes, il voit soudain débarquer Wanda, trempée par la pluie et en retard pour l'audition. Le metteur en scène est d'abord rebuté par l'arrogance et la vulgarité de la jeune femme et la jette dehors. Mais, celle-ci insiste, se déguise en Vanda, l’héroïne de la pièce qu’elle a visiblement lue, et plus l'audition avance, plus la jeune femme fait preuve de subtilité, parvenant régulièrement à surprendre Thomas, qui, peu à peu, se laisse séduire par la comédienne. Un étrange jeu va dès lors s'installer entre les deux artistes...

 

Voilà, le décor est planté, les personnages en place et ce huit-clos commence entre deux êtres que tout sépare et qui s'apprêtent à confronter leur vécu et leur fantasmé dans un climat tendu comme ceux qu'affectionne de plus en plus, au fil du temps, Roman Polanski, homme complexe et metteur en scène habile et provoquant. On retrouve, dès les premières images, son goût pour les travestissements, l'érotisation des situations, le burlesque et l'intellectualisme sulfureux et surtout l'enfermement de soi et des autres. Il semble bien que, mal remis de certains drames, le réalisateur polonais se plaise à gratter ses plaies et à se polariser sur les situations les plus extravagantes et surtout les plus confinées, dans une claustration  inquiétante. Je dois l'avouer, j'ai eu du mal à entrer dans ce film parce que la claustration n'est pas mon fort, que j'aime trop l'espace, l'air, la lumière pour prendre plaisir à une mise en abîme aussi castratrice, dans un décor composite fait de bric et de broc, car c'est de cela qu'il s'agit : deux personnages  pris dans les rets du sado-masochisme qui se confrontent  pour mieux tenter de se détruire, grande scène des genres redistribués. 

 

Et qui est ce metteur en scène officiant dans le film ? Un homme visiblement insatisfait qui se cherche dans les textes des autres, comme dans celui-ci qu'il s'applique à adapter de Léopold von Sacher-Masoch et revisite sans en connaître vraiment les  tenants et les aboutissements, enclin à le modifier au cours de ce face à face avec une comédienne qui elle-même a besoin de s'affirmer, de donner un sens à sa vie et de dominée devenir dominante. Qui l'emportera ? Personne, au final,  sinon  Polanski qui nous propose un cheminement dans l'inconscient où chacun ne voit que ce qu'il veut bien voir... On sort de la projection dans un état de perplexité et de confusion tant on devine qu'il s'agit en tout premier lieu d'une introspection personnelle, où le metteur en scène nous livre ses sentiments les plus secrets en ce qui concerne ses rapports avec les femmes et tout d'abord avec la sienne. Car Emmanuelle Seigner est  ici au centre de l'écran : elle est la femme fatale qui éblouit et fait perdre pied, séduit et captive, inspire et désespère. Elle est magnifique de beauté et d'assurance, tellement forte face à un Mathieu Almaric qui est véritablement le double de Roman, émouvant à force d'être terrassé, constamment en position de faiblesse, victime de ses appréhensions, de son physique ingrat,  de ses propres leurres. Leur duo est déséquilibré dès le départ parce que l'on sent tout de suite que la femme est la plus forte, la plus acharnée à vivre,  à lutter,  à survivre. Alors que son partenaire est déjà engagé sur la pente du déclin et que son intelligence est laminée par trop de  doutes. 


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Souligné par la musique aigre et parfois hurlante d'Alexandre Desplat, le film vaut surtout par la formidable interprétation du duo Seigner/Almaric, tous deux maîtrisant leur texte et leur jeu de façon  remarquable, elle s'imposant, lui se cherchant et s'interrogeant jusqu'à s'annihiler. Emmanuelle Seigner donne ici la mesure de son talent et surfe sur un vaste registre où elle passe de la femme vulgaire à l'intellectuelle inspirée et finaude, de la femme objet à la femme déesse, extase d'un homme aux prises avec ses démons les plus récurrents, ses rêves les plus improbables. Ce n'est certes pas un film que j'aime pour la raison que j'ai donnée un peu plus haut, mais qui éclaire de ses lueurs sauvages l'oeuvre complexe et ambiguë de Polanski. 

