Evidemment, il était impensable, alors qu'il venait d'être couronné d'un oscar canin, de ne pas interviewer ce chien qui était devenu l'une des vedettes hollywoodiennes. Ce qui fut fait en 2013.

C'est comment de participer à un film multirécompensé comme The Artist ? 

 
Je dois dire que, depuis le jour où un cinéaste français est venu frapper à la porte de ma niche en 2010, j'ai vécu une aventure qui a vraiment du chien. Michel Hazanavicius (un nom qui sonne comme un éternuement !), le cinéaste, cherchait un Jack Russell ou un Fox pour son film muet en noir et blanc. Le reste, comme disent les humains, appartient à l'histoire.

Comment le succès a-t-il changé votre vie ? 

 
Omar, mon professeur d'art dramatique, m'a aidé à rester humble et en bien des aspects ma vie n'a pas changé d'un iota. Bien sûr, je voyage désormais en business, j'ai goûté au champagne, au caviar et au boeuf de Kobé (je préfère les saucisses), mais lorsque je ne me promène pas en limousine, je reste à la maison avec ma meute, à me lécher les bijoux de famille là où ils ont toujours eu coutume de l'être.

Parlez-nous de votre ascension vers le succès ? 

Comme tant d'autres acteurs, il ne s'est pas fait en un jour. Abandonné dès l'enfance, c'est Omar qui m'a secouru et enseigné les rudiments de l'art dramatique canin. (Qui va du skateboard au surf ou apprendre à faire le mort.) Après un début de carrière précoce en tant qu'artiste de rue, j'ai commencé la valse des auditions. Le rejet est une chose que connaissent tous les acteurs sans travail, et il n'était pas facile d'entendre que j'étais trop court sur pattes, inadéquat ou trop poilu. J'ai par la suite décroché quelques seconds rôles dans des films commerciaux et des séries B, avant ma véritable percée, alors que j'allais sur mes cinq ans, en années de chien. 

Et George Cloney, en vrai, comment est-il ? 
 

Mister C. Est mon idole, mais il est aussi malheureusement très attractif physiquement... Mon moi intime désespère d'être aussi "Clooney cool" que Clooney. Je veux être aussi beau que lui quand ma fourrure grisonnera. Et je voudrais qu'hommes et femmes me fassent la fête et soient suspendus à tous mes aboiements !
 

Avez-vous un flirt à Hollywood ? 

J'ai eu quelques liaisons fugaces, avec une charmante petite carlin appelée Chata et une caniche répondant au nom de Greta. Mais lorsque nous avons commencé ensemble le tournage du film  De l'eau pour les éléphants, ma vie n'a plus connu qu'un seul amour : Reese Witherspoon. Mademoiselle W. et moi-même sommes au-dessus de toute contingence, mais notre relation a dû être réévaluée dès lors qu'elle m'a laissé lui rouler un patin lors du dîner de gala de la Maison-Blanche à Washington.

Alors, êtes-vous plutôt un chien ou plutôt un acteur ? 

 
Les deux. Il n'y a rien dans les carnets du savoir-vivre à d'Hollywood qui dise qu'il me faille choisir. Ce choix peut trahir les gènes, mais mon travail trahit mon talent. Comme Elizabeth Taylor l'a admis naguère, "certains de (ses) meilleurs partenaires de scène furent des chiens ou des chevaux".

Quel est le secret pour être un bon acteur canin ? 

Les saucisses.

Quelle a été votre meilleure expérience professionnelle ? 

À part tomber queue par-dessus tête pour mademoiselle W., je dirais travailler auprès de Jean Dujardin. Bien qu'il parle assez peu l'américain-chien, il s'est montré très docile et enthousiaste à mon apprentissage. Particulièrement dans l'art de jouer sans parole. Comme il l'a dit plus tard : "Uggie est un chic type ! C'est un super acteur, travailler avec lui était vraiment facile... Le seul problème était qu'il me prenait certains jours pour une grosse saucisse." Comme si c'était quelque chose de mal !

Votre santé vous a contraint à vous retirer au faîte de votre gloire. Comment vivez-vous cela ? 

