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2 mars 2021 2 02 /03 /mars /2021 18:04
DANIEL DAY-LEWIS - PORTRAIT

 

Daniel Day-Lewis est entré dans le livre des records en obtenant pour son rôle dans Lincoln un troisième Oscar. Ce n'est pas tout à fait un hasard quand on sait le perfectionnisme qui le caractérise et le peu d'apparition qu'il s'autorise sur les écrans, de façon à mieux s'immerger dans ses personnages et à ne les choisir qu'avec circonspection. Cet acteur à l'abord difficile, peu enclin aux épanchements, fuyant les shows médiatiques, né à Londres en avril 1957, est d'origine irlando-britannique et réputé comme le comédien le plus sélectif qui soit, avec seulement cinq films à son actif entre 1998 et 2010. Chacune de ses apparitions le mobilise si intensément qu'il entreprend à chaque fois les recherches nécessaires et méticuleuses pour être en mesure de les incarner selon ses exigences. Ce fut le cas pour Lincoln, rôle qu'il refusa dans un premier temps, avant de l'accepter après avoir mûrement réfléchi à la façon d'entrer dans la peau de cet homme d'état, lisant tout ce qui le concerne, jusqu'au plus infime détail, ce qui a permis à un critique d'écrire : Day-Lewis ne joue pas Lincoln, il est Lincoln.

 

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Après une enfance chaotique, ses parents l'envoient dans un internat privé pour pallier à son indiscipline et c'est là qu'il découvrira les trois activités qui le captiveront le plus par la suite : le travail du bois, la pêche et le métier d'acteur, ce qui ne l'empêchera pas, après la mort de son père en 1972, d'être interné dans un hôpital psychiatrique à la suite d'une overdose médicamenteuse. Rentré dans le rang, et alors qu'il excelle déjà sur la scène du "National Youth Theatre", il choisit de devenir ébéniste, mais son manque d'expérience lui vaut d'être refusé à un stage d'apprenti. C'est alors que, très déçu, il emprunte la voie du théâtre après avoir vu Robert de Niro dans Taxi Driver  en 1976. Inscrit au "Bristol Old Vic", il en suit l'enseignement pendant trois ans qui seront suivis d'interprétations sur les scènes de Londres et de Bristol et intègre par la suite la troupe de la "Royal Shakespeare Company" pour des oeuvres comme Roméo et Juliette et Le songe d'une nuit d'été. Ce n'est qu'en 1987 qu'il endosse le rôle principal dans L'insoutenable légèreté des choses  au côté de Juliette Binoche. Pour cela, il ira jusqu'à apprendre la langue tchèque et se refusera à quitter son personnage entre les prises de vue. C'est dire le souci maniaque qu'il entend consacrer à chacun de ses rôles. Désormais, il va alterner film et pièce, travaillera à l'adaptation de Hamlet, mais un malaise étrange, survenu au cours d'une répétition, l'éloigne à jamais du théâtre au profit du 7e Art.

 

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Il obtient son premier Oscar avec My left Foot  de Jim Sheridan en 1989, où il est le poète irlandais infirme Christy Brown et, pour s'imprégner de son personnage, passe des mois dans un fauteuil roulant afin d'avoir un aperçu réaliste de ce qu'avait été la vie de cet homme, surprenant  l'équipe du film par ses excentricités.

 

En 1992, trois ans après l'Oscar, il collabore pour la première fois à une réalisation du cinéaste Martin Scorsese, face à la ravissante Michelle Pfeiffer. Ce sera Le temps de l'innocence qui l'incitera à se promener pendant deux mois vêtu des costumes de l'aristocratie de l'époque avec haut de forme et chemise à jabot. Ensuite, il entreprend de jouer dans Au nom du père de Sheridan, rôle pour lequel il prend plusieurs kilos, suivi de La chasse aux sorcières, un opus  inspiré de la pièce Les sorcières de Salem, puis, de nouveau, avec Sheridan pour The Boxer, ce qui nécessitera de sa part un entrainement de plusieurs mois  à ce sport, avant de s'absenter cinq années durant en Italie, où il renoue avec son ancienne passion pour l'ébénisterie.

 

En 2003, au retour de son exil italien qu'il n'expliquera jamais, il tourne avec Scorsese le film historique Gangs of New-York. Il y campe un inquiétant Bill le boucher dans le New-York du XIXe siècle. Et poursuit avec The Will Be Blood  de Paul Thomas Anderson en 2007. Son interprétation hallucinée de ce personnage maléfique et sombre lui vaudra son second Oscar, auquel s'ajouteront le Golden Globe et le BAFTA et l'unanimité d'une critique enthousiaste. Ainsi rejoingnait-il, dans la cour d'honneur des acteurs les plus récompensés, les Brando et Nicholson. Aujourd'hui, couronné par un troisième Oscar, il reste néanmoins derrière Katherine Hepburn qui détenait 4 statuettes. Mais Daniel Day-Lewis n'a sans doute pas dit son dernier mot. Avec un acteur de cette envergure, nous ne sommes pas au bout de nos surprises.

