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17 février 2013 7 17 /02 /février /2013 09:46

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Voilà un film qui respire la bonne santé, de ces comédies bien ficelées, bien argumentées avec des dialogues qui font mouches et des interprètes très attachants menés par un Gérard Lanvin au sommet de sa forme, et qu'on ne regrette pas d'avoir vu pour la simple raison qu'il ne nous inflige pas une seconde d'ennui et  n'est pas sans rappeler avec bonheur les comédies aigres-douces d'un Claude Sautet. Oui, c'est sain, probe, sympathique, sans prétention excessive, sinon celle de nous raconter une belle histoire d'amitié entre trois hommes qui, au final, ne partagent pas grand chose, sinon le plaisir de se retrouver, de partager une table bien garnie et des vins gouleyants aussi légers et agréables que l'opus qui nous est servi. Oui, un film qui vous met de bonne humeur, ne révolutionnera certes pas le 7e Art mais a le mérite de ne céder ni à la vulgarité, ni aux clichés racoleurs et vous délivre une bonne dose  de sincérité et de tendresse, ce qui n'est déjà pas si mal. Dommage que le titre soit convenu et aussi plat, ce qui explique que j'ai mis trois semaines avant de me décider à entrer dans la salle, oui, regrettable que sur ce plan-là les réalisateurs n'aient pas eu davantage d'inspiration. Le film aurait gagné à avoir un titre plus explicite sur le sujet qu'il aborde, soit la variation des humeurs, la pudeur des émotions, la difficulté des rapports humains, les aléas de l'amitié, enfin les heures de grâce et de disgrâce des sentiments. A part cette maladresse  et une mise en scène trop conventionnelle, le film est une agréable bonne surprise.

 

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Les réalisateurs Stéphane Archinard et François Prévôt-Leygonie ont tout simplement porté à l'écran la pièce de leur composition qui avait, voici une dizaine d'années, recueilli un vif succès sur la scène et qui, transposée sur pellicule, n'a rien perdu de sa saveur, surtout qu'elle bénéficie d'une interprétation  de tout premier ordre avec un Gérard Lanvin en père poule divorcé particulièrement savoureux, fort en gueule et grand coeur aux prises avec les pieux mensonges de son entourage et dont les bons sentiments et les convictions sont mises à mal ; un Jean-Hugues Anglade, écrivain en panne d'inspiration qui va la retrouver en tombant amoureux de la fille de son meilleur ami, enfin un Wladimir Yourdannof libraire qui se replonge dans la politique à la faveur des législatives pour assouvir une vengeance sentimentale, enfin Ana Girardot séduisante jeune  fille trop couvée par un père tendre et tyrannique qui, à la veille de son grand oral de normal-sup, découvre qu'elle est éprise d'un quinquagénaire qui a pour autre inconvénient majeur d'être un ami de trente ans de son père. Ces personnages vont nous entraîner dans un plaisant marivaudage viril ou, plus que l'amour, c'est l'amitié qui brise les coeurs et ouvre les esprits. Tout cela est bien conduit  grâce à un scénario solide, des dialogues cousus main et tellement naturels dans la bouche des acteurs qu'on a l'impression qu'ils improvisent. Un travail très honnête qui semble avoir conquis un large public avec des moments touchants, des tendresses inattendues, quelques envolées à l'intention d'une gauche caviar volontiers moralisatrice, quelques lieux communs bien sûr mais qui ne parviennent pas à ternir un film d'excellente facture. Et cerise sur le gâteau, "Amitiés sincères " n'est pas sans évoquer les années 70-80 où il n'y avait pas de honte à avoir des principes, des convictions, un certain respect de l'ordre établi, un clin d'oeil que j'ai apprécié. Le film se donne encore, je vous le conseille, surtout si ces temps-ci vous avez l'humeur chagrine.

 

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17 janvier 2013 4 17 /01 /janvier /2013 09:43
ALCESTE A BICYCLETTE de PHILIPPE LE GUAY

 


Gautier Valence ( Lambert Wilson ) débarque à l'île de Ré avec une idée en tête : retrouver son viel ami Serge Tanneur ( Fabrice Luchini ), retiré depuis plusieurs années dans l'île loin des vanités du monde, pour lui proposer de remonter sur scène à ses côtés dans une pièce de Molière : le Misanthrope. Le fringant quinquagénaire a très envie de se parer des plumes du paon en quittant son emploi d'acteur de téléfilm afin d'endoser celui autrement gratifiant d'acteur de théâtre en présence de Serge Tanneur, un comédien qui, jadis, a fait vibrer les salles.