 
Si c'est ça, la retraite, alors à quoi ressemble le travail  ! Je voyage sans cesse de par le monde, j'ai été invité aux 90 ans de la grande actrice Betty White, je tiens un petit rôle dans le dernier film de Will Ferrell,  "Moi, député". Je suis la voix du jeu  "Nintendogs+cats" et je pose pour l'affiche de la campagne d'adoption de la SPA américaine. En juin dernier, j'ai été le premier chien de l'histoire appelé à immortaliser mon empreinte de coussinets sur Hollywood Boulevard. La ville de Los Angeles a même décrété ce 26 juin le "Uggie Day ". De surcroît, je viens de rencontrer mon public français lors d'une séance de dédicaces au Drugstore Publicis, sur les Champs-Élysées ! Alors, j'ai peut-être la tremblote, mais j'ai encore du chien au corps.

Quels sont vos projets d'avenir ? 

 
Hormis la publication de mes mémoires, Ma vie, mon oeuvre  chez Jean-Claude Lattès, je sors une appli qui m'est dédiée, "Uggie The Artist", et je prépare quelques bricoles à l'arrière de ma niche dont je ne peux pas encore parler.

Comment voudriez-vous que l'on se souvienne de vous ? 

Comme un petit artiste, mais avec un grand coeur.

UGGIE est mort en août 2015 d'un cancer.

Uggie, The Artist, ma vie, mon oeuvre de Wendy Holden, traduit de l'anglais par Perrine Chambon (éditions JC Lattès, 320 pages, 15 euros).
 

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Dans la cour d’école d’un paisible village japonais, quatre fillettes sont témoins du meurtre d’Emili, leur camarade de classe nouvellement arrivée. Sous le choc, aucune n’est capable de se souvenir du visage du tueur et d’aider ainsi à son arrestation. Asako, la mère d’Emili, désespérée de le savoir en liberté, convie les quatre enfants chez elle pour les mettre en garde : si elles ne se rappellent pas, elles seront leur vie durant accablées par la culpabilité et contraintes à la pénitence. Quinze ans plus tard, que sont-elles devenues ? C’est ce que ces deux  films ( seconde partie : celles qui voulaient oublier ) nous content en cinq épisodes qui s’enchaînent les uns aux autres, sans omettre les moindres pistes, indices et conséquences et en s’attardant principalement sur le vécu de chacune des jeunes protagonistes marquée à jamais par ce drame.

Le retour derrière la caméra de Kiyoshi Kurosawa, après plusieurs projets avortés, avec les deux volets de cet opus dont la seconde partie - à ne pas manquer - sortira en salles la semaine prochaine, prend la forme d’une frise criminelle doucement perverse, mais d’une délicatesse inouïe, en cinq tableaux  d’une cinquantaine de minutes, commandés par la télévision  nipponne d'après un roman à succès. Une histoire de petites filles qui, devenues adultes, restent, chacune à sa manière,  meurtries par la culpabilité de n’avoir pas identifié celui qui avait assassiné l’une d’entre elles sous leurs yeux.

Le film chemine à pas délicats dans l’imbroglio de ce réseau de névroses, jusqu’à ce que vérité éclate enfin lors d’un épilogue centré sur la figure vénéneuse et magnétique de la mère endeuillée que vous verrez en allant voir la seconde partie. Un polar doublé d'une fine analyse des comportements humains face à un drame qui marque la personnalité à tout jamais et une méditation subtile sur le pardon, la pénitence et la rédemption considérés dans leurs phases les plus divergentes. Passionnant.