 

Pour consulter la liste des articles de la rubrique ACTEURS DU 7e ART, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

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DANIEL DAY-LEWIS - PORTRAIT
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28 février 2021 7 28 /02 /février /2021 11:25
LE TEMPS DE L'INNOCENCE de MARTIN SCORSESE

     

Dans la lignée des très grands films dont  Martin Scorsese  reconnaît devoir des éléments d'inspiration et de réflexion, tels que Le Guépard, Senso ou Le portrait de Dorian Gray, Le Temps de l'innocence s'inspire d'une oeuvre littéraire, celle d'Edith Wharton, prix Pulitzer 1921 - dont le cinéaste va adopter fidèlement les thèmes, tout en proposant les siens propres, sans qu'il y ait une quelconque incompatibilité. On pouvait, à priori, être étonné de voir ce cinéaste s'égarer dans un film " à costumes ", dont on sait qu'ils ont en général mauvaise presse, mais Scorsese ne tombera dans aucun des pièges qui le guettaient : jeu théâtral des comédiens, ambiance convenue, dialogues emphatiques, il empoigne ces clichés pour n'en retenir aucun. Bien qu'il n'ait pas été facile d'adapter à l'écran ce roman-culte, le cinéaste d'origine italienne l'osera avec succès, franchissant les obstacles et signant là l'une de ses plus belles réalisations. 

 

Comme dans Les Affranchis et Casino, et à la manière d'un documentaire, il accompagne le déroulement de la pellicule d'une voix off (Joanne Woodward), qui donne au film un ton particulier et permet d'entrer plus aisément dans l'intimité des personnages. Le Temps de l'innocence (1993) est une fresque sensible sur une société en apparence paisible, mais qui s'avère être, derrière sa façade trompeuse, aussi perfide et cruelle que celle des mafieux que Scorcese nous présentait dans plusieurs de ses films précédents. Dans cette société américaine oubliée des années 1870, assez proche du monde proustien de La Recherche, les émotions, les sentiments se doivent d'être cachés, voire refoulés, comme le sont les amours insatisfaites et les désirs inavoués des deux héros du film. Ne nous y trompons pas ; sous ses dehors policés, Le Temps de l'innocence est une histoire violente, où quelques êtres isolés et en rupture s'opposent à la puissance d'une riche famille, selon  "un rituel tribal ", d'après les propres mots du cinéaste. " Si les victimes ne sont pas abattues d'un coup de pistolet, elles sont en revanche éliminées. La pire chose n'est pas la mort, mais l'éradication". Cette seule phrase explique le film et lui donne sens.  En effet, moins volontaire que les héros habituels de Scorcese, Newland Archer (Daniel Day-Lewissera vaincu par la force des traditions et des conventions qui est l'apanage de cette société new-yorkaise des dernières décennies du XIXe siècle. Il n'aura pas le courage de tout sacrifier à son amour pour la comtesse Ellen Olenska et l'homme vieilli, que nous voyons lors de la dernière scène, ne sera même pas assez résolu  pour rencontrer une dernière fois la femme qu'il a tant aimée...Curieusement, dans ce monde régi par les hommes, ce sont les femmes Ellen et May - la jeune fille que Newland finit par épouser - qui se révèlent être les véritables moteurs de l'intrigue, Newland subissant les événements davantage qu'il ne les provoque. S'il conteste les règles établies dans le privé, il n'ose s'insurger en public, par peur de se faire expulser.
 

 

L'histoire se déroule à New-York dans les années 1870. L'avocat Newland Archer doit épouser May, la fille d'une puissante famille, les Mingott, alors que de retour d'Europe, la belle comtesse Olenska, cousine de May, éveille chez lui une subite passion. La comtesse semble mener une vie assez libre, loin de son mari retenu en France, jusqu'à ce que celui-ci, craignant que son épouse ne finisse par demander le divorce, ne la rappelle à Paris. Redoutant le scandale, elle accepte, mais Newland vient chez elle pour lui avouer son amour et la supplier de rester. Parce qu'elle se refuse à blesser sa cousine fraîchement fiancée, Ellen décide de partir afin que le mariage ait lieu. Dix-huit mois plus tard, toujours obsédé par son souvenir, Archer apprend qu'elle se trouve en résidence à Boston. Il s'y rend et finalement lui et Ellen deviennent amants. Mais apprenant que May attend un heureux événement, Ellen va repartir en Europe rejoindre son mari. Des années plus tard, après la mort de May, Archer, âgé de cinquante-sept ans, accompagne son fils Ted en voyage d'affaires à Paris. Arrivé au bas de l'immeuble d'Ellen, et alors que plus rien ne s'oppose à leur rencontre, il prend la fuite, incapable de se retrouver confronté à une passion qu'il n'a ni su, ni pu assumer. 

 

Martin Scorsese a choisi de pousser à la perfection la reconstitution de la vie de l'époque et mis une attention pointilleuse à soigner les décors, les costumes, les objets, l'étiquette, en s'inspirant de la façon dont son maître Visconti avait usé avant lui. Michelle Pfeiffer déclara à ce propos : " J'ai appris que je ne pouvais pas toucher mon verre de vin blanc parce qu'il était frappé, mais, qu'en revanche, je pouvais caresser mon verre de vin rouge parce qu'il était chambré." 
Alors que le superviseur artistique Dante Ferretti cherche, tel un peintre, à donner une dominante aux décors et s'inspire des toiles de James Tissot, Scorsese veille à ne pas succomber sous le poids de l'exactitude historique et prend ses distances à bon escient. Ce, et en partie, grâce au montage audacieux de Thelma Schoonmaker qui saura apporter au  film une étincelante modernité, se refusant à des ralentis inopportuns et à toute complaisance esthétique.