 

Entre les deux hommes s'engage une véritable parade nuptiale de façon à choisir qui jouera Alceste et qui Philinte et lequel l'emportera, de celui jamais las des honneurs ou de celui qui a choisi de vivre en ermite et, ce, au long d'une compétition où les susceptibilités se frottent et s'usent comme des galets. Bien sûr, je ne révélerai pas la suite, mais je ne peux que vous encourager à aller voir cet opus où, pendant près de deux heures, vous serez bercé par la musicalité des alexandrins du divin Molière, récité ou clamé avec panache, malice, colère, par ces deux acteurs dont la rivalité permanente ne fait que pimenter les scènes.

 

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Luchini excelle dans ce film qu'il a inspiré à Le Guay et où il ne peut manquer de faire usage des nuances subtiles de son registre personnel, celui d'un surdoué amoureux du beau langage et des belles lettres. Alceste à ses heures face à un Lambert Wilson superbe avec lequel le duo, ou plutôt le duel à fleurets mouchetés, prend son rythme et son ampleur :  Wilson fat, consensuel et fielleux, Luchini acariâtre, professoral et blessé. Les mots crépitent, les phrases fusent, celles d'un beau langage où la seule chose à éviter est la faute de goût. Spectacle intelligent, bien mené, où le décor de l'île avec ses étangs, ses lumières automnales, ses glacis sur la mer joue le troisième personnage, un personnage avec lequel on ne triche pas malgré les vicissitudes de la vie, la jalousie, les notoriétés illusoires. Ainsi la vraie vie fait-elle sans cesse irruption comme cette belle italienne interprétée par Maya Sansa qui réveille des désirs assoupis chez nos protagonistes. Oui, un film sur l'art de se méprendre de soi et des autres, sur les rôles que nous nous attribuons souvent à tort, car Alceste n'est peut être pas celui qu'on croit, pas davantage que Philinte d'ailleurs, et c'est là que le film joue tout en finesse entre un histrion en constante représentation et un égotiste qui en veut au monde entier et principalement à lui-même. Ce n'est pas ici le jeu de l'amour et du hasard mais de la lucidité et de l'incertitude. Un régal.

 

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16 octobre 2012 2 16 /10 /octobre /2012 11:19

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Antoine d’Anthac, célèbre auteur dramatique, convoque par-delà sa mort, tous les amis qui ont interprété sa pièce "Eurydice". Ces comédiens ont pour mission de visionner une captation de cette œuvre par une jeune troupe, la compagnie de la Colombe. L’amour, la vie, la mort, l’amour après la mort ont-ils encore leur place sur une scène de théâtre ? Ce sera à eux d’en décider. Entre réalité et fiction, le partage ne sera pas simple...et l'art seul sortira vainqueur des coulisses de la vie.

 

Alors que bien des films actuels sont décevants et manquent cruellement d'imagination, un magicien nonagénaire dépoussière le 7e art pour le faire sortir, le temps d'une projection, de ses rails trop bien balisés et nous entraîner dans une vision où l'art de la parole et de l'image est appelé devant les instances du jugement ( celui des spectateurs bien entendu ) à reprendre vie et à réactualiser le passé. Car c'est à nous, en dernier ressort, d'entrer dans le jeu de la pièce et des acteurs et, par delà la forme proposée, de nous immiscer à l'invitation du Destin ( interprété par Almaric ) à forger le nôtre. Emprunté à l'Eurydice et à Cher Antoine ou l'amour raté, pièces de Jean Anouilh que le scénario a compilées, nous plongeons au coeur du mythe, en même temps que dans l'envers du décor où 13 acteurs revivent la pièce qu'ils ont interprétée à tour de rôle et la réaniment de manière à ce qu'elle entre en éternité comme l'amour qu'elle est sensée  perpétrer. Deux couples vont, sous l'impulsion de cette captation qui leur est projetée, donner  existence au passé, le leur et celui de la pièce. Tout est dans la version cérébrale mais combien captivante de Resnais qui se plaît à jouer sur les décalages d'âge et de décor, les inflexions de chacun des interprètes, le jeu des couleurs et des champs, dont la profondeur n'appartient qu'au 7e Art. 