 

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Pour consulter l'article que j'ai consacré à Roman Polanski, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

ROMAN POLANSKI OU UN CINEMA MARQUE PAR L'HOLOCAUSTE

 

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21 novembre 2013 4 21 /11 /novembre /2013 09:53

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Prenez un  clown génial et excellent acteur, un sujet scabreux mais traité avec la finesse de celui qui a vécu ce drame de l’identité dans sa chair et vous obtenez un film qui, malgré ses clichés et un narratif en dents de scie, ne peut laisser  indifférent le spectateur pour plusieurs raisons. La première est l’acteur et réalisateur lui-même qui vous ferait avaler des couleuvres tant il est sincère et qu’il parle d’un drame intime qui a déjà fait l’objet d’un one man show ; la seconde est qu’il fallait oser aborder le thème de l’homosexualité à l’envers, en montrant non un homo refoulé mais un hétéro incompris. Car Guillaume, le petit dernier d’une famille de trois enfants, dont deux frères aînés du genre hyper viril, est l’objet d’une attention malsaine de la part de sa chère maman qui aurait tant voulu une fille. Voilà les dès jetés : Guillaume est la victime constante d’un malentendu de la part de son entourage qui ne peut l’imaginer qu’homo pour la bonne raison que sa maman en est convaincue et qu’il ne sait rien lui refuser, alors se croyant homo, il la joue homo. Cette matrone, élégante mais baroque, interprétée par Gallienne, se révèle une castratrice de première grandeur et Guillaume une proie d’autant plus facile qu’il ne s’aime pas et se sent pris dans un engrenage inéluctable jusqu’à ce qu’il rencontre enfin la jeune fille de ses rêves … D'autant qu'avec sa tête de petit mouton, on le sent destiné à être tondu. Ici, la « théorie du genre » est mise à mal et vole en éclats dans cet opus qui prouve, avec une redoutable efficacité, que l’on naît bien dans l’un ou l’autre des genres masculin ou féminin, quoique que l’on tente d’insinuer…

 

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Bien entendu, l’opus n’échappe pas à la caricature et certaines scènes sont particulièrement lourdes et inconsistantes, telle celle avec Diane Kruger où le malheureux Guillaume, fan des cures et des spas, se voit infliger un lavement. D’autres sont vraiment très drôles, ainsi lorsque le jeune homme, qui tente d’échapper au service militaire, ne sachant que trop bien, pour avoir été dans les collèges anglais, ce  qui risque de lui arriver dans un contexte exclusivement masculin, se ridiculise à l’envi face à un malheureux psy de l’armée qui finira par perdre le fil de son discours.  Car Guillaume aime les femmes : sa mère à la folie, sa grand-mère, ses tantes et toutes les femmes qu’il cajole du regard et ne se lasse pas de côtoyer et d’écouter. C’est d’ailleurs lui qui joue le rôle de sa maman parce que personne ne pouvait mieux rendre leur incroyable proximité :

« J’étais le seul à pouvoir jouer ma mère. Je connais mieux que quiconque sa violence, mais aussi sa pudeur. Au tout départ, je pensais confier le rôle à une actrice, mais je lui aurais indiqué de façon si directive comment la jouer que cela aurait été insupportable pour elle. Du coup, l’idée de l’incarner moi-même s’est rapidement imposée. Il s’agissait pour moi de mieux la défendre... »

Il poursuit :

« Interpréter simultanément mon propre cas et celui de ma mère relève de l’évidence. Primo, j’illustre ainsi concrètement la confusion schizophrène de ma jeunesse. Secundo, je montre que je n’ai toujours pas réglé mon problème puisque aujourd’hui, à 41 ans, j’éprouve encore le besoin de jouer maman ! De toute façon, je ne crois pas que l’on règle ses problèmes. Au mieux on apprend à les apprivoiser, à ne plus les subir et à les poétiser. »

Et c’est ce qu’il fait avec autant de maladresse que de sincérité et si naturellement qu'on les lui pardonne volontiers pour la simple raison que le réalisateur a su, de façon délicate et sensible, pointer du doigt les malentendus redoutables que la société ne cesse de propager entre l’être et le paraître.

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14 novembre 2013 4 14 /11 /novembre /2013 11:52

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Ariane Felder est enceinte ! C'est d'autant plus surprenant que c'est une jeune juge aux mœurs strictes et une célibataire endurcie. Mais ce qui est encore plus surprenant, c'est que d'après les tests de paternité, le père de l'enfant n'est autre que Bob Nolan, un criminel poursuivi pour une atroce agression. Ariane, qui ne se souvient de rien tant elle était ivre cette nuit-là, tente alors de comprendre ce qui a bien pu se passer et ce qui l'attend...

