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14 juin 2008 6 14 /06 /juin /2008 14:05
MAURICE de JAMES IVORY

                                                                                                                                                   

Cambridge 1910. Maurice, un jeune bourgeois, ressent une profonde attirance pour Clive, un aristocrate qui étudie le droit. Plus tard, devenu agent de change, il continue à fréquenter le jeune homme mais tous deux décident d'en rester à une amitié tout platonique. Requis pour défendre Risley, un de leurs camarades de promotion accusé de corruption, Clive refuse, mais est bientôt taraudé par un double remords et tombe malade, au point de partir pour la Grèce se refaire une santé au soleil. A son retour, il se marie et repousse l'amitié de Maurice et la tentation de céder à un penchant qui ne l'a pas quitté. Ce dernier, désespéré, prend d'abord son état en horreur, puis choisit, avec le jeune garde-chasse, de l'assumer pleinement, se doutant bien qu'il en paiera lourdement les conséquences.

 

Je crois que ce film magnifique est l'oeuvre la plus belle que j'ai vue sur l'homosexualité, traitée par le cinéaste avec autant de tact, de délicatesse que d'intelligence. Inspiré comme Chambre avec vue (1986)  d'un roman de E.M. Forster, les héros de Maurice (1987) sont eux aussi la proie de conflits intérieurs. Doivent-ils se soumettre aux exigences de la morale commune en cette ère victorienne très répressive à l'égard des moeurs ou laisser libre cours à leurs penchants ? La réponse commune de Forster et Ivory est sans équivoque : on peut trouver l'équilibre comme Lucy ou Maurice en assumant sa sexualité ou se dessécher comme Cecil, Charlotte ou Clive en refusant  de passer outre aux diktats de l'ordre social. Mais une différence de taille sépare les deux films : alors que les héros de Chambre avec vue sont hétérosexuels, ceux de Maurice sont homosexuels et le combat qui s'annonce entre leur nature et la société n'en est que plus douloureux. James Ivory, très à l'aise dans ce genre d'atmosphère tout ensemble sophistiquée et subversive, excelle à créer un climat pesant et feutré, où les gestes, les regards, les silences sont plus éloquents que les mots. Son style est particulièrement bien adapté à une époque finissante, sertie dans son luxe raffiné et ses manières courtoises, dont la rétention des sentiments avait été érigée en un véritable art de vivre.
                      


Par ailleurs, il faut reconnaître au cinéaste une justesse de ton jamais prise à défaut. James Ivory sait déployer les fastes de l'époque avec un constant souci esthétique : demeures ancestrales, robes à corsets, objets précieux, lourdes tentures, intérieurs cossus, aidé en cela par des directeurs de la photo comme Tony Pierce Roberts pour Chambre avec vue et Pierre Lhomme pour Maurice. Ce monde est animé par des comédiens attentivement sélectionnés, de façon à ce qu'ils coïncident au plus près à leurs personnages. Il est vrai que Forster, lui-même professeur à Cambridge et homosexuel clandestin, connaissait mieux que quiconque ces êtres épris de liberté qui se heurtent à la norme et que Ivory, lui emboîtant le pas, a parfaitement transposé le climat du roman dans son film. Cet orfèvre en sentiments réprimés a trouvé, pour couronner le tout, déjà excellentissime, en James Wilby et Hugh Grant des interprètes idoines qui évoluent avec subtilité entre hardiesse, gêne et vulnérabilité. Un chef-d'oeuvre.

 

 Pour lire l'article consacré à James Ivory, cliquer sur son titre :

 

JAMES IVORY OU GRANDEUR ET DECADENCE DES CIVILISATIONS

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA EUROPEEN & MEDITERRANEEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

 

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MAURICE de JAMES IVORY
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10 juin 2008 2 10 /06 /juin /2008 17:40
TABARLY de PIERRE MARCEL

                                                                                                            
Avec ce film-hommage, qui sort dix ans après sa disparition, nous découvrons un Tabarly d'une incroyable présence physique, rédacteur de sa propre histoire, dont la voix, surgie soudain d'outre-tombe, nous conte son aventure, grâce à des archives radiophoniques et audiovisuelles, françaises et étrangères, inédites pour la plupart. Le résultat est prodigieux, d'une grande poésie et, ce, jusqu'à la bande-son épurée qui, le plus souvent, ne laisse filtrer que le bruissement de l'eau, l'écho de la brise, le vacarme des vagues lors des tempêtes. Aussi faut-il accepter d'avoir parfois le mal de mer, de tanguer allégrement pour suivre de port en port cet albatros qui n'était heureux qu'en mer et vola de victoire en victoire, redonnant à la course au large française ses lettres de noblesse.
 