 


Daniel Day-Lewis, en dandy brimé, se livre, quant à lui, à une époustouflante performance dans le rôle de l'avocat Newland Archer. D'une sensibilité à fleur de peau, il interprète l'un des personnages les plus complexes du cinéma de ces dernières années. A ses côtés, la délicieuse Michelle Pfeiffer - dont les toilettes s'accordent si bien à sa finesse et à sa grâce, qu'elle semble être née pour les porter - lui donne la réplique avec intelligence et sensibilité. C'est sûrement le rôle le plus intéressant qui lui ait été confié dans son encore jeune carrière. Rarement roman ne fut à l'origine d'un si beau film qui, comme Le Guépard,  ne se contente pas d'être une adaptation réussie, mais se veut une oeuvre à part entière. Et quelle oeuvre !
 


Pour lire les articles consacrés à Scorsese et Michelle Pfeiffer, cliquer sur leurs titres :


MARTIN SCORSESE - PORTRAIT            MICHELLE PFEIFFER - PORTRAIT

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN, cliquer sur le lien ci-dessous :
 


LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

 

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LE TEMPS DE L'INNOCENCE de MARTIN SCORSESE
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11 février 2021 4 11 /02 /février /2021 18:09
Mademoiselle de Jonquières d'Emmanuel Mouret

Je ne l'avais pas vu au moment de sa sortie en salles, aussi quel plaisir de le visionner hier soir sur Arte. Ce film est d'un bout à l'autre un enchantement de par son récit, ses propos ciselés qui nous immergent dans le siècle des lumières et assurent la musique des dialogues, enfin par l'élégance des images et le jeu des acteurs. Par ailleurs, la dialectique du langage ne cesse de jongler entre mensonge et vérité à travers des scènes où les résultats ne sont jamais assurés et qui pimente l'action sans faiblir.

Qu'en est-il de ce scénario où le bonheur amoureux chemine par des voies inattendues, travestissant sans cesse la vérité avec désinvolture et qui finira par s'épanouir après avoir traversé la lente maturation d'un sentiment enfoui ? La très jeune femme qui devait être l'instrument d'une vengeance sera, après maints détours, l'objet d'un sentiment enfin révélé à un partenaire volage. 

En effet, le marquis des Arcis (Edouard Baer) est un amant frivole qui a fini par gagner le coeur de la séduisante Madame de la Pommeraye (Cécile de France), mais qui se détournera d'elle très vite, repris par son goût des conquêtes excitantes et hâtives. Ainsi l'opus épouse-t-il le cours sinueux des sentiments et la lutte permanente qu'il suscite. Le siècle des Lumières (nous sommes dans un scénario inspiré par Diderot) offre, il est vrai, à ces joutes amoureuses le piment d'une langue subtile et précise, des jardins qui semblent sortis d'une toile de Watteau, une mode qui met en valeur la grâce féminine et dont le cinéaste sait tirer tous les profits, enfin la distance qui s'établit entre les paroles et les geste, ce que l'on pense et ce que l'on cache, en une dialectique de la vérité et du mensonge habilement dosée. 

Si bien que la joute amoureuse s'immerge ainsi dans un combat d'idées à travers les postures et les apparences qu'empruntent les personnages. Bien que le thème soit différent et s'achève mieux sur le plan sentimental, on retrouve le climat des "Liaisons dangereuses" et leur tournure sulfureuse mais, il y a  dans le film de Mouret, davantage de bienveillance. Pourquoi ? Parce qu'à travers une mise en orbite soignée d'amant volage, le marquis des Arcis devient, à la suite d'habiles manoeuvres, un homme véritablement épris, éperdu d'être éconduit par la ravissante jeune fille qu'il poursuit de ses assiduités (Alice Isaaz), ce qui l'ouvre enfin à la douleur d'aimer.  Le complot, ourdi par madame de la Pommeraye, ne parviendra pas à assurer sa vengeance, puisque celui-ci s'oriente vers une toute autre destination : celle d'un coeur frivole gagné par les réalités de l'amour.

