Avec "Gilda", elle est devenue du jour au lendemain la femme fatale par excellence, l'atomic Gilda, la briseuse de coeur, la rousse au pouvoir d'attraction irrésistible avec un côté sombre exploité par la pellicule qui n'avait d'autre objectif que de l'entourer d'une aura de mystère et de diaboliser sa troublante sensualité. En effet, "Gilda" de Charles Vidor, qui sort sur les écrans à la fin de la guerre, dégage un érotisme brûlant qui atteint son paroxysme lors du numéro musical que la jeune femme interprète langoureusement en retirant ses gants au rythme de la musique. La pin-up, dont les G.I. avaient peint l'effigie sur la bombe atomique lancée sur l'atoll de Bikini, est consacrée pour l'éternité comme la vamp américaine. D'autant qu'elle enchaîne avec "La dame de Shanghai" d'Orson Welles, son mari, en 1946. L'affiche la montre en blonde platine, les cheveux courts, alors que le slogan précise : " Vous ne savez rien de la perversité ! " Le film étant, sans doute, destiné à nous l'apprendre. Il est vrai que ce personnage n'est rien moins que machiavélique et ternira un peu l'image de la femme pulpeuse chantant et dansant avec talent qu'elle affichait dans l'opus précédent. Si bien que l'on reprochera à Orson Welles de l'avoir chargée pour se venger de ses infidélités, ce qui est probablement injuste.

  Gilda

Ainsi, après ces deux films, est-elle devenue un mythe, une icône rayonnant sur le 7e Art de son époque. Reine de beauté incontestable, elle fut élevée au rang suprême de déesse de l'amour, faisant la couverture des magazines les plus en vue et séduisant un public toujours plus large avec une comédie musicale comme "La reine de Broadway" avec Gene Kelly pour partenaire et de nouveau Charles Vidor comme réalisateur. Car la belle sait danser, formée dès l'enfance par son père Eduardo Cansino d'origine sévillanne et danseur professionnel. Sa mère Volga, née Haworth, était également danseuse et fille d'un acteur irlandais. La petite Rita est donc venue au monde dans le milieu du spectacle et fera ses premiers pas sur scène à l'âge de 4 ans avec éventail et castagnettes, lors d'un récital à Carnegie Hall. Son père ne cessera d'exiger d'elle un travail intense, lui imposant des cours de danse astreignants, persuadé que l'avenir est aux comédies musicales. Si bien que, dans cette perspective, il créera une école de danse à Los Angeles, espérant poursuivre une carrière au cinéma qui semblait s'intéresser de plus en plus au monde de la danse. Douée de grâce et de charme, la petite Rita commence à retenir l'attention des quêteurs de talent, d'autant qu'elle est très belle : une chevelure somptueuse, un sourire éblouissant ; il suffira d'éclaircir ses cheveux, de la faire maigrir car elle est ronde, d'épiler ses cheveux afin d'agrandir son front et le tour sera joué. D'ailleurs elle dansera dès son premier film "L'enfer"  en 1935 aux côtés de Spencer Tracy et c'est son père qui en réglera la chorégraphie. Mais la Fox a des soucis d'argent et la licencie. Par chance, de bonnes fées veillent sur elle et un homme d'affaires, qui a aussitôt évalué son potentiel, ne tarde pas à lui trouver des contrats avec des firmes moins prestigieuses mais qui ont le bon goût de la faire tourner. Elle épousera l'homme pour fuir son étouffante famille et se pliera à ses exigences en se teignant en rousse, en se faisant arracher plusieurs molaires afin de creuser ses joues et en changeant son nom de Cansino pour Hayworth. Ne répond-t-elle pas désormais aux critères des studios hollywoodiens ?  Certes, aussi apparaît-elle pour la première fois, à la suite de ces transformations, dans "Criminels de l'air"  en 1937 et entre-t-elle à la Colombia où son destin s'amorce. Ultérieurement, remarquée dans le film d'Howard Hawks "Seuls les anges ont des ailes"  auprès de Cary Grant et de Jean Arthur, elle emballe les critiques et le public masculin et voit ses émoluments se multiplier par dix au cours des années suivantes. Après plusieurs films mineurs, Rita tourne avec la 20th Century Fox dans "Arènes sanglantes"  de Darryl Zanuck, fasciné par sa gestuelle sensuelle et son éclat. Si bien qu'elle est définitivement lancée et jouit d'une popularité considérable auprès des G.I. engagés dans la Seconde Guerre mondiale.