 

«Je préfère parler de drame rigolo que de comédie - confie le cinéaste-auteur-acteur. Je n’écris jamais de choses drôles. Mes histoires sont toujours une tragédie. Là, il s’agit d’une juge imbue d’elle-même, carriériste, austère, et qui descend en enfer quand elle comprend qui elle est!» Cette vieille fille aigrie, fière de ne s’être jamais abaissée à devenir mère, va se retrouver, après une cuite, engrossée par un tueur, un psychopathe qui croque les yeux de ses victimes… «Une fois que j’ai écrit un drame, qu’en faire? Je le traiterais comme un Ken Loach si j’avais son talent. Alors, par pudeur, je travestis la tragédie en Grand-Guignol»  - ajoute notre réalisateur.

 

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Comédie totalement déjantée, "9 mois ferme" a l'avantage de ne jamais se prendre au sérieux. Nous sommes dans l'absurde et le burlesque du début à la fin. Rien n'est vrai et tout est permis à ce cinéaste qui jongle avec les formules, invente le mot globophage et ne cherche même pas à nous faire prendre les vessies pour des lanternes. Si on n'entre pas dans sa loufoquerie, autant quitter la salle, c'est sans espoir... Si on aime le burlesque, il y a de bons moments et surtout une interprétation de qualité, autant de la part de Sandrine Kiberlain qui parvient à nous effarer, autant qu'elle l'est elle-même,  que de celle d'Albert Dupontel révulsant  en permanence et attendrissant sur la fin, enfin par Nicolas Marié qui, en avocat bègue, nous fait une démonstration fort éloquente de ce que peut être une plaidoirie lorsque la bande sonore se détraque. Je ne vous parlerai pas des scènes gore, il y en a, par exemple celle d'un médecin légiste en train de découper son cadavre à la tronçonneuse - mais à ce moment j'ai fermé les yeux et ne peux tout vous décrire, alors remboursez ! -  où les scènes interdites au moins de 14 ans qui sont floues au final, alors ?

 

Ai-je apprécié ce film ? Pas vraiment, c'est un peu trop absurde, trop saugrenu, trop extravagant, pour, en fin de compte, être très moral. Mais oui ! Comment une psycho-rigide peut arriver à assouplir sa rigidité et comment un dangereux psychopathe parvient à retrouver un comportement quasi sociable. Le pire engendre parfois le meilleur...au mieux le moins mauvais. Et puis Sandrine Kiberlain parvient à rester crédible, même dans les moments les plus insensés.

 

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11 novembre 2013 1 11 /11 /novembre /2013 11:18

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Prenez une bande dessinée pleine d’humour et  d’insolence, un metteur en scène de talent, des acteurs bien dirigés, un rythme ébouriffant et vous obtenez un film désopilant, conduit à cent à l’heure dans les lieux qui ont vu s’écrire des pages d’histoire d’où le ridicule, le trivial, le surabondant, l’énorme n’ont jamais été absents. Oui, il fallait oser entrer dans les ors de la République, saupoudrer ce moment de la vie politique française de très bons acteurs, en faire un festival de la parole drue et ajouter une cadence folle au rythme des négociations qui se tramaient alors entre l’Oubanga et la France. Tavernier l’a osé et a eu grandement raison car il nous livre une excellente comédie politique comme nous n’en voyons que trop rarement avec le brio, la justesse de ton et les envolées lyriques qui font mouche.

 

Nous sommes en 2003 et le ministre des affaires étrangères Alexandre Taillard de Worms, lecteur d'Héraclite et mégalo, est un homme plein de panache. Il opère sur la scène mondiale et y apostrophe les puissants de ce monde en invoquant les plus grands esprits afin de ramener la paix, calmer les agités et les nerveux ( lui qui l’est cependant ) et justifier son aura de futur prix Nobel de la paix. Alexandre Taillard de Worms est un esprit brillant qui attribue à la puissance du langage la primauté diplomatique : légitimité, lucidité et efficacité ne cesse-t-il de proclamer à son équipe. Il pourfend par ailleurs les néoconservateurs américains, les russes corrompus et les chinois cupides. Le monde a beau ne pas mériter la grandeur d’âme de la France, son art se sent à l’étroit enfermé dans l’hexagone. Le jeune Arthur Vlaminck, récemment diplômé de l’ENA, est embauché en tant que chargé du “langage” sous son haut ministère. En clair, il doit écrire ses discours ! Encore faut-il apprendre à composer avec l’entourage du prince, se faire une place entre le directeur de cabinet et les conseillers qui gravitent dans un Quai d’Orsay où le stress, l’ambition et les coups fourrés ne sont pas rares, trouver les mots qu’il faut placer dans la bouche de ce mentor exigeant et manœuvrer malgré l’inertie des technocrates. La tâche est écrasante mais le jeune homme s’y attelle avec bonne volonté…