 

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Cécile de France et Edouard Baer. La jeune Alice Isaaz dans le rôle de mademoiselle de Jonquières
Cécile de France et Edouard Baer. La jeune Alice Isaaz dans le rôle de mademoiselle de Jonquières

Cécile de France et Edouard Baer. La jeune Alice Isaaz dans le rôle de mademoiselle de Jonquières

Mademoiselle de Jonquières d'Emmanuel Mouret
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3 septembre 2020 4 03 /09 /septembre /2020 09:26
Sur le chemin de l'école de Pascal Plisson

 

« Sur le chemin de l’école » de Pascal Plisson est un film merveilleux par sa simplicité et la formidable leçon de courage qu’il propose avec pédagogie : cinq enfants de 9 à 12 ans dont l’itinéraire, pour rejoindre leurs écoles respectives, est un véritable parcours du combattant au travers de lieux désertiques et pauvres. Il y a Carlos et Micalea qui vivent sur les plateaux de Patagonie en Argentine, Samuel et ses deux frères en Inde, Jackson et sa sœur Salomé au fin fond de la savane kényane, enfin Zahira dans les montagnes du Haut-Atlas au Maroc. Chacun d’eux a cependant la chance d’aller à l’école. Mais à quel prix ! 15 kilomètres à pied à travers la brousse pour Jackson et sa sœur Salomé, 22 kilomètres pour Zahira et ses amies dans les montagnes, 18 kilomètres à cheval dans la lande pour Carlos et sa sœur Micalea. Enfin, Samuel, jeune paraplégique, est tiré et poussé sur son fauteuil roulant fait de bric et de broc par ses deux frères sur 4 kilomètres de chemins terreux, parsemés de ruisseaux. Alors pour quelles raisons vont-ils à l’école ? L’un pour devenir médecin et soigner les enfants paralysés comme lui, l’autre pour être pilote et survoler le monde, une troisième pour enseigner et permettre à tous les enfants du monde d’accéder au savoir, enfin un autre encore pour devenir vétérinaire. 

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Mais l’originalité du film consiste à nous faire partager le trajet de chacun de ces écoliers au coeur de paysages sauvages et la plupart du temps déserts. Comme si le trajet comptait autant, voire plus, que l’objectif final. Le réalisateur nous invite ainsi à nous rendre à la rencontre de ces enfants-marcheurs et nous convainc, par la même occasion, que le véritable apprentissage commence par la marche, que  l’important n’est peut-être pas l’école mais  de s’y rendre, tant il est vrai que l’on n’apprend que d’un effort, d’un cheminement avec d’autres, au sein d’une communauté. A contrario, on n’apprend moins en consultant son smartphone. Rimbaud écrivait : « Je suis un piéton, rien de plus. »  Dans le mot piéton ou mieux passager, il y a le symbole d’un lieu où l’on se rend, d’un désir vers lequel on tend, d’un choix que l’on aspire à réaliser. Il y a donc ce passage à effectuer pour devenir autre, pour grandir, apprendre et se réaliser, pour entrer dans le monde de la connaissance. Mais, avant l'étape du parcours, il y a certains rites à respecter : ainsi Jackson lave-t-il son uniforme dans un trou qu’il creuse dans le sable afin d’atteindre l’eau rare et précieuse ; Carlos se coiffe-t-il avec soin ; Zahira trimbale-t-elle une poule dans un sac qu’elle échangera au marché contre de la nourriture et Samuel enfile-t-il, avec l’aide de ses deux frères, sa chemise d’uniforme afin d’être présentable au moment d’entrer au collège, car la plupart de ces enfants portent un uniforme, une façon d’être tous semblables.

 

 

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Oui,  l’effort, la peur sont sans cesse présents, façonnant leur volonté, structurant leur mental : il faut à chacun de ces enfants vaincre et résister. Très tôt, ils sont mis en présence d’un monde qui n’est pas bienveillant et qu’ils devront leur vie durant surmonter. A aucun moment, nous ne les voyons faiblir, moins encore renoncer. La rivière, les éléphants, la cheville endolorie, la roue du fauteuil roulant qui ne tourne plus, à ces écueils ils trouvent des  solutions, souvent grâce à l’entraide des gens du pays. Ces petits écoliers sont une fierté pour eux, l’avenir en marche. Aussi rares sont ceux qui ne se montrent pas coopérants. Au bout de ces parcours difficiles que nous partageons avec eux, il y a l’école, les copains, le maître que l’on aime et respecte, les cours que l’on écoute avec une attention joyeuse et l’avenir dont on rêve. Le rêve existe encore pour ces enfants qui n’ont autour d’eux que des exemples simples mais solides : la famille, la nature dans sa beauté inchangée, la sérénité des cœurs simples. J’avoue que ce film m’a infiniment émue parce qu’il est comme un long poème, un retour aux sources, à la pureté des choses originelles. Certains penseront qu’il ne nous apprend rien, alors qu’il nous apprend tout, ne serait-ce qu’à poser un regard neuf sur ce qui nous entoure, à écouter la voix du monde quand elle chante aussi juste. 

 

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Sur le chemin de l'école de Pascal Plisson
Sur le chemin de l'école de Pascal Plisson
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8 août 2020 6 08 /08 /août /2020 09:26
Catherine Deneuve

Je dois avouer tout d'abord que Catherine Deneuve n'est pas mon actrice française préférée, mais je lui reconnais d'avoir su mener sa carrière avec beaucoup d'intelligence et d'avoir été, de par son élégance et sa beauté, une merveilleuse ambassadrice de la femme française à travers le monde. Je l'ai beaucoup aimée  dans "Benjamin ou les mémoires d'un puceau" et  "Peau d'âne"  où elle figurait la jeune femme idéale par sa blondeur et la délicatesse de ses traits. Plus tard, je l'ai appréciée dans les comédies musicales de Jacques Demy, sans doute parce que le savoir-faire du cinéaste était en mesure de révéler la grâce et le charme de l'actrice. Il lui a permis de nous toucher dans un registre empli de fantaisie, où nous ne l'attendions pas. Je l'ai aimée aussi dans des films forts comme "Le dernier métro" ou "Indochine" où elle imposait son personnage avec une véritable autorité.          