A la Columbia, l'actrice va avoir la chance de danser à deux reprises avec Fred Astaire dans "L'amour vient en dansant" et "O toi ma charmante". Lors de ce dernier, le couple explose littéralement  dans un pas de deux d'une grande sensualité. Fred Astaire écrira d'ailleurs qu'il prît beaucoup de plaisir à danser avec Rita et précisera que " chacun de ses mouvements épousaient les siens ". C'est l'époque où on lui prête des liaisons avec Victor Mature, David Niven et Howard Hugues, le collectionneur de conquêtes féminines. C'est aussi celle où elle se sépare de son mentor Edward Judson devenu jaloux et menaçant. Le 7 septembre 1943, elle épouse Orson Welles et rejoint le plateau de la comédie musicale "La Reine de Broadway", opus précurseur des films musicaux qui marqueront les années 50 et où elle révélera une fois encore ses qualités de danseuse. A sa sortie, en 1944, le film est un triomphe sans précédent qui assied définitivement la renommée internationale de l'actrice. Mais l'apothéose sera atteinte avec "Gilda", le film phare de sa carrière, prouvant s'il était encore nécessaire son pouvoir érotique, et la faisant entrer dans la légende des déesses hollywoodiennes. Cependant, et malgré la naissance d'une petite fille, son mariage avec Orson  bat de l'aile, en proie à des scènes de jalousie permanentes, d'un côté comme de l'autre. Pour cadeau de rupture, Welles offrira à Rita le rôle étrange et fascinant de "La dame de Shanghai", où le final est devenu un moment d'anthologie, celui où Elsa Bannister, l'héroïne interprétée par Rita, agonise au milieu d'un labyrinthe de miroirs qui multiplie à l'envi son reflet. Leur divorce sera prononcé peu après.

C'est alors que les désillusions commencent. Son mariage avec le prince Ali Khan fait d'elle une princesse non plus seulement à l'écran mais dans la vie civile, sans lui apporter d'autre bonheur que la naissance d'une seconde fille Yasmina. Le conte de fée sera de courte durée et son retour à Hollywood comme entaché de mélancolie. Elle tourne alors Salomé, un film biblique réalisé par Rouben Mamoulian, dont le résultat est criblé d'invraisemblances et d'un goût douteux, bien que Rita reste éblouissante et infiniment suggestive dans la célèbre scène de la danse des "sept voiles ". Contactée pour être "La comtesse aux pieds nus", elle abandonne le rôle à l'autre déesse d'Hollywood Ava Gardner, trop absorbée par les multiples difficultés et rebondissements de son divorce avec le prince Ali qui lui refuse la garde de leur enfant. Elle apparaît encore en 1957 dans "L'enfer des Tropiques" avec Robert Mitchum resté un ami fidèle, puis La blonde ou la rousse auprès de Frank Sinatra, et épouse en 1958 son cinquième mari James Hill, un producteur rencontré lors de ce dernier tournage. Le déclin de Rita s'amorce durant les années 60. C'est l'apparition de la maladie d'Alzheimer qui l'emportera et dont on attribue à tort les symptômes à l'alcool. Bien qu'on lui propose toujours des rôles au cinéma et au théâtre, elle refuse la plupart  tant elle souffre d'épuisement et de graves troubles de mémoire. Elle fera encore une belle composition auprès de John Wayne dans "Le plus grand cirque du monde", puis dans "Sur la route de Salina" de George Lautner, où elle retrouve son partenaire et ami Glenn Ford. En 1981, placée sous tutelle, elle s'absente définitivement de la scène et de l'écran, veillée et soignée par sa fille Yasmina, et s'éteindra le 14 mai 1987 à New-York, laissant d'elle une impérissable image de beauté et de charme.

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                      A 59 ans, en 1977, malade et encore si belle !

D'elle, on peut dire qu'elle représentait la féminité dans sa douceur et sa finesse les plus extrêmes. C'était une femme dont le regard vous attendrissait et que tout homme devait avoir le désir de protéger. Des traits délicats, une chevelure châtain, des yeux d'un bleu presque transparent, Gene Tierney est naturellement émouvante et inspire la tendresse. Il y a en elle une mélancolie profonde, quelque chose qui vous fait penser que cette femme-là est faite pour souffrir, qu'elle est comme une apparition, à la fois irréelle et brisée.