 

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Pour ce faire, le cinéaste a souhaité que ses interprètes improvisent au fur et à mesure des scènes, de façon à garder au film son authenticité expérimentale par rapport au théâtre, auquel le cinéma rend ici hommage.  Tous sont merveilleux de sensibilité et on ne saurait assez vanter le talent des deux Eurydice Sabine Azéma ( malgré ses cheveux rouges ) et Anne Consigny et des deux Orphée Pierre Arditi et Lambert Wilson. L'hommage du cinéaste s'adresse également à eux qui ont formé, au long de sa carrière, sa troupe de choc. Ainsi par ce jeu de poupées russes et de dialogues qui ne cessent de s'imbriquer les uns aux autres, Alain Resnais fait-il preuve de sa capacité à repenser l'art cinématographique et à rester, malgré son âge ou bien grâce à lui, aussi inventif et imprévisible. Ne fait-il pas de la vie notre enfer et de nos rêves notre rédemption ? Et l'amour et la mort ne sont-ils pas  invités à donner le ton et ne créent-ils pas de nouvelles voies esthétiques et artistiques sans revêtir pour autant un aspect morbide mais, a contrairio, en sommant le réalisateur de dépasser les lignes trop exiguës du réel ?

 

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Depuis Mélo et Smoking/Smoking, le cinéaste nous avait habitués à ce mélange des genres, mais avec Vous n'avez encore rien vu - titre qui ne correspond guère à l'opus - le mélange est plus audacieux  parce qu'il brasse dans des dialogues incisifs les deux pièces d'Anouilh, tout en leur conservant leur théâtralité, mais en les adaptant avec doigté au cinéma, cela grâce au jeu des acteurs qui ainsi se dédouane  du strict cadre de la scène et del'unité de temps. C'est donc le temps qui sort victorieux de son duo avec la mort, le temps qui inverse les perspectives et exhorte les comédiens à user avec subtilité des ressorts de la mémoire. Une réussite.

 

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Pour prendre connaissance de l'article consacré à Alain Resnais, cliquer sur son titre :

 

ALAIN RESNAIS OU UN CINEMA DE LA MEMOIRE 

 

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13 octobre 2012 6 13 /10 /octobre /2012 08:36

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C'est la rentrée des ­classes. Au lycée Gustave-Flaubert, le directeur de cet établissement pilote a décidé que tous les élèves porteraient le même uniforme au nom de l'équité démocratique. Professeur de français désabusé qui a passé tout l'été à lire Schopenhauer, Germain replonge sans conviction dans sa classe et donne un sujet de rédaction qu'il pense facile : raconter son week-end. Les pires ­banalités vont se succéder jusqu'à ce qu'il lise le texte d'un certain Claude Garcia (Ernst Umhauer) qui raconte s'être immiscé dans la maison de son copain Rapha. 


Pour qu'un film soit bon, comme un livre d'ailleurs, encore faut-il que le thème, l'enjeu soit susceptible de convaincre. Or, François Ozon, en charge d'y parvenir, s'empresse d'oublier le conseil que le professeur, interprété par Fabrice Lucchini,  prodigue à son élève  chez qui il devine un goût certain pour l'écriture et le récit- " faites en sorte de capter l'attention par un sujet fort, une action brillante, des propos accrocheurs " - alors même que son opus, sensé défendre cette cause, sombre très vite dans le bavardage stérile et la banalité la plus triviale. Ainsi Ozon a-t-il raté son but malgré la bonne volonté d'acteurs talentueux, tous prêts à l'y conduire. L'idée était bonne, excellente même puisque axée sur la transmission du savoir et l'éveil d'une vocation, encore fallait-il un scénario suffisamment crédible et rigoureux pour la développer avec subtilité et conviction. C'est raté.

 

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La raison en est que le sujet se dilue dans un amateurisme regrettable au point que Ozon ne nous sert là qu'un  film bâclé et maladroit. En assurant, bien en vain, que la réalité sert l'imaginaire ou vice versa, il nous démontre le contraire tant son imaginaire à lui tourne trop vite court. Il y avait pourtant à dire.