Ne disait-elle pas : " Je suis aussi d'une lucidité épouvantable, effrayante. (...) La lucidité, pour une actrice, c'est terrible. Parce qu'il faudrait pouvoir réellement s'isoler. Parce qu'il ne faudrait pas toujours sentir certaines choses. Parce qu'il ne faudrait pas toujours voir. Il y a des moments où l'on aurait besoin de se laisser entraîner par un certain élan mais cette lucidité le rend impossible. Elle paralyse, elle empêche la spontanéité. Les gens lucides ont souvent du mal à décoller. J'ai toujours ressenti l'exigence, l'anxiété... En revanche, j'ai l'impression que la lucidité s'aggrave avec le temps ".

 

Réservée, pudique, introvertie, Deneuve a toujours aimé travailler avec des metteurs en scène qu'elle connaissait, si bien que cette confiance réciproque la libérait de ses blocages. Si ce climat ne parvenait pas à s'établir, elle pouvait se refermer comme une huître. Ce fut le cas, à plusieurs reprises, avec le metteur en scène Luis Bunuel dont les rôles, qu'il lui imposait, ne correspondaient pas à sa nature profonde. D'ailleurs elle était si peu le personnage de "Belle de jour" que cet opus m'apparaît aujourd'hui assez ridicule. C'est sans doute cette part d'elle-même, jalousement préservée, qui lui confère une distance imperceptible, un non-dit non révélé, qui a séduit de nombreux réalisateurs. Avec elle- disent-ils - il y a toujours quelque chose qui reste secret et permet au public d'avoir de sa personne des approches multiples. C'était aussi le cas d'une actrice comme Grace Kelly.

            

Catherine Deneuve, de son vrai nom Catherine Dorléac, est née à Paris, le 22 octobre 1943, dans une famille de comédiens : son père était doubleur à la Paramount et sa grand-mère souffleuse à l'Odéon. C'est Roger Vadim, avec lequel elle vivra et aura un fils Christian, qui lui donne sa chance dans  "Le vice et la vertu",  mais ce sont, la même année, "Les Parapluies de Cherbourg" de Jacques Demy qui amorce réellement sa carrière. Elle y campe avec grâce une jeune fille amoureuse d'un soldat, contrainte d'en épouser un autre. L'année suivante, au côté de sa soeur Françoise Dorléac,  morte peu de temps après dans un accident de la route, "Les demoiselles de Rochefort" la propulse dans l'Olympe des acteurs qu'elle ne quittera plus, tant sa carrière sera menée de main de maître, avec un remarquable discernement. Après ces deux comédies charmantes, la jeune femme enchaîne avec  "Répulsion" de Roman Polanski, où elle interprète une tueuse schizophrène avant d'être dans  "Belle de jour"  ( 1966 ) de Bunuel, une femme mariée insatisfaite qui se prostitue à mi-temps. Selon moi, comme je le signalais plus haut, son rôle le plus inattendu avec celui de "Tristana", du moins celui-ci est-il supérieur au précédent par sa complexité intérieurequ'elle tournera, toujours avec Bunuel, trois ans plus tard. Suivront "La sirène du Mississippi",  "Mayerling",  "Fort Saganne", "Le Sauvage" avant qu'elle n'aborde les films de la plénitude avec des scénarios de qualité diverse comme "Indochine",  "Le dernier métro",  "Est-Ouest",  "Place Vendôme",  "8 femmes",  jusqu'au tous derniers dont les choix semblent moins évidents et où sa carrière s'embourbe un peu selon moi.

                   

Du moins, ce sera-t-elle investie dans des personnages divers et composites, tour à tour costumée dans des opus dits d'époque, où elle nous est apparue en princesse, reine, aristocrate - ce fut le cas dans "Le temps retrouvé"  inspiré de "A la recherche du temps perdu" de Marcel Proust, dans  "Peau d'âne"  d'après le conte de Perrault, dans "Palais-Royal" d'une facture plus contestable - ou dans "Mayerling", ainsi que dans des comédies légères ou des oeuvres dramatiques. Elle reste aujourd'hui  une actrice convoitée qui a, à son actif, plus de 70 longs métrages. Il est vrai que le mystère demeure entre l'image publique, trop figée, et certains films où elle n'est pas simplement décorative ou ornementale. Si  "La chamade"  apparaît comme le sommet du film frivole, il est évident que "Le dernier métro", "Tristana",  "Les prédateurs", "Dancer in the dark"  déplacent les lignes où l'on voudrait la retenir et que la période de simple splendeur passée, une femme affirmée et plus humaine est apparue. Elle ne se contente plus d'enchanter et de séduire, elle émeut. Peut-être moins facilement, moins complètement qu'une Sandrine Bonnaire ou une Isabelle Huppert, mais elle a pris le pouvoir et, désormais, ne se laisse plus manipuler. Elle s'est investie sans perdre son côté flânerie qui lui va si bien. Aussi la regarde-t-on, de nos jours, non seulement avec plaisir mais avec intérêt et, parfois, surprise ou déception. 
 