 

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En 2003, les fonctionnaires fumaient comme des pompiers dans les bureaux du Quai d'Orsay. Surtout, la France avait une voix dans le concert des nations: « Et c'est un vieux pays, la France, d'un vieux continent comme le mien, l'Europe (…), qui a connu les guerres, l'occupation, la barbarie, un pays qui n'oublie pas et qui sait tout ce qu'il doit aux combattants de la liberté venus d'Amérique et d'ailleurs et qui pourtant n'a cessé de se tenir debout face à l'Histoire et devant les hommes ». Tel sera le discours de l’ONU prononcé par Villepin, auquel le personnage d’Alexandre Taillard de Worms ressemble comme un gant et qui nous restitue une page de notre passé non dénué de nostalgie. Car malgré le  désordre apparent, les coups bas, les excès de tous ordres régnaient encore une élégance, un faste, qui ne sont nullement balayés par le rythme haletant, les effets de manche et les ridicules des divers protagonistes. Les dessous du pouvoir sont restitués avec un humour salutaire mais jamais déshonorant car, à l’évidence, ce petit monde fonctionne et travaille et si le chaos menace, le ministre tente de garder son équilibre même au cœur des situations les plus burlesques.

 

 

Thierry Lhermitte est un Alexandre Taillard éblouissant – il se livre ici à un festival de grande classe et colle parfaitement à son personnage pétri de suffisance, d’audace et de séduction ; Niels Arestrup, en directeur de cabinet impavide, est absolument parfait et nous fait toucher du doigt la vacuité des mots quand ils sont utilisés à des fins de manipulation et apparaît comme le seul personnage calme au cœur d’une véritable tornade logorrhéique ; enfin  Raphaël Personnaz, en Candide qui a la charge redoutable de composer avec le prince, est très convaincant dans celui du jeune énarque à qui le ministre vient de confier la responsabilité du … langage. Tous les rouages fonctionnent et le film est une véritable réussite, même si quelques longueurs auraient pu être évitées.

 

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25 octobre 2013 5 25 /10 /octobre /2013 10:44

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César mérité du meilleur documentaire.
 

« Sur le chemin de l’école » de Pascal Plisson est un film merveilleux par sa simplicité et la formidable leçon de courage qu’il propose avec pédagogie : cinq enfants de 9 à 12 ans dont l’itinéraire, pour rejoindre leurs écoles respectives, est un véritable parcours du combattant au travers de lieux désertiques et pauvres. Il y a Carlos et Micalea qui vivent sur les plateaux de Patagonie en Argentine, Samuel et ses deux frères en Inde, Jackson et sa sœur Salomé au fin fond de la savane kényane, enfin Zahira dans les montagnes du Haut-Atlas au Maroc. Chacun d’eux a cependant la chance d’aller à l’école. Mais à quel prix ! 15 kilomètres à pied à travers la brousse pour Jackson et sa sœur Salomé, 22 kilomètres pour Zahira et ses amies dans les montagnes, 18 kilomètres à cheval dans la lande pour Carlos et sa sœur Micalea. Enfin, Samuel, jeune paraplégique, est tiré et poussé sur son fauteuil roulant fait de bric et de broc par ses deux frères sur 4 kilomètres de chemins terreux, parsemés de ruisseaux. Alors pour quelles raisons vont-ils à l’école ? L’un pour devenir médecin et soigner les enfants paralysés comme lui, l’autre pour être pilote et survoler le monde, une troisième pour enseigner et permettre à tous les enfants du monde d’accéder au savoir, enfin un autre encore pour devenir vétérinaire. 

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Mais l’originalité du film consiste à nous faire partager le trajet de chacun de ces écoliers au coeur de paysages sauvages et la plupart du temps déserts. Comme si le trajet comptait autant, voire plus, que l’objectif final. Le réalisateur nous invite ainsi à nous rendre à la rencontre de ces enfants-marcheurs et nous convainc, par la même occasion, que le véritable apprentissage commence par la marche, que  l’important n’est peut-être pas l’école mais  de s’y rendre, tant il est vrai que l’on n’apprend que d’un effort, d’un cheminement avec d’autres, au sein d’une communauté. A contrario, on n’apprend rien en consultant son smartphone. Rimbaud écrivait : « Je suis un piéton, rien de plus. »  Dans le mot piéton ou mieux passager, il y a le symbole d’un lieu où l’on se rend, d’un désir vers lequel on tend, d’un choix que l’on aspire à réaliser. Il y a donc ce passage à effectuer pour devenir autre, pour grandir, apprendre et se réaliser, pour entrer dans le monde de la connaissance.