L'histoire de ce lycéen doué, remarqué par son professeur de français avec lequel s'établit un lien d'intérêt et de sympathie est si peu probante que l'on décroche dès les premières scènes. Tout d'abord parce que la famille qui inspire l'adolescent n'a rien d'inspirante  : comment trouver sur l'échelle sociale un couple et son fils unique dénués à ce point de saveur culturelle et humaine ? Il fallait pour que l'on adhère au sujet choisir une famille en mesure de subjuguer l'écrivain en herbe et justifier l'histoire qu'il se plaît à raconter jour après jour à son professeur au point de tenir celui-ci en haleine. Malheureusement il ne se passe rien, rien qui justifie la faute professionnelle que le maître va être amené à commettre sous l'effet de cette supposée fascination. Oui, cela est totalement illogique.

 

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A l'exception de quelques réparties drôles et quelques moments bien venus, la spectatrice que je suis est restée étrangère à cette démonstration dont le final est accablant. Dommage, les ingrédients étaient là qui pouvaient constituer un bon  scénario entre des mains plus expertes et chez un cinéaste mieux inspiré. Malgré des acteurs qui ne déméritent pas - surtout le jeune Ernst Umhauer - car l'excellent Lucchini semble s'être mis en retrait de son rôle, Dans la maison n'incite guère à s'y attarder. On est plutôt tenté de rester sur le seuil tellement rien de captivant ne s'y passe, aucune démonstration ou action exaltante nous y retient. Le seul exploit de François Ozon est de parvenir à nous offrir un mauvais film avec de bons acteurs, ce qui était déjà le cas avec 8 femmes. Mais étant donné que ce cinéaste a la chance d'être "tendance" et a su mieux faire auparavant, il ne manquera probablement pas de laudateurs.

 

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1 octobre 2012 1 01 /10 /octobre /2012 09:02
LES SAVEURS DU PALAIS de Christian VINCENT

 


Hortense Laborie est une cuisinière réputée qui vit dans le Périgord. A sa grande surprise, le Président de la République la nomme responsable de ses repas personnels au Palais de l'Élysée. Malgré les jalousies des chefs de la cuisine centrale, Hortense s’impose grâce à son caractère bien trempé et à sa compétence. L’authenticité de sa cuisine séduira rapidement le Président, mais dans les coulisses du pouvoir, les obstacles sont nombreux et la vie épuisante. Si bien qu'elle sera amenée à donner sa démission et à aller en tant que simple cantinière se reconstruire ailleurs ...

 

Foie de canard en gelée et son pain de maïs, nougatine aux pistaches, saumon au chou coiffé de carottes avec leurs fanes, Les saveurs du palais est un film poétique et savoureux sur l'émotion et l'art culinaire quand ce dernier touche à l'excellence. Porté par une Catherine Frot parfaite en reine des fourneaux, le film nous fait entrer dans les cuisines de la République avec ses rivalités, ses luttes intestines,  ses agitations et ses frivolités et nous découvre un univers macho où les privilèges du pouvoir sont tout simplement exorbitants. Le Nouveau régime n'ayant rien à envier à l'Ancien !  Mais le film du fin connaisseur en gastronomie qu'est Christian Vincent ( réalisateur de La discrète ) ne s'arrête pas là. Il brosse d'abord et avant tout le portrait d'une femme, inspiré de la vie de Danièle Delpeuch, que rien ne préparait à occuper un tel poste - où elle s'usera d'ailleurs, au point de le quitter - et évoque à travers une série de flash-bach son expérience unique mais amère qui l'obligera ensuite à s'exiler sur la base scientifique Albert-Faure en pleine région arctique, afin de reprendre ses esprits et retrouver son équilibre, car tout ce qui touche au pouvoir épuise et abîme.

 

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Provinciale en diable face à un Président en majesté qui semble l'être de coeur tout autant qu'elle, Hortense Laborie nous convie à apprécier gourmandement l'art culinaire à la française, riche de produits d'une qualité hors pair, truffes, cèpes, foie gras, dont la seule évocation est un exercice de style dans la bouche de la cuisinière et du président ( dont on regrette que les dialogues ne soient pas plus nombreux et étoffés ), deux amateurs éclairés du pur plaisir sensoriel lorsque celui-ci se transforme en art de vivre.