                  

Cependant la grande actrice, qu'elle est, ne se cache pas d'être avant tout famille, famille. Elle avoue :  Ma vie personnelle  a toujours été plus importante que mon métier. Non que je sous-estime mon métier, mais j'ai toujours senti que cela ne pouvait pas être l'essentiel de ma vie, que cela n'en serait jamais le moteur. J'ai besoin de travailler, de m'exprimer professionnellement mais ma famille, mes enfants, ce n'est pas seulement un sens des valeurs, c'est primordial pour moi. J'ai des amis, les mêmes depuis vingt ans. Ce sont eux à qui je tiens vraiment. Mon métier est complémentaire.

 

Après avoir vécu avec Vadim, Catherine Deneuve épousa le photographe de mode David Bailey, puis fut la compagne de François Truffaut, de Marcello Mastroïanni dont elle a eu une fille Chiara, actrice elle aussi, comme son demi-frère Christian Vadim. La famille reste immergée dans le monde du spectacle. Catherine a reçu le César de la Meilleure Actrice pour "Le dernier métro" en 1981, un autre César pour "Indochine", la coupe Volpi de la Meilleure Actrice à Venise en 1998,  le Prix d'honneur du Festival du film de Bruxelles et l'Ours d'Or pour l'ensemble de sa carrière à Berlin. Ses dernières apparitions sont moins convaincantes, il semble que les cinéastes ne parviennent pas à saisir cette maturité avec  sensibilité et intelligence afin de magnifier cette quintessence de l'âge qui oscille entre pudeur et autorité. 

                                  

Pour lire les articles consacrés à certains de ses films, dont :

 

Benjamin  -  Les demoiselles de Rochefort  -   Peau d'âne - Le temps retrouvé - Belle de jour

Dancer in the dark  -  Le dernier métro  -  Indochine  -  Ma saison préférée -  Potiche

 

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LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS   

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

 

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Catherine Deneuve
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17 octobre 2019 4 17 /10 /octobre /2019 09:58
DONNE-MOI DES AILES de NICOLAS VANIER

Voilà un film qui, dans la grisaille automnale, est une véritable bouffée de fraîcheur. Que nous propose-t-il : un  joli conte initiatique inspiré d’un fait réel, l'expérience de Christian Moullec, pionnier du vol en ULM avec des oiseaux sauvages, et sans doute du film "L'envolée sauvage" (1996) qui narrait une histoire similaire.  Nicolas Vanier a ce talent de choisir des sujets où les grâces de l’enfance sont encore présentes et de nous amener à considérer la vie sous un autre angle : celui de la réalisation d’un rêve. Dans ce dernier opus «Donne-moi des ailes», il nous propose l'histoire d’un ado de 14 ans, Thomas (Louis Vazquez), qui renoue avec son père grâce à des vacances scolaires et découvre la vie sauvage qui, en quelques semaines, va faire de lui une personne et lui ouvrir des horizons nouveaux.

 


Ado typique, Thomas n’a nul envie d’aller passer ses vacances en Camargue, loin des plaisirs qui sont les siens, en pleine nature et auprès d’un père qui étudie une espèce menacée d’oies sauvages. Mais, peu à peu, le garçon se prend de passion pour le projet fou de ce père (Jean-Paul Rouve) : accompagner les volatiles en ULM pour leur ouvrir une route de migration moins dangereuse. Bien qu’il ne parvienne pas à obtenir les autorisations, Christian s’entête, mais l’expédition est finalement interdite par les autorités norvégiennes. C’est alors que Thomas va leur fausser compagnie et s’envoler avec les oiseaux à bord de l’ULM afin de les ramener au pays, soit en Camargue, par cette nouvelle piste. Cela donne lieu à des paysages magnifiques et des images superbes du vol des oiseaux. Bientôt relayée par des vidéos, l’aventure de l’adolescent prend une tournure nationale et c’est une foule qui le guette et l’attend quelques jours plus tard sur les plages de Camargue. Belle histoire un peu féerique étant donné l’âge de l’ado, mais que l’on se plaît à croire tant elle est bien contée et nous offre un panel de beaux sentiments et de belles images : le sauvetage des oiseaux et la réconciliation de ses parents. Oui, un film qui nous donne des ailes pour envisager des lendemains moins embrumés…  

 

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DONNE-MOI DES AILES de NICOLAS VANIER
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29 septembre 2019 7 29 /09 /septembre /2019 15:22
Downton Abbey

Je ne cacherai pas le plaisir que j’aie eu à retrouver, grâce au film, cette famille qui nous a tenus en haleine à la télévision pendant des semaines. Les Crawley et les Grantham ont tissé un lien avec le 7e art  après celui de la série télévisée et le résultat est excellent. Nous reprenons l’histoire après le mariage des deux filles Mary et Edith et le départ à la retraite du majordome Carson (Jim Carter) remplacé par Thomas Barrow (Rob James-Collier). Rien n’a changé depuis deux ou trois ans à Downton Abbey, sinon que la vie se poursuit dans l’harmonie que nous lui connaissions entre l’étage des maîtres et celui des domestiques, si bien qu’avec ce nouvel épisode sur grand écran nous renouons avec une famille qui ne nous avait pas totalement quittés. 