Née à New-York en 1920 dans une famille aisée, son père était courtier en assurances et sa mère professeur de gymnastique, elle aimait tout enfant rédiger des poèmes et l'écriture sera souvent un refuge au cours de sa vie, d'autant qu'elle fait de bonnes études et passe deux ans en Europe dans une école privée de Lausanne, ce qui explique qu'elle parlait couramment français. Ebloui par sa beauté, alors que revenue aux Etat-Unis la jeune Gene visite les studios de la Warner Bros, Anatole Litvak l'encourage à devenir actrice. Mais ses parents se montrent réticents, considérant ce monde comme celui de la perdition, où l'on gagne très mal sa vie. Mais Gene supplie, s'entête et auditionne à l'American Academy of Dramatic Arts où elle est acceptée. Parmi les talents notoires de l'époque figurent Lauren Bacall, Grace Kelly, Katherine Hepburn et Spencer Tracy. Engagée par la Fox, la jeune femme deviendra très vite l'une des principales stars  de la firme. C'est Fritz Lang qui la fera débuter dans un western avec Henri Fonda pour partenaire, mais son premier rôle important ne viendra qu'un peu plus tard et lui sera offert par Sternberg dans "Shanghaï Gesture" en 1941.

Puis, ce sera "Le chevalier de la vengeance" en 1942 auprès de Tyrone Power, "Le ciel peut attendre" l'année suivante de Ernst Lubitsch où elle impose sa beauté délicate et juvénile. Mais son rôle le plus mythique reste incontestablement celui que lui proposera Otto Preminger dans "Laura", de même que "L'aventure de Mme Muir" avec Rex Harrison, aventure sentimentale et fantastique qui comptent comme les deux films les plus marquants de sa carrière. En effet, dès 1950, ses essais dans la comédie s'avèrent peu concluants. D'autant que de graves ennuis de santé l'éloignent momentanément des studios. Elle sera même internée pour des problèmes mentaux à la suite des malheurs qui la frappent. Mariée deux fois, une première avec le costumier et styliste Oleg Cassini qui l'abandonne, une seconde avec un baron du pétrole texan qui la laissera veuve. Elle aura deux filles dont l'une naît prématurément aveugle, sourde et retardée mentalement. Le désarroi de la jeune mère sera la cause d'un état maniaco-dépressif que ses échecs sentimentaux successifs ne feront qu'aggraver. Elle mourra d'emphysème dix ans après son second époux, en 1991, et est enterrée à Houston au Texas où elle vécut plus de 30 ans.

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L'AVENTURE DE Mme MUIR de JOSEPH MANKIEWICZ

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Pour l'état civil, elle fut Norma Jean Baker Mortenson. Pour le monde entier, Marilyn Monroe devint le mythe absolu de la féminité et de la sensualité sur grand écran avec cette fragilité qui plaisait aux hommes et attendrissait les femmes. Une parfaite cible mouvante pour la grande machine hollywoodienne qui contribuera à la broyer.

"Voilà une pauvre fille qui devient tout à coup une vedette célèbre. Alors, ces gens viennent lui dire qu'elle doit devenir une grande actrice. C'est comme un homme qui ferait une chanson idiote : le Toutou à la fenêtre - ça fait un succès, et il faut qu'il écrive des symphonies pour Toscanini ! Ils veulent essayer d'élever Marilyn où elle ne peut exister."

Cette charge d'une cruauté absolue, c'est Billy Wilder qui la prononce et la signe l'année même de Sept ans de réflexion en 1955. Dans son outrance, elle reflète parfaitement une partie de l'opinion hollywoodienne à l'égard d'une star féminine qui refusa jusqu'au bout de se plier totalement aux usages en vigueur dans cette usine à rêves qui pouvait si facilement devenir une usine à cauchemars. Cette attitude du milieu hollywoodien à son égard sera pour Marilyn une blessure qui ne se refermera jamais et s'ajoutera à son enfance de petite fille abusée sexuellement et abandonnée par sa mère malade. Un passé qui a inscrit dans ses gênes une dépression permanente, une paranoïa dont aucun homme, aucun psychiatre ne parviendront à la guérir et, qui plus est, à la sauver.

L'histoire de sa vie ressemble à un conte qui très vite tournerait mal ou, mieux encore, à un film plus noir que rose, bien que les premières années furent la concrétisation parfaite de ce que Gladys Baker, sa mère, avait espéré pour sa fille : Marilyn devenue une star mondialement admirée pour son éclatante beauté. En 1947, âgée de 21 ans, elle obtient un premier rôle dans une production de la Fox Dangerous Years d'Arthur Pierson ; ainsi a-t-elle déjà forcé la porte de la Mecque du 7e art, même si le film ne vaut pas tripette. Car ses apparitions, mêmes secondaires et fugaces, sont remarquées, si bien qu'en 1950 elle tourne dans deux films : La pêche au trésor  des Marx Brothers qui ne fera pas date dans les annales et Quand la ville dort de John Huston qui marque son entrée officielle au box office. Deux ans plus tard, elle est déjà en tête du très officiel classement des " étoiles de demain", tandis qu'avec Chérie, je me sens rajeunir, elle se voit confier par Howard Hawks son premier emploi de vedette aux côtés de Ginger Rogers et Cary Grant. L'année suivante, c'est la consécration définitive avec le rôle principal d'un nouvel Howard Hawks Les hommes préfèrent les blondes auprès de la brune Jane Russell. Elle incarne Lorelei, une chanteuse de cabaret, à laquelle elle prête sa voix délicieuse. Marilyn fait merveille dans ce rôle de jeune femme intéressée et quelque peu frigide, mais dotée d'une ingénuité qui fait tout passer, y compris auprès du public féminin. Cet instinct des êtres et des choses qu'elle possède au plus haut degré lui permet d'être toujours juste dans ses gestes et ses expressions. Oui, il n'y  plus de doute : Marilyn jouit d'un étonnant magnétisme.