 

Dans le rôle de président Mitterand, Jean d'Ormesson est sans nul doute la surprise de ce long métrage réussi et délicieusement gourmet. Il incarne le personnage qu'il a souvent combattu sans affeterie inutile et avec ce qu'il faut de retenue et de solennité. Quant à Catherine Frot, elle retrouve avec ce morceau de choix une interprétation à sa mesure. Elle est légère, lumineuse, juste, et se révèle une fois encore notre meilleure actrice française, à la hauteur de la cuisine qu'elle incarne. Rien que pour elle, je serais allée voir le film. Un moment à goûter et à savourer, seul ou en famille. Encore un bon cru 2012.

 

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 CATHERINE FROT

 

 

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LES SAVEURS DU PALAIS de Christian VINCENT
LES SAVEURS DU PALAIS de Christian VINCENTLES SAVEURS DU PALAIS de Christian VINCENT
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27 juillet 2012 5 27 /07 /juillet /2012 08:54

 L-affiche-du-film-de-la-semaine-Bowling_portrait_w674.jpg    

 

   

Ce sera, à n'en pas douter, un des succès de l'été : 700 000 entrées minimum, le million si l'été est pourri dans le Finistère et alentour. Bowling emprunte aux Ch'tis son caractère régionaliste, son hyper-localisation : Carhaix, patrie des Vieilles Charrues. Mais qui est donc l'auteur, cette Marie-Castille Mention-Schaar ?  Une ancienne productrice passée à la réalisation et qui est l'unique cinéaste français(e ) à avoir sorti deux films cette année :  - Ma première fois - qui était aussi la sienne - en janvier et, bien entendu,  Bowling en juillet. Ce n'est pas lui faire offense de dire que Bowling, co-écrit avec un autre ex-producteur, Jean-Marie Duprez, est d'abord un coup de production. Un soupçon de comédie sociale à l'anglaise et  le récit de l'épanouissement tardif d'une bourgeoise parisienne (Catherine Frot en DRH délaissée par son odieux époux) ; en quelque sorte la province contre la capitale avec dialogues en breton et deux vedettes qu'on ne taxera pas de parisianisme abusif : Mathilde Seigner et Catherine Frot.

 

Le scénario a certes été bâclé à la hâte et la mise en images n'est guère inspirée. Si ce n'est pas tout à fait un nanar, c'est, en tous les cas, un symptôme : le nouveau cinéma moyen français bien budgeté qui n'a d'autre mission que de divertir. Et il y parvient, parce que l'histoire a un bon goût d'humanisme tout terrain et que les actrices se donnent un mal fou pour tirer vers le haut une bluette sociale pleine de bons sentiments et de maladresses cinématographiques. Que les jeunes cinéastes aillent voir ailleurs, ce n'est pas ici qu'ils trouveront des idées et des innovations, un style et du panache. Mais c'est tout plein gentil, on ne s'ennuie pas vraiment, et je le répète les quatre rôles principaux sont tenus par des personnes charismatiques, Catherine Frot arriverait à me faire sourire ou à me toucher en me racontant l'accouchement de sa soeur et on connait la présence d'une Mathilde Seigner qui, dans le personnage d'une sage-femme au fort caractère, n'a pas même besoin d'en rajouter : un froncement de sourcil, un sourire, tout est dit.

 