 

Le scénario est, comme les précédents, bien ficelé et aucun des comédiens n’a fait faux bond. Mais dans cette version, nous ne traversons pas le temps et les années, il ne s’agit que d’un instant de vie qui va mettre le château en ébullition puisque la roi Georges V et la reine Mary s’annoncent pour une journée et une soirée à Downton Abbey. Rien de moins. Julien Fellowes a su tisser les intrigues avec son habituel talent et des dialogues ciselés que ses comédiens savent mettre en valeur et c’est à nouveau un tableau d’époque savoureux qu’il nous propose de l’année 1923 et une extraordinaire galerie de personnages haut en couleur dont la merveilleuse Maggie Smith dans celui de lady Violet Grantham qui prête à son personnage son génie comique et son snobisme.

 

A l’étage inférieur, le monde domestique est tout aussi attachant, conduit désormais par Thomas Barrow, un homosexuel que sa nature fougueuse invite sans cesse à commettre l’irréparable et qui sera remplacé par Mr Carson lors de la visite royale, ce qui nous assure de grands moments de réflexion sur le pouvoir, la responsabilité, la transmission et le sens de la communauté grâce auxquels le domaine est en mesure de survivre aux aléas de la modernité. Le mode de vie de ces aristocrates, apparemment d’un archaïsme égocentrique, n’est-il pas le garant d’une certaine forme de cohésion sociale ? Très britannique dans le fond et la forme, la vision de la tradition est à des années lumières de celle que l’on pourrait voir sur les écrans français. Si elle est bousculée elle aussi par les innovations de la vie moderne, l’Angleterre n’en reste pas moins solide sur son socle. Elle sait mieux que quiconque exalter les valeurs de respect, d’intelligence et de délicatesse et unir les forces de la gentry et du peuple autour d’un projet commun. C’est ce que nous transmet ce nouvel épisode de la saga, parfaitement réussi dans le fond comme dans la forme, et qui est l’astucieux prétexte à une réflexion sur le pouvoir et la permanence tellement mis en péril de nos jours.

 

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28 août 2019 3 28 /08 /août /2019 13:22
Late  Night de Nisha Ganatra

Une célèbre présentatrice de « late show », en fin de carrière, est contrainte d’embaucher une femme d’origine indienne, Molly, au sein de son équipe d’auteurs. Ces deux femmes que tout oppose, leur culture et leur génération, vont faire des étincelles et revitaliser l’émission qui ne cesse de perdre de l’audience depuis plusieurs années. Manque d’inspiration, manque de discernement, la brillante présentatrice de ce talk show journalier, Katherine Neuwbury, ne cesse de passer à côté de l’essentiel, le sens de l’humain. C’est justement ce sens de l’humain que la fraîche jeune femme va lui apporter, contribuant ainsi à sauver sa carrière.

 

Car, on ne peut pas faire pire comme égocentrisme que cette présentatrice vedette interprétée avec humour et brio par une Emma Thompson au top de sa séduction et de son talent. Elle crève tout simplement l’écran par son naturel et son élégance, bien que son personnage n’ait rien de sympathique avec son moi surdimensionné et son mépris à l’égard de ses collaborateurs qu’elle met à la porte du jour au lendemain et désigne par un numéro, ce qui prouve son mépris d’autrui. Mais qu’à cela ne tienne, le personnage éclate de vitalité et nous ouvre une page inattendue sur les coulisses de la télévision américaine dans le bas de gamme le plus consternant.

 

Ainsi  Late Night est-il un formidable pamphlet contre l’univers cruel du petit écran. La réalisatrice connaît bien le milieu. Elle a acquis la légitimité pour raconter les coups bas et la terrible discrimination qui règne entre les collaborateurs quand il s’agit de produire des séries. La jeune Molly, pourtant sans expérience, parvient par le plus grand des hasards à entrer dans cet univers réservé à une élite, de préférence blanche et influente. Le fait que Nisha Ganatra ait choisi une femme pour incarner ce rôle de patronne de télévision, est particulièrement judicieux. Le film peut ainsi dénoncer la discrimination sexuelle et raciale qui règne dans ce monde feutré, cruel et réservé à quelques favoris new-yorkais. Mais Late Night n’est pas qu’un film politique. On rit. On est même ému par le destin de ces deux femmes à l’opposé l’une de l’autre mais fatalement complémentaires, Katherine et Molly. Le récit fonctionne bien et les comédiens s’immergent avec naturel dans cette histoire haute en couleur, menée d’une caméra vive et implacable sur les dérives d’un monde sans idéal, au ras d’une réalité sans espérance. C’est sans doute la vitalité de la mise en scène et les remarquables interprétations d’Emma Thomson et de la jeune et talentueuse Mindy Kaling qui procurent à ce film ce dynamisme et cette intrusion colorée dans un monde qui vit en permanence sur un volcan. Late Night est une agréable bonne surprise car l’opus est judicieusement construit. Bien sûr, il ne s’agit pas du chef-d’œuvre de l’année. Pour autant, le film a d’indéniables qualités : il plonge dans la réalité d’aujourd’hui sans la dénaturer mais sans l’avantager ou la magnifier. C’est donc son réalisme vigoureux  qui fait mouche et séduit le public.