 

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Mais, avant l'étape du parcours, il y a certains rites à respecter : ainsi Jackson lave-t-il son uniforme dans un trou qu’il creuse dans le sable afin d’atteindre l’eau rare et précieuse ; Carlos se coiffe-t-il avec soin ; Zahira trimbale-t-elle une poule dans un sac qu’elle échangera au marché contre de la nourriture et Samuel enfile-t-il, avec l’aide de ses deux frères, sa chemise d’uniforme afin d’être présentable au moment d’entrer au collège, car la plupart de ces enfants portent un uniforme, une façon d’être tous semblables. Que penser de nos petits français qui viennent en classe la casquette vissée sur la tête, en jeans délavés et troués, les chaussures délacées avec le string ou le caleçon bien mis en valeur par la coupe taille basse ? A de tels détails nous mesurons à quel point l’Europe, qui fut si longtemps un modèle pour ces pays, ne l’est plus guère aujourd’hui. Nous avons renoncé à trop de choses essentielles au profit de ce que nous appelons la modernité, cette course en avant qui nous a fait perdre la plupart de nos repères et qui nous revient aujourd’hui à la figure comme un boomerang. Ainsi les parents et les professeurs ont-ils en partie renoncé à leur autorité et l’enfant-roi n’est autre qu’un enfant égaré, victime des abandons successifs des adultes.

 

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Mais le pire est sans aucun doute ce refus de l’effort qui caractérise nos sociétés.  Nous faisons de nos enfants des assistés permanents, ce qui est le meilleur moyen de les aliéner. Contrairement aux enfants du film qui sont en permanence confrontés à la difficulté, voire à la peur – ce sera celles des animaux sauvages croisés sur leur chemin, les pentes abruptes à dévaler, les cours d’eau à traverser. Oui,  l’effort, la peur sont sans cesse présents mais ils façonnent leur volonté, structurent leur mental : il faut à chacun de ces enfants vaincre, résister. Très tôt, ils sont mis en présence d’un monde qui n’est pas bienveillant et qu’ils devront leur vie durant surmonter. A aucun moment, nous ne les voyons faiblir, moins encore renoncer. La rivière, les éléphants, la cheville endolorie, la roue du fauteuil roulant qui ne tourne plus, à ces écueils ils trouvent des  solutions, souvent grâce à l’entraide des gens du pays. Ces petits écoliers sont une fierté pour eux, l’avenir en marche. Aussi rares sont ceux qui ne se montrent pas coopérants.

 

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Au bout de ces parcours difficiles que nous partageons avec eux, il y a l’école, les copains, le maître que l’on aime et respecte, les cours que l’on écoute avec une attention joyeuse et l’avenir dont on rêve. Le rêve existe encore pour ces enfants qui n’ont autour d’eux que des exemples simples mais solides : la famille, la nature dans sa beauté inchangée, la sérénité des cœurs simples. J’avoue que ce film m’a infiniment émue parce qu’il est comme un long poème, un retour aux sources, à la pureté des choses originelles. Certains penseront qu’il ne nous apprend rien, alors qu’il nous apprend tout, ne serait-ce qu’à poser un regard neuf sur ce qui nous entoure, à écouter la voix du monde quand elle chante aussi juste. 

 

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1 octobre 2013 2 01 /10 /octobre /2013 09:13

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« Le Samouraï », film de Jean-Pierre Melville est sans doute le chef-d’œuvre du genre par sa sobriété, sa rigueur, son unité de temps, son économie de moyens et la remarquable interprétation d’Alain Delon, au sommet de son art, dont la présence magnétique donne à l’opus sa densité et son rayonnement. Aucune œuvre moins bavarde ; celle-ci ne repose que sur les éclairages, les expressions, les gestes les plus minutieux, le tempo d’une savante lenteur qui ne quitte pas un instant de vue le personnage ambigu de Jef Costello, tueur à gages solitaire et désenchanté. On comprend que le scénario ait d’emblée séduit l’acteur de 30 ans qui devait se reconnaître dans ce loup isolé qui préfère mourir à la façon du samouraï, en mettant sa mort en scène lui-même et en la provoquant, que de sombrer dans le déshonneur.