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Que je vous raconte néanmoins l'histoire puisqu'il y en a une et qu'elle est même tirée d'un fait divers : la maternité de l'hôpital de Carhaix, au coeur de la Bretagne, est en péril. Si bien que lorsque la DRH chargée de restructurer les services débarque dans la petite ville, elle est accueillie comme un chien au milieu d'un jeu de quille. Et ce n'est pas là un jeu de mots puisque le sport local n'est autre, en effet,  que le bowling. Malgré l'hostilité ambiante, Catherine la parisienne va découvrir les charmes de la vie provinciale. Elle, qui est cruellement privée d'affection conjugale auprès d'un mari collectionneur qui n'a d'yeux que pour ses statues en ferronnerie et en plâtre, va parvenir à s'intégrer à son nouvel environnement en se familiarisant avec le bowling, loisir qui passionne ses collègues et, ce, d'autant plus que les compétitions entre villes bretonnes approchent. N'est-ce pas le meilleur moyen pour Carhaix d'attirer l'attention de la presse locale et de faire parler d'elle et la façon la plus astucieuse  pour Catherine de se faire accepter de son entourage ?  Si bien que l'esprit d'équipe qui unit  les quatre femmes sur les pistes va également les réunir dans la lutte qu'elles entendent mener pour sauver la maternité. Tout cela est extrêmement sympathique, plein d'énergie et de bonne humeur, il y a même quelques jolis paysages de Bretagne qui défilent sur l'écran et le quatuor est irrésistible, en connivence parfaite avec les personnages représentés qui,  sans nul doute, ont été écrits sur mesure pour elles au point de juger inutile de changer les prénoms. Au final - et afin que la philosophie ait toujours le dernier mot -  il arrive que de simples quilles, une fois unies, renversent les montagnes.  A bon entendeur salut, nous sommes en plein positif...

 

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27 juin 2012 3 27 /06 /juin /2012 10:22

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Troisième film du très doué François Truffaut après Les quatre cents coups et Tirez sur le pianiste, Jules et Jim, sorti en 1962, est une fantaisie dramatique d'une grande poésie qui va installer définitivement son auteur sur les plus hautes marches du 7e Art français. Inspiré du roman de  Henri-Pierre Roché, qui mourra avant d'avoir pu assister à la projection du film, il est aujourd'hui de nouveau dans les salles en une version restaurée en haute définition par MK2, à l'occasion de son cinquantième anniversaire, ce qui va ravir les cinéphiles
 peu gâtés par les productions actuelles

 

 L'histoire est la suivante :

 

Jules et Jim sont deux personnages très proches au début du film, leur relation fait même naître certaines rumeurs dans Paris, toutefois lorsqu'ils partent en vacances avec Catherine ( Jeanne Moreau ) les deux personnages deviennent distants et leur amitié cède place au trio, tous deux tombant amoureux de la jeune femme. Il existe une part de fatalité dans la première moitié de ce long métrage, lorsque Jules avertit Jim que Catherine sera sa femme et qu'en conséquence il ne doit pas tenter de la séduire ; le spectateur prend alors conscience de l'aspect tragique du film. S'ensuit une période trouble durant la Première Guerre mondiale où Catherine prend des amants et s'éloigne de ses amis hantés par la peur que l'un tue l'autre au combat. Après l'armistice, la complicité entre Jim et Catherine devient croissante, ils aspirent même à avoir un enfant, d'autant plus que le couple qu'ils forment ne dérange pas Jules, celui-ci promettant d'aimer Catherine quoi qu'il advienne. La fougue amoureuse liant les deux amants va toutefois s'estomper progressivement et laisser place à un climat tendu. Catherine menace de tuer Jim. Le pire ne pourra être évité : elle se donnera la mort avec celui-ci en empruntant un pont détruit au volant de sa nouvelle automobile et en négligeant de freiner à l'extrêmité de la chaussée. L'auto chute à pic, ne donnant nullement l'impression de prendre son envol, ce qui rend cet instant encore plus pesant. Jules assiste impuissant à la catastrophe.

 

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Malgré la fin douloureuse et le climat souvent oppressant, il n'en reste pas moins vrai que ce film poétiquement farfelu reste une variation, une fantaisie sur les aléas de l'amour, la folie des sentiments et l'irresponsabilité affective, ce qui lui imprime cette allure irréelle, lunatique, capricieuse, passionnelle et, au final, bohème. A sa sortie en 1962,  Jules et Jim  fut curieusement reçu par un public sous le charme de cette improvisation géniale, de la musique délicieuse, de l'interprétation remarquable des trois acteurs, Jeanne Moreau irrésistible de grâce et de naturel, Henri Serre et Oskar Werner très convaincants dans leur duo d'amitié que rien ne peut finalement détruire, mais choqué par ce ménage à trois qui s'accorde toutes les libertés et les audaces. C'est une sorte de folie extravagante qui coure tout au long de l'opus comme une ritournelle qui dispense ses accents nostalgiques et séduisants selon le rythme répétitif de la chanson interprétée avec talent par Jeanne Moreau.