Désormais, le personnage de la blonde sexy, pulpeuse, gentiment séductrice, avec une mouche sur le visage, un sourire radieux et des lèvres parées d'un rouge éclatant, sachant danser et chanter, s'impose à tous. Le magazine Photoplay la sacre alors " meilleure actrice populaire de l'année " et les financiers d'Hollywood, toujours à l'affût, se frottent les mains à la seule pensée de la manne dont ils vont bénéficier grâce au charisme de cette femme à la séduction irrésistible. En effet, au cours des années 1953 - 54 et 56, M. M. figure parmi les dix vedettes qui rapportent le plus de dollars. C'est bien entendu l'époque où elle enchaînera les tournages les plus marquants de sa carrière : Niagara, Comment épouser un millionnaire, Rivière sans retour, La joyeuse parade, Sept ans de réflexion et Bus Stop.

Au fur et à mesure que s'amplifie le mythe Monroe, Marilyn, qui n'est pas dupe, mesure la vacuité du star-system cynique et dénué d'humanité. Son mariage avec le prestigieux écrivain Arthur Miller, en 1956, sonne comme un défi aux a priori de certains : " La beauté de Marilyn rayonne parce que son âme se montre à tout moment " - écrira-t-il, mais leur couple finira par se défaire, l'écrivain s'inquiétant que la jeune femme l'entraîne irrémédiablement dans sa perte. Or, il entend se ressaisir. Le choc de leur séparation la rendra définitivement vulnérable et transformera ses dernières années en une lente descente aux enfers. Dans Certains l'aiment chaud de Billy Wilder en 1959, le metteur en scène qui la considère toujours avec une nuance d'apitoiement, elle est une fois encore une chanteuse face à Tony Curtis et Jack Lemmon en musiciennes d'orchestre. Dans cet opus d'un comique savoureux, Marilyn dévoile un formidable potentiel comique et une sensualité torride, mais Wilder l'a  tout de même circonscrite dans un personnage de ravissante idiote. En 1959, alors qu'elle tourne Le milliardaire de Georges Cukor, elle a une courte liaison avec son partenaire Yves Montand qui la laissera une nouvelle fois désemparée. Puis ce seront des liaisons dangereuses avec le Président des Etats-Unis John Kennedy et son frère Bob, un tournage difficile avec The Misfits, film réalisé par John Huston d'après un scénario d'Arthur Miller qui met en scène leur propre histoire, l'abus de substances nocives, son isolement progressif et un film inachevé qui fait apparaître l'envers du décor et un pathétique appel au secours qui ne semble pas avoir été entendu. Au bout de ce tunnel, l'actrice la plus célèbre du monde mais, probablement la moins bien aimée, choisira de se donner la mort le 5 août 1962, il y a un demi siècle de cela, dans sa villa de Brentwood à Los Angeles. Cette étoile à la trajectoire si brève - elle n'avait que 36 ans lors de sa disparition - n'en reste pas moins une étoile persistante au firmament du 7e Art.

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Gretta (Keira Knightley) et son petit ami viennent de débarquer à NYC. La ville est d’autant plus magique pour les deux anglais qu’on leur propose de venir y vivre pleinement leur passion : la musique. Le rêve va se briser et l’idylle voler en éclat quand, aveuglé par sa gloire naissante, le jeune homme va la plaquer pour une carrière solo et... une attachée de presse. C’est alors, et bien que ses valises soient prêtes et son billet de retour pour Londres en poche, que Gretta décide de passer une dernière nuit à New York avec son meilleur copain. Ce dernier l’emmène dans un pub, la pousse sur scène et la force à chanter. Dans la salle, un producteur talentueux l’observe avec intérêt et émotion. A  la suite de sa séparation d’avec sa femme, il noie sa vie dans l’alcool et semble avoir perdu son feeling. Revenu de tout, du succès et de sa gloire passée, amer, rancunier, il se laisse couler... Soudain,  il entend cette voix, découvre cette grâce, ce talent brut et authentique... Une rencontre qui va remettre tous les cœurs à l’endroit.