 

L'histoire est celle de ce Jef Costello qu’un clan du milieu parisien a chargé de l’exécution du patron d’une boîte de nuit huppée, ce qu'il fait dès le début du film. En sortant du bureau, où gît le cadavre de sa victime, il croise la pianiste du club, Valérie ( Cathy Rosier ). Malgré un alibi  bien construit, il est suspecté par le commissaire ( formidable François Périer ) chargé de l'enquête qui sera dans l’obligation de le relâcher, car la pianiste de la boîte  nie le reconnaître, ce qui est faux. Jef ne comprend pas pourquoi elle agit ainsi. Il se rend ensuite au point de rendez-vous convenu avec son employeur pour récupérer l'argent du contrat.

 

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Un homme blond, faisant office d'intermédiaire, s’acquitte de cette tâche en lui tirant une balle dans le cœur mais, grâce à ses bons réflexes, Jef s’en tire avec une égratignure au bras. Désormais, il va s’employer à remonter à la source et à démasquer ceux qui ont cherché à l’éliminer, tout en jouant au chat et à la souris avec la police qui guette le moindre de ses faits et gestes, le commissaire plus que jamais convaincu qu’il tient là son coupable. S'ensuit une traque dans le métro parisien et une perquisition chez la maîtresse de Jef, Jane Lagrange, que l’officier de police va tenter de déstabiliser, mais en vain. Le rôle est tenu par Nathalie Delon, alors l’épouse d’Alain, convaincante dans ce personnage courageux qui a vite fait de débusquer les intentions du policier.

De retour chez lui, Costello découvre, grâce au comportement anormalement agité de son bouvreuil, que quelqu’un a pénétré chez lui et y a posé des écoutes. Une seconde fois, intrigué à nouveau par l’agitation de l’oiseau, il se trouve en présence d’un émissaire du clan. Par chance, il parvient à le désarmer et à lui extorquer le nom et l’adresse de son commanditaire.

San plus tarder, il se rend à  cette adresse et constate qu'il s'agit de l'endroit où vit la pianiste. Il y retrouve celui qu'il cherchait et le tue avant de regagner la boîte de nuit, de sortir son revolver et de le pointer sur la pianiste  au vu et au su de l’assistance. La police, qui l’attend embusquée derrière une porte, l'abat sur place avant de découvrir que son revolver n'était pas chargé.

 

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Peu de rebondissements dans cette œuvre tirée d’un roman de Joan McLeod, mais un narratif linéaire sans flash-back, un récit concentré sur le personnage de Jef qui ne quitte pas l’écran, ne parle pas, mais jouit d’une présence grave et tragique car il se sait condamné à plus ou moins brève échéance. Delon tient  là l’un de ses plus grands rôles. Le moindre de ses gestes prend une énorme importance, ainsi la façon de mettre son chapeau, de relever le col de son imperméable, de fixer son regard sur un interlocuteur, oui, le moindre détail prend une force et une importance incroyable. C’est tout l’art de Melville qui disait à propos de ce film : «  La peinture d’un schizophrène par un paranoïaque ». On sait que lui-même était une personnalité complexe et solitaire. Le choix d’Alain Delon s’imposait ; Melville prend comme acteur son alter égo qui est dans la vie, comme il l’est lui-même, un loup solitaire, un homme sans concession ni dans sa vie, ni dans son métier. Le résultat est prodigieux. « Le Samouraï » est aujourd’hui encore une œuvre de référence, tant il est parfait dans sa composition et son déroulement, avec les éclairages gris-bleu de Henri Decaë et le chant nostalgique du bouvreuil,  symbole éloquent de l’emprisonnement intérieur.

 

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Pour consulter l'article consacré à Jean-Pierre Melville, cliquer sur son titre :

 

JEAN-PIERRE MELVILLE OU L'OEUVRE AU NOIR

 

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26 août 2013 1 26 /08 /août /2013 13:09

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Isabelle, une jolie jeune fille qui vient de fêter ses dix-sept ans, a apparemment tout pour être heureuse, malgré le divorce de ses parents et un père qui vit en Italie sans se préoccuper de sa progéniture. Mais le beau-père  (Frédéric Pierrot) est sympathique, joue son rôle sans en faire trop ni pas assez, la mère  (Géraldine Pailhas) est jeune, belle et dans le coup, le petit frère, qui aborde la puberté, en admiration devant sa soeur aînée, est un complice bienveillant, aussi tout se présente-t-il sous les meilleurs auspices à l'aurore de ces dix-sept printemps pour une adolescente fondue dans le moule de la jeunesse contemporaine. Le film commence alors que s'achèvent les vacances d'été. La jeune fille s'est liée d'amitié estivale avec un allemand et un soir, sur la plage, après une virée dans les boîtes de nuit de la station,  perd dans ses bras sa virginité de la façon la plus décevante qui soit.