Alors qu’il aurait été tentant de relier et réunir, pour l'occasion, les quatre fillettes devenues adultes, Kiyoshi Kurosawa établit entre elles un réseau de solitudes conforme à sa vision atomisée de la société. Il y a celles qui voulaient se souvenir dont Sae interprétée par la très belle Yu Aoi qui se refuse à devenir femme et épouse un homme riche qui, allant au-devant de ses vœux, la transforme en une poupée intouchable jusqu’à la répudier quand surviennent ses menstrues ;  il y a Maki qui est institutrice et provoque le courroux des parents en se montrant trop exigeantes et voit partout des violeurs en puissance. Il y a également celles qui voulaient oublier, dont l'une qui se complait dans un état infantile et joue à la fille-ours, repoussant toute coquetterie qui  éveillerait le désir de l’homme ; enfin Yuka, jeune femme à la cuisse légère, qui sera la seule capable de mettre Asako sur la piste de l’assassin. Le cinquième épisode, assez laborieux, est consacré à la résolution du crime et se recentre sur la mère, douée d’une présence énigmatique, séductrice froidement déterminée et manipulatrice un brin démoniaque, campée par l’actrice Kyoko Koizumi, admirable d’inébranlable volonté et de beauté hiératique. Si le cinéaste n’atteint pas ici les sommets de son œuvre, il ne transige pas en matière d'une mise en scène nullement mécanique et d’une belle qualité atmosphérique.

On retrouve également la qualité de cadreur de Kiyoshi Kurosawa au sein d’espaces et de plans scénographiques fort bien gérés et en adéquation avec la psychologie des personnages. C’est peut-être l’écriture qui est davantage marquée par une forme de répétitions inutilement insistantes sur les conséquences psychologiques des traumatismes et de la culpabilité. Il s’agit évidemment d’un film féminin – la maternité pour antienne, et autres questions liées à cet univers  – sans pour autant être féministe. Quoiqu'il en soit, malgré quelques longueurs, les deux volets n'en sont pas moins une étude élaborée et convaincante d'une survie à un traumatisme et, au final, un personnage coupable qui, bien que condamné à ne pas l’être par la justice des hommes, se doit de vivre avec une faute que, dans un premier temps, il avait voulu infliger à d'autres.

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KIYOSHI KUROSAWA OU UN CINEMA DE LA DETRESSE

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  KYOKO KOIZUMI

Elle pouvait tout jouer, le comique comme le tragique, tellement sa présence avait quelque chose de magique, à cause de son allure peut-être, de son visage particulier qui ne ressemblait à aucun autre, ses taches de rousseur, sa crinière de lionne, sa présence impérieuse ou malicieuse, sa photogénie. Elle était la classe même avec une pointe d'ironie en permanence dans le regard, comme si, en définitive, rien n'était jamais ni si grave, ni si définitif. Intelligente et pragmatique, Katharine Hepburn aura mené sa carrière de façon instinctive, selon ses coups de coeur ou ses coups de tête, sachant figurer dans les meilleurs films avec, face à elle, quelques-uns des meilleurs acteurs. On relève peu de faux pas dans l'énoncé de sa filmographie mais un grand nombre de films remarquables. Elle a beaucoup tourné avec George Cukor mais également Capra, David Lean, Minelli, Kazan, Hawks. 

Née en 1907 à Hartford dans une famille cultivée du New-Jersey, elle est la seconde de six enfants, dotée dès l'âge le plus tendre d'un caractère déterminé et indépendant. Elle sait ce qu'elle veut et surtout ce qu'elle ne veut pas : la médiocrité. A 19 ans, elle abandonne ses études et entre dans une troupe théâtrale de Baltimore, puis sert de modèle à un peintre et épouse par commodité un riche homme d'affaires afin de se consacrer, sans souci pécunier, à ce qui sera toujours sa passion : le théâtre. Elle y est néanmoins mauvaise et le sait mais elle a un tempérament tel que l'obstacle l'excite. Cette pouliche n'a qu'une seule perspective : le franchir coûte que coûte. Elle obtiendra son premier vrai succès en 1932 (elle a 25 ans) dans "The warrior's husband" où, enfin, elle impressionne favorablement les critiques. C'est alors qu'elle décide de tenter sa chance à Hollywood qui traverse une période  faste. Lorsque Kate se présente aux nababs en place, son visage et sa forte personnalité séduisent le puissant David Selznick qui la fera tourner aussitôt dans un film de Cukor au côté de John Barrimore. Elle est lancée.