Une réussite bien sûr et un ton, un style qui vont caractériser désormais l'oeuvre du réalisateur.  A voir et à revoir d'urgence.

 

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Pour consulter l'article consacré à François Truffaut, cliquer sur son titre : 

FRANCOIS TRUFFAUT OU LE CINEMA AU COEUR

 

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10 juin 2012 7 10 /06 /juin /2012 08:31

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A la suite d’une bagarre dans une boîte de nuit, le destin d’Ali croise celui de Stéphanie. Il la ramène chez elle et lui laisse son téléphone. Il est pauvre, elle est belle et pleine d’assurance. Tout les oppose. Stéphanie est dresseuse d’orques au Marineland. Lorsque l’un de ses spectacles tourne au drame, Stéphanie se retrouve bloquée à vie dans un fauteuil roulant : elle a perdu ses jambes et pas mal d’illusions. Il va l’aider simplement, sans compassion ni pitié ...  à revivre.

 

A partir de ce synopsis, qui ne rend nullement compte du  climat  du film, des personnages déglingués s'affrontent et tentent de s'en sortir, l'une de son grave accident professionnel, l'autre parce qu'il s'est fait virer de ses emplois successifs et se retrouve en errance avec son gamin de 5 ans. En conséquence, un sujet peu enthousiasmant s'il n'y avait, pour lui tenir la tête hors de l'eau, la présence de Marion Cotillard qui le porte sur ses épaules et me rappelle la Simone Signoret de "Les chemins de la haute ville". Voilà qu'elle me séduit à nouveau après m'avoir tellement déçue dans  Inception et quelques-unes de ses récentes apparitionet me rassure sur son potentiel dramatique et l'aisance qu'elle a à montrer les fêlures les plus intimes d'un personnage.

 

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Une fois de plus, Jacques Audiard, qui n'a guère l'humour de son père, ni sa fibre comique, se complaît dans un climat glauque, violent, qui ne nous prend pas aux tripes pour autant hélas ! mais nous laisse sur le carreau, malmené par des images chaotiques et brutales, des dialogues qui ne sortent guère de la banalité ordinaire. C'est déjà ce que l'actualité nous sert quotidiennement, alors dommage que le 7e Art ne fasse que de nous la resservir ...en pire. Car tout y est : l'amputation, la maltraitance, l'amour vache, la clandestinité, le chômage, les combats de rue, le sang, la peur, l'abandon, rien ne nous est épargné des noirceurs du monde et des hommes. Mais, je le répète, il y a Marion Cotillard, émouvante, les paupières lasses, la voix cassée, la détresse à l'état pur et l'enfant aux yeux si bleus, innocence submergée dans les eaux glacées d'un lac, scène poignante dans un paysage comme immobilisé sur son irréelle beauté. Pour le reste, une humanité à la dérive qui a bien du mal à nous toucher. A voir si on aime Marion Cotillard.

 

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27 avril 2012 5 27 /04 /avril /2012 10:04

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14 juillet 1789. À Versailles, tout ne bruisse que de ce qui vient de se passer à Paris. Pour Sidonie Laborde (Léa Seydoux ), cette agitation n’est qu’une occasion de montrer son attachement à la reine (Diane Kruger). Mais Marie-Antoinette n’a d’yeux que pour la belle princesse de Polignac (Virginie Ledoyen). Pourquoi Benoît Jacquot s’acharne-t-il à filmer la passion? Du moins le cadre sublime de Versailles, ici très finement photographié, lui donne-t-il l’occasion de belles images très au-dessus de son habituelle platitude. Pour le reste, rien de neuf : dans cette adaptation du roman de Chantal Thomas, c’est une fois encore l’Ancien Régime vu par le petit bout de la lorgnette – et par le biais de l’anachronisme: en juillet 1789, Marie-Antoinette n’était déjà plus cette femme frivole dominée par ses humeurs et préoccupée exclusivement de bagatelles – ici, sauver ses bijoux et protéger ses amours lesbiennes. Elle avait perdu quelques mois auparavant son fils aîné âgé de 8 ans et avait beaucoup de peine à s’en remettre. De ses quatre enfants, il ne lui restait que le petit dauphin qui mourra au Temple dans des conditions atroces et sa fille Madame Royale.