 

Est-ce cette déception qui va l'inciter, dès son retour à Paris et la reprise de ses études de lycéenne, à se prostituer avec des hommes qui tous ont l'âge d'être son père, voire même son grand-père, on ne le saura jamais vraiment ? Ce sera le cas de Georges, le premier d'entre eux, un homme  de plus de soixante ans, qui la reçoit dans la suite d'un grand hôtel et, attendri par sa jeunesse et sa beauté, se révélera un client délicat et presque tendre et mourra lors d'une étreinte, son coeur fragile n'ayant pas résisté à ces assauts extra-conjugaux. Démasquée par la police, Isabelle, qui se faisait appeler Léa par sa clientèle, va devoir affronter sa mère et rendre des comptes. Et, c'est sans doute à ce moment-là que le film prend son ampleur. Oui, pour quelles raisons cette jeune fille de bonne famille, élève au lycée Henri IV, qui pourrait prétendre à un brillant avenir, est-elle habitée par une si tenace mélancolie et transgresse-t-elle tous les tabous apparemment sans désir et sans souci d'argent, puisque celui gagné, elle ne le dépensera même pas ? Il semble que François Ozon nous invite, grâce à un canevas assez lâche, à composer notre propre scénario à partir du sien, à nous livrer aux suppositions que suscite immanquablement son personnage admirablement campé par la mystérieuse et hypnotisante Marine Vacth, dont on ne connaîtra jamais la motivation profonde, sinon celle d'exercer sur des êtres qu'elle méprise un pouvoir éphémère. 

 

C'est ce côté éphémère, insaisissable, transgressif qui donne à l'opus une fascination particulière, malgré la faiblesse des dialogues, l'inconsistance des protagonistes et certaines scènes inutilement racoleuses. Mais rarement l'imagerie d'Ozon - qui n'est certes pas un de mes cinéastes préférés -  n'a été plus affinée, précise et poétique au fil des saisons et des chansons qui mêlent le passé et le présent et que murmure, de sa voix éternellement nostalgique, Françoise Hardy. Bien que le réalisateur ne célèbre ici que les plus basses réalités - celles du sexe et de l'argent, du vice et de l'oisiveté - il émane de "Jeune et jolie" une sorte d'incandescence que l'on doit en grande partie à la façon douce et inspirée dont Ozon filme son héroïne. Cette dernière, qui ne quitte pas l'écran, s'y profile étonnement par son absence psychologique, par ce regard tourné vers l'intérieur d'elle-même, ne cédant jamais à ses émotions, déesse d'une jeunesse sacrifiée sur l'autel des illusions perdues. Je ne suis pas "mauvaise", dit-elle à une amie de sa mère. Et, en effet, elle a raison, c'est le monde qui l'est... Aussi, est-ce sa part la moins incarnée qui nous retient le plus.

 

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7 juillet 2013 7 07 /07 /juillet /2013 08:41

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Le film commence par la découverte d'une photo jaunie que  deux sœurs exhument d’une boîte à souvenirs à la mort de leur mère ( Mélanie Thierry ). Sur le cliché figure un oncle mystérieux qui va bientôt amener Anne (Sylvie Testud) à s'interroger sur la véritable identité de son père ( Benoît Magimel ). Est-ce celui adoré, qui fut un petit patron sans éclat, ou bien cet aventurier héroïque (Nicolas Duvauchelle), tueur de nazis, qui vécut un temps avec ses parents avant de se brouiller avec eux pour d'obscures raisons ? Anne va dès lors enquêter en revenant à Lyon où elle a passé une partie de son enfance, de même que Diane y vécut sa jeunesse. Aussi, cette dernière brouille-t-elle volontairement les pistes afin de mélanger fiction et autobiographie. Le résultat ? Une autofiction brodée autour de l'histoire familiale qui alterne flash-back et retours au présent, tout en couvrant plus de quarante ans de vie politique. Situé en 1947, au moment où le parti communiste compte le plus de partisans, Pour une femme se conclut dans les années 80 avec l'avènement de François Mitterrand.