Désormais, grâce à son look garçonnier et son visage diaphane, elle incarnera des héroïnes indépendantes et actives qui affirment avec panache et autorité leur personnalité, rompant avec le style des stars à la Garbo ou à la Dietrich. Ainsi sera-t-elle aviatrice dans "Le phalène", écrivain dans "Les quatre filles du docteur March", garçon manqué dans "Sylvia Scarlett", reine dans "Marie Stuart", militante féministe dans "La rebelle", devenant une figure emblématique de Hollywood et du 7e Art. Très éprise de Spencer Tracy, qui ne divorcera jamais, elle connait auprès de lui une longue et passionnée liaison adultère et tous deux formeront l'un des couples mythiques du cinéma Outre-Atlantique, se retrouvant devant la caméra à plusieurs reprises. Ce sera entre autre dans deux brillantes comédies :  "Madame porte la culotte" et "Mademoiselle Gagne tout" qui révéleront , si besoin était, leur merveilleuse complicité d'amants et d'acteurs.

Bien que le cinéma l'ait beaucoup gâtée, Katharine Hepburn reviendra au théâtre et interprétera tour à tour Shakespeare ou George Bernard Shaw puis, à partir des années 50, ses apparitions à l'écran, comme à la scène, se feront plus rares. Il y aura encore "Long voyage vers la nuit" qui lui vaudra le Prix d'interprétation à Cannes, "Devine qui vient dîner ?" de Stanley Kramer, son dernier film avec Spencer Tracy, et "La maison du lac" auprès d'Henri Fonda où tous deux campent un couple d'octogénaires. Elle mourra dans son sommeil à New-York le 29 juin 2003 à l'âge de 96 ans. Au 7e Art, elle aura su imposer son style, son franc-parler et son indépendance d'esprit. A ce jour, elle est irremplacée.

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Gros effets d'un côté et caméra légère de l'autre, l'intrusion du numérique dans le 7e Art est universelle. Mais qu'apportent-elles de vraiment nouveau ces techniques de pointe à l'industrie du 7e Art, question que nous sommes en droit de nous poser ? En un siècle d'histoire du cinéma, la boucle semble bouclée. Si tout a commencé avec les truquages astucieux d'un Georges Méliès, cela se poursuit de nos jours avec la surenchère des effets spéciaux de Matrix ou d'Inception ou encore de Harry Potter pour les plus jeunes. Mais si Méliès revenait parmi nous serait-il véritablement étonné ? Cent ans, n'est-ce pas beaucoup de temps pour obtenir des machines et ordinateurs ce que les équipes Méliès parvenaient à produire avec minutie et enthousiasme en explorateurs d'un nouveau monde qu'ils étaient alors ? Car les illusionnistes d'hier ne sont autres que les techniciens d'aujourd'hui, la poésie en moins, tant il est vrai que l'on ne sait plus où la surenchère s'arrêtera et où le bon goût  saura subvenir aux  excès de la virtualité. Certains personnages, comme celui du film Simone d'Andrew Niccol ne rêve-t-il pas de remplacer les acteurs par des androïdes, répliques parfaites mais si peu satisfaisantes de nos stars actuelles ? Jusqu'où irons-nous dans ces excès imagiers où la réalité est constamment dépassée et détrônée par le fictif ?

Hier encore, le scénariste avait l'avantage sur le  caméraman. Aujourd'hui, ce n'est plus le cas. Ce qui compte  est la quête insatiable de la nouveauté, de l'effet bleufant, du mélo numérisé au service d'un concepteur qui veut être partout, tout voir à la fois et franchir une étape supplémentaire dans le dévoilement  des constructions imaginaires. C'est donc l'illusion qui prime. Est-ce là, pour autant, le meilleur des mondes ?  Alors que tout devient possible dans l'imaginaire, tout risque de devenir admissible dans notre vie quotidienne et le danger est que le 7e Art, oubliant d'élever l'homme par sa quête de la beauté et de l'universalité, ne le rabaisse en ne lui offrant qu'une simple exploitation d'une science-fiction au service de trucages technologiques. Mais à côté de ces effets spéciaux si vite ennuyeux, des progrès ont été faits grâce au numérique avec l'arrivée des petites caméras qui mettent fin au monopole coûteux et forcément discriminatoire des superproductions. Désormais, n'importe qui peut saisir la vie dans son déroulement temporel une caméra sur l'épaule, ainsi que l'inaugurait Jean-Luc Godard dans "A bout de souffle". C'est la raison pour laquelle nous voyons proliférer les films d'auteur à petits budgets, ce qui est une évolution notable, surtout pour des pays où réaliser un film relève du parcours du combattant. Pensons à l'Afrique et à l'Iran. En ce domaine, les progrès de la technique ne peuvent que nous réjouir. Au final,  si ces progrès ont leurs avantages, ils ont leurs inévitables inconvénients. Aux hommes, et principalement aux cinéastes, de garder la tête froide et le sens de la mesure. Le cinéma dispose d'un panel de moyens inouïs qu'il serait dommage de gâcher en truquant la réalité de manière caricaturale et en privilégiant la machine au dépens de l'art.