 

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7 mai 2019 2 07 /05 /mai /2019 09:04
Buffet froid de Bertrand Blier

« Buffet froid » nous conte la cavale de trois individus déjantés et paumés. Cette fable jubilatoire est peut-être le meilleur film de Bertrand Blier. Un chef-d’œuvre d’humour absurde et de mélancolie désabusée où trois acteurs exceptionnels nous entraînent dans leur délire et leur mal-être grâce à des dialogues coulés dans le vitriol, faisant  d'eux  des êtres pitoyables et caricaturaux. Cette farce pouvait tomber très vite dans l’absurde et faire chou blanc mais, interprétée par des acteurs d’une présence et d’une efficacité redoutables, c’est un petit chef-d’œuvre de drôlerie, une suite de scènes cocasses qui s’achèvera, comme il se doit, de façon plutôt morale puisque les trois compères trouveront la mort qu’ils méritaient. Aucun détail n’a été oublié pour que les scènes soient en permanence justes et inattendues et que les mots des uns et des autres fassent mouche.


Par ailleurs, le film tient d’autant mieux la route que la performance des comédiens, tous habités par des rôles écrits sur mesure, est indiscutable. En effet, Jean Carmet, Bernard Blier et Gérard Depardieu forment un trio tragi-comique qui se débat pour empêcher que les événements ne prennent le dessus. Si on pense, dans un premier temps, que les protagonistes sont soudés les uns aux autres, ils ne sont au fond que des inconnus, étant prêts à se tirer dans les pattes et à se trahir si la situation l'exige. Les grands espaces n’offrent pas plus de liberté que la campagne, ce qui vaut à Bernard Blier de se livrer à une tirade cinglante sur sa vision quelque peu archaïque et bougonne du monde rural. Un décalage qui souligne à la fois l’humour noir et la vacherie intrinsèque de cet inspecteur de police haïssant la musique. Sans compter sur une mise en scène parfaite dans des décors adaptés aux circonstances et où le clair-obscur est traité avec subtilité pour mieux cerner le climat ambiant.  Bien conduit, original et percutant, l'opus se regarde avec un réel plaisir, loufoque et néanmoins précis dans chacun de ses détails, suite ininterrompue de scènes désopilantes menées avec une implacable logique.

 

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13 mars 2019 3 13 /03 /mars /2019 09:58
Le mystère Henri Pick de Rémi Bezançon

Adapté du roman éponyme de David Foenkinos, le film de Rémi Bezançon ne vaudrait pas pipette sans la présence de Fabrice Luchini qui anime l'opus de sa malice, de son entêtement à plonger au coeur de cette invraisemblable histoire de manuscrit. L'idée de départ est excellente, celle d'une bibliothèque consacrée aux manuscrits refusés, sise en pays breton dans la presqu'île de Crozon, ce qui nous vaut des paysages superbes et, qu'un jour, une éditrice décide de visiter avec un jeune romancier en quête de reconnaissance dont elle vient de publier le premier roman. Elle est attirée alors par l'un de ces dossiers oubliés, comme le serait une bouteille à la mer, s'emballe pour son contenu et décide de le publier avec l'aura toute particulière dont cet ouvrage remarquable jouit  du seul fait d'avoir été un laisser pour compte de l'univers littéraire.


Si bien que, paré de cette légende, le roman fait mouche auprès du public et devient du jour au lendemain un best-seller, mais Jean-Michel Rouche (Fabrice Luchini), vedette d'une émission littéraire flaire d'emblée l'entourloupe et s'en prend à la veuve de ce Monsieur Pick, un brave pizzaïolo décédé deux années plus tôt qui n'a jamais écrit plus de quelques lignes sur des cartes postales destinées à sa famille, ce qui ne manque pas de susciter un scandale à l'antenne : voilà Rouche viré de la télévision et du lit conjugal, l'un allant souvent de pair avec l'autre. Bien écrits, les dialogues permettent à Luchini de donner toute sa mesure avec une savoureuse drôlerie et un cynique entêtement et, ce, en présence de la fille du supposé auteur qui s'affiche dans la contradiction avec panache : Camille Cottin. 


Cette partie de ping-pong oral focalise tout l'attrait du film dont le final ne nous surprend guère tant il est prévu dès les premières scènes, dommage ! - mais ce polar sans cadavre a du moins le mérite de pointer de la pellicule l'univers littéraire qui, pas davantage que les autres, n'échappe aux tentations du marketing  et aux paradoxes des faux-semblants.


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  • : LA PLUME ET L'IMAGE
  • : Ce blog n'a d'autre souhait que de partager avec vous les meilleurs moments du 7e Art et quelques-uns des bons moments de la vie.
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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


Charlie Chaplin

 

"Innover, c'est aller de l'avant sans abandonner le passé."

 

Stanley Kubrick

 

 

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