 

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La première scène ouvre cette remontée du temps qu’Anne va entreprendre afin de connaître la vérité sur sa naissance. Cette photo de sa mère avec sa sœur et un étranger  sera le déclic qui va non seulement éveiller sa curiosité mais ouvrir la piste qui lui révèlera, au fil de ses découvertes, ce secret familial : l’amour éperdu de sa mère pour son beau-frère Jean avec qui elle ne connaîtra qu’une rapide étreinte alors que celui-ci s’apprête à quitter la France pour toujours. Ce maillage romanesque donne au film sa résonnance sensible, mais l’intérêt de celui-ci réside principalement dans la reconstitution des années d’après-guerre marquées par l’importance croissante du parti communiste au cœur de la vie politique. Non sans humour, la cinéaste nous montre l’aveuglement de ces hommes et femmes qui croyaient pouvoir changer la société en adhérant  à cette idéologie marxiste qui n’était autre que la robotisation de l’humanité au prix d’affreux compromis, et qui n’en démordront pas, même lorsque la vérité éclatera sans concession.  D’ailleurs l’un des protagonistes du film aura cette phrase : « le totalitarisme n’a fait que changer de moustache ». Cet homme plus éclairé n’est autre que Jean qui a vu de ses yeux évoluer la Russie soviétique et  tente désespérément de  raisonner son frère, de le déciller, en vain. Ce dernier mourra communiste, si bien que ses filles, dans un dernier geste de tendresse et d’amour filial, lui glisseront à l’oreille que l’on a reconstruit le mur de Berlin.

 

Les acteurs sont tous très convaincants, rôles principaux et secondaires à égalité. Les silhouettes se détachent bien, la reconstitution de l’époque replonge dans une ville de Lyon des années 50 avec ses quartiers populaires, ses fêtes, ses boutiques, le début du confort domestique et le charme désuet des intérieurs ou de la mode féminine. Léna, la mère d’Anne, est interprétée par une Mélanie Thierry délicieuse de fraîcheur et de naturel qui éclaire ce film par sa grâce face aux deux hommes de sa vie, Michel, celui qui l’a sauvée du camp de la mort en Allemagne en la faisant passer pour sa fiancée et qui l'épousera ensuite, et Jean, le beau-frère, qu’elle aime en secret parce qu’il représente l’aventure, une forme de justice implacable pour ces juifs émigrés qui ont tant soufferts. N'oublions pas Sylvie Testud qui est une Anne toute en finesse, aux prises avec un passé qui ne cesse de l'habiter. Un seul bémol pour une fin un peu longuette où Magimel peine à nous convaincre du passage des ans, mais c'est là une faiblesse qui ne nuit pas vraiment à l'ensemble. Diane Kurys, avec ce nouvel opus, nous offre une reconstitution passionnante et prouve qu’elle tient désormais une place importante dans l’univers du 7e Art après "Diabolo menthe" et "Coup de foudre".

 

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2 juillet 2013 2 02 /07 /juillet /2013 08:40
LES BEAUX JOURS de MARION VERNOUX
LES BEAUX JOURS de MARION VERNOUX

 

             

Poussée un peu tôt vers la retraite, Caroline (Fanny Ardant, blonde pour la circonstance) se voit offrir par ses filles un abonnement à un club d'activités pour personnes du troisième âge. L’intention est bonne mais le cadeau n'est pas du goût de cette bourgeoise très digne, égocentrique et précieuse. Offusquée par la familiarité de la prof de théâtre, elle part en claquant la porte, pour ne jamais revenir, pense-t-elle. C'est compter sans Julien (Laurent Lafitte), le prof d'informatique qui, prétextant une rage de dents, se lance dans un numéro de charme qui terminera le jour-même à l'horizontale dans sa voiture.

 

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Bâti sur un scénario très mince, Marion Vernoux nous présente un film sans saveur, ni odeur, qui se contente d’accumuler les poncifs et de nous faire assister à un numéro d’actrice, Fanny Ardant en l’occurrence, d’une affligeante mièvrerie et trivialité. Je ne comprends pas comment une actrice, qui a  eu la chance d’avoir de beaux rôles au cinéma comme au théâtre, ait pu accepter celui-ci où elle minaude pendant 1 heure 30 sans nous convaincre un instant de la réalité de son personnage. Pas une phrase, pas une image où ne transpirent quelque sincérité, quelque émotion ; nous sommes là dans une fiction sans intérêt, mal filmée en dehors de quelques belles photos de mer et de plage, sans conviction, sans pertinence, où les acteurs ne parviennent à nous assurer que d’une chose : le cinéma est pire que le roman lorsqu’il est mauvais, car au dialogue s’ajoutent les images qui dévident leur accablante pauvreté. Un film que l’on oublie dès la sortie et qui ne réussit qu'à vous agacer les nerfs par sa vacuité. 

 

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LES BEAUX JOURS de MARION VERNOUX
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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


Charlie Chaplin

 

"Innover, c'est aller de l'avant sans abandonner le passé."

 

Stanley Kubrick

 

 

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