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LISTE DE MES BILANS CINEMATOGRAPHIQUES

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Pour être déjanté et loufoque, le dernier Almodovar l'est de bout en bout. Si le mécano Antonio Banderas, sur le tarmac de l'aéroport de Madrid, avait été un peu plus consciencieux alors qu'il vérifiait les trains d'atterrissage et s'était moins focalisé sur les charmes de Penélope Cruz, s'il n'avait pas coincé le train en y oubliant un outil, les passagers de la classe affaire du vol PE2549 n'auraient pas été soumis à une terreur collective, à une psychanalyse de cheval, à un atterrissage forcé, à une évacuation infernale sur les toboggans de la mort. Unité de lieu, de temps et d'action, les trois de la tragédie antique sont employés ici par Almodovar afin de rappeler que le monde, à l'image de son avion fou, est en train de sombrer corps et âme. Ce dernier opus résonne comme un conte moral, un rien scabreux dans le fond et vulgaire dans la forme, avec ses incohérences, ses exagérations, ses caricatures et ses personnages extrêmes qui, chacun à leur manière, sont sensés incarner un traumatisme de la société contemporaine : la corruption, la peur, la culpabilité, la superstition. Tout cela est tragique mais exprimé sur le ton de la farce et de la dérision, comme un éclat de rire provocateur face au gouffre. C'est un retour aux sources, dit Almodovar, un retour réclamé par mon public. En Espagne, dans la rue, les gens m'arrêtaient pour me supplier de refaire une comédie sur nos propres malheurs, afin de rire de ce qui nous fait tellement mal. C'est vrai que Le piel que habito, mon dernier film était particulièrement sombre. Mais, comme souvent, la conclusion se révélait optimiste. Quand le héros, transformé en jeune fille après de multiples manipulations chirurgicales, retournait chez sa mère, celle-ci reconnaissait son enfant. Pour elle, il n'avait pas changé. C'était cela la bonne nouvelle. Dans Les amants passagers, les trois stewards forment comme le choeur d'une tragédie antique. Ils incarnent la force du rituel. Sur un vol, tout est planifié. Chacun répète le même texte et exécute les mêmes gestes. Je pense que cela rassure les passagers.

Je n'ai jamais eu de problème avec l'homosexualité et la bisexualité, cela apparait bien dans ce film où les stewards sont homos et le pilote bisexuel. Il se sent d'ailleurs extrêmement coupable. Dans le cockpit, il appelle sa femme pour lui dire qu'il l'aime. Elle est très étonnée, car ce qu'il ignore, c'est qu'elle sait tout et qu'elle s'en fiche. Moi, je considère que la sexualité est un cadeau et qu'il faut savoir la célébrer de façon extrêmement naturelle, comme une joie et non comme un fardeau. La société espagnole traverse une époque épouvantable, la pire depuis le retour à la démocratie. Cet avion qui tourne en rond au-dessus du même lieu est une métaphore de l'état de la société espagnole qui va complétement à vau-l'eau. Quand va-t-elle atterrir ? Avec qui aux commandes ? Personne ne le sait mais tout le monde y pense. Nous vivons dans une incertitude totale et dans un pays rongé par la corruption, l'insécurité et le doute. Comme mes semblables, je redoute un atterrissage forcé.

C'est là toute la morale de ce film qui déçoit parce que le scénario est trop lâche, mais qui en dit plus qu'il n'en a l'air, bien qu'il ne le dise pas toujours comme nous l'aurions souhaité. La dérision y est, la concision, non.

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PEDRO ALMODOVAR OU UN CINEMA ANTICONFORMISTE

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