Une romance qui ne le cède en rien à la facilité d’un sentimentalisme outrancier mais nous plonge dans l’univers de la musique, véritable thérapie pour sauver une jeune femme d'un désespoir amoureux et un père malheureux des affres que lui cause sa fille en pleine crise d’ado et même son ex-épouse incontestablement perturbée de se retrouver seule au foyer. Sans mélo excessif, ce scénario fait la part belle à la chanson, au rythme, à la bonne humeur, aux scènes de rue et, malgré quelques longueurs et répétitions inutiles, nous mène à une conclusion sympathique : celle des épousailles du réel et de l’espéré. Enfin  aucune scène de sexe, aucune vulgarité dans cet opus empli de bons sentiments qui nous ouvre un horizon positif et nous immerge dans une bonne humeur contagieuse. Tous les personnages se respectent en un univers où la musique adoucit les mœurs et Keira Knightley y est délicieuse de fraîcheur.

A voir, surtout si l’on souffre d’un peu de vague à l’âme.

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LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

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Troisième film du très doué François Truffaut après "Les quatre cents coups" et "Tirez sur le pianiste", "Jules et Jim", sorti en 1962, est une fantaisie dramatique d'une grande poésie qui va installer définitivement son auteur sur les plus hautes marches du 7e Art français. Inspiré du roman de  Henri-Pierre Roché, qui mourra avant d'avoir pu assister à la projection du film, il est aujourd'hui de nouveau dans les salles en une version restaurée en haute définition par MK2, à l'occasion de son cinquantième anniversaire, ce qui va ravir les cinéphiles peu gâtés par les productions actuelles

Jules et Jim sont deux personnages très proches au début du film, leur relation fait même naître certaines rumeurs dans la capitale, toutefois lorsqu'ils partent en vacances avec Catherine (Jeanne Moreau) les deux personnages deviennent distants et leur amitié cède place au trio, tous deux tombant amoureux de la jeune femme. Il existe une part de fatalité dans la première moitié de ce long métrage, lorsque Jules avertit Jim que Catherine sera sa femme et qu'en conséquence il ne doit pas tenter de la séduire ; le spectateur prend alors conscience de l'aspect tragique du film. S'ensuit une période trouble durant la Première Guerre mondiale où Catherine prend des amants et s'éloigne de ses amis hantés par la peur que l'un tue l'autre au combat. Après l'armistice, la complicité entre Jim et Catherine devient croissante, ils aspirent même à avoir un enfant, d'autant plus que le couple qu'ils forment ne dérange pas Jules, celui-ci promettant d'aimer Catherine quoi qu'il advienne. La fougue amoureuse liant les deux amants va toutefois s'estomper progressivement et laisser place à un climat tendu. Catherine menace de tuer Jim. Le pire ne pourra être évité : elle se donnera la mort avec celui-ci en empruntant un pont détruit au volant de sa nouvelle automobile et en négligeant de freiner à l'extrémité de la chaussée. L'auto chute à pic, ne donnant nullement l'impression de prendre son envol, ce qui rend cet instant encore plus pesant. Jules assiste impuissant à la catastrophe.

Malgré la fin douloureuse et le climat souvent oppressant, il n'en reste pas moins vrai que ce film poétiquement farfelu reste une variation, une fantaisie sur les aléas de l'amour, la folie des sentiments et l'irresponsabilité affective, ce qui lui imprime cette allure irréelle, lunaire, capricieuse, passionnelle et, au final, bohème. A sa sortie en 1962,  Jules et Jim  fut curieusement reçu par un public sous le charme de cette improvisation géniale, de la musique délicieuse, de l'interprétation remarquable des trois acteurs, Jeanne Moreau irrésistible de grâce et de naturel, Henri Serre et Oskar Werner très convaincants dans leur duo d'amitié que rien ne peut finalement détruire, mais choqué par ce ménage à trois qui s'accorde toutes les libertés et les audaces. C'est une sorte de folie extravagante qui coure tout au long de l'opus comme une ritournelle et dispense ses accents nostalgiques et séduisants selon le rythme répétitif de la chanson interprétée avec talent par Jeanne Moreau.

Une réussite bien sûr et un ton, un style qui vont caractériser désormais l'oeuvre du réalisateur.  A voir et à revoir.

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FRANCOIS TRUFFAUT OU LE CINEMA AU COEUR

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