Un film qui m’a déçue car trop éloigné des réalités historiques et où je me suis ennuyée car il suggère sans rien raconter de profond et en usant d’artifices bien peu convaincants. Un très joli album à feuilleter pour la qualité évidente de la mise en scène. Rien de plus. Dommage ! Tout y était : les décors, les costumes, les éclairages, cela aurait pu être un chef-d’œuvre. Alors que l’on voit défiler une suite de séquences qui ne parviennent ni à subjuguer, ni à émouvoir.

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9 avril 2012 1 09 /04 /avril /2012 09:16

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Au cœur d'un huis clos situé quelque part en France dans les bureaux de la PJ une nuit de la Saint-Sylvestre, Jérôme Martineau, notaire, interprété par Michel Serrault, s’escrime contre l’inspecteur Gallien (Lino Ventura). Appelé à témoigner sur le viol et l’assassinat de deux fillettes, le notable cynique et sans histoires se transforme en suspect numéro un.



L’enquête en elle-même, dont on peut critiquer le dénouement un peu parachuté des cinq dernières minutes, n’est en fait qu’un formidable alibi pour visiter les arrières-cuisines d’une petite bourgeoisie de province dévorée par sa médiocrité, sa mesquinerie et son vide humain. Une société que mai soixante-huit n’a pas changée d’un poil : les mêmes sauteries mondaines ankylosées par les mêmes conventions, la même génération de garces bien élevées paradant aux bras des mêmes bons partis  qui les gavent de fourrures véritables et de séjours à Ibiza.

 

Cependant, tandis qu’un Claude Chabrol aurait sans doute montré cela avec une acidité cruelle, Miller filme simplement l’humiliation de Jérôme Martineau tandis qu’Audiard le fait parler, sous la lumière blanche de l’investigation policière. Le hiatus langagier et psychologique qui opposent Martineau et Gallien, chacun « poursuivant son histoire », porte le film à un niveau exceptionnel de tension, triple palier qui peint à la fois une affaire criminelle, une société viciée et le cœur d’un homme anéanti par le désenchantement conjugal.



Face à face de deux acteurs prodigieux dans un registre à l'opposé l'un de l'autre, ce film est un formidable suspense qui tient en haleine le spectateur par la qualité des dialogues d'Audiard particulièrement ciselés pour l'occasion,  la tension permanente que l'évolution du scénario fait peser sur ce présumé coupable, d'autant que sa femme, interprétée avec sensibilité par Romy Schneider, ne fait que noircir le tableau et conforter l'inspecteur dans la piste de la pédophilie. Tout concoure en effet à accuser cet homme qui, impudent, provocateur et désabusé, ne fait rien pour sauver sa peau. Son couple n'ayant plus d'issue, sa vie étant un immense gâchis, il s'accuse des deux meurtres pour en finir définitivement, suicide programmé en quelque sorte. On ne dira jamais à quel point Michel Serrault, qui recevra pour ce rôle un second César, est admirable et méritait le compliment d'Audiard d'être le meilleur acteur du monde. D'autant qu'il a fort à faire avec Ventura dont la présence puissante ne se relâche à aucun moment. Tous deux tissent une toile inéluctable où la respectabilité s'enlise à tout jamais, où le discernement ait mis à rude épreuve, où les vêtements peuvent être interchangeables selon les méandres d'une actualité que l'on ne maîtrise plus. Discrète et toute de retenue, Romy Schneider fait une apparition qui force l'admiration par sa densité douloureuse, sa désillusion amère et revancharde, par ce quelque chose d'à jamais perdu ou gaspillé, tandis que Guy Marchand méritait bien son César du meilleur second rôle dans celui du scribe un peu trop réactif qui s'immisce de façon brutale et maladroite dans cette garde à vue. Un film que l'on ne peut oublier avec sa musique lancinante, son décor d'une banalité décourageante et la pluie qui ne cesse de faire miroiter les vitres comme si la fin d'un jour, la fin d'un monde s'était tout à coup réfugié entre les murs poussiéreux de cette PJ.

 

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  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


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