Homme magnifique que celui-là, dont il fallait écouter les silences, les seuls capables de transmettre cette intimité avec la beauté des océans, le vol des oiseaux, le souffle des vents et l'expérience que l'on acquiert à fixer l'horizon, à sans cesse se dépasser pour ne point être dépassé par les éléments. C'est pourquoi l'on suit avec plaisir les péripéties de ce héros discret qui a navigué sur toutes les mers du globe, nourri nos rêves d'images tempétueuses, de vagues furibondes, d'ailleurs toujours reculés, de voiles gonflées par les vents marins, se forgeant un destin hors norme, à sa ressemblance.
 

 Pierre Marcel nous livre ainsi une oeuvre grandiose dont la force réside dans les commentaires d'Eric Tabarly lui-même qui, avec des mots simples et un humour pudique, nous dévoile par bribes une histoire, la sienne, véritable épopée tracée par un homme authentique. Au final, un portrait saisissant d'une personnalité qui a marqué son temps, contribué à l'évolution de la technique des bateaux de compétition et redonné à la jeunesse, par son exemple, l'envie de se mesurer aux éléments.  Car Eric Tabarly fut autant un nouveau Surcouf  battant les Anglais qu'un nouveau Jules Verne dessinant l'avenir. Pionnier des futures pratiques de la voile - le sponsoring, les multicoques, les ultralégers, les records - il a communiqué aux Français l'amour de la course au large et de la navigation au meilleur sens du terme. Tous les grands noms de la voile d'aujourd'hui ont appris de ce concepteur ingénieux, fou de bateaux, maître patient et éclairé qui les a formés avec exigence : les Kersauzon, Lamazou, Poupon, Parlier, Desjoyaux. Ainsi Tabarly est-il devenu pour des génération un guide et une référence. Marin hors pair, il a écrit d'une voile sûre une nouvelle page des légendes de la mer et  laissé une image faite de courage et d'humilité, dont la France peut être fière.

"On souhaite s'approcher de ceux que l'on admire pour les écouter, les connaître. Mais ces hommes-là ne racontent pas leur histoire, ils la vivent. Rencontrer Eric est déconcertant. Une présence imposante. Tabarly : la symbiose parfaite entre un homme, un bateau et la mer".  (Jacques Perrin )

 

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7 juin 2008 6 07 /06 /juin /2008 09:23
PLEIN SOLEIL de RENE CLEMENT

                                                                                                

Tom Ripley (Alain Delon) a été chargé par un riche industriel américain, Greanleaf, d'aller chercher son fils Philippe (Maurice Ronet) en Italie, où il mène une vie oisive en compagnie de Marge (Marie Laforêt) sa maîtresse et de quelques fêtards richissimes. Ripley se joint à eux, mais ne peut s'empêcher d'éprouver une profonde jalousie et envie à leur égard. Philippe, qui commence à deviner les véritables sentiments de Tom, l'humilie devant Marge. Au cours d'une croisière en Méditerranée où Tom et Philippe sont seuls, Tom le tue et jette son corps à la mer. Revenu sur la terre ferme, ce dernier imite partout la signature de Philippe et contrefait sa voix au téléphone, afin de se faire passer pour lui et obtenir de l'argent. Cependant un ami devine le stratagème, tant et si bien que Tom l'assassine en laissant croire que c'est Philippe l'auteur du crime. Puis il retrouve Marge et devient son amant après l'avoir persuadée que Philippe l'a oubliée. Il est prêt de triompher en s'étant approprié la fortune et la considération, lorsque la mer rejette le corps de Philippe et, qu'à la suite de cet événement, il est démasqué et confondu.

 

"Plein soleil", réalisé en 1959, a fait l'objet d'une nouvelle version en 1999 et s'impose aujourd'hui encore comme l'une des oeuvres majeures du cinéma français, proche du Psychose d'Alfred Hitchcock de par sa structure qui se partage en deux parties séparées par un meurtre et par sa thématique générale où l'on voit le centre d'intérêt se porter sur l'un des personnages, puis sur l'autre, et montre comment un homme condamné en arrive à bâtir lui-même sa propre prison. Thème de l'enfermement qui multiplie les correspondances visuelles de la boucle au cercle et dresse une dimension véritablement poétique à cette oeuvre maîtresse de René Clément. En effet, l'intérêt de ce film réside dans son pouvoir de suggestion, cela grâce à des images savamment allusives qui retentissent fortement et ouvrent une dimension symbolique complexe et enrichissante. C'est que le réalisateur entend révéler les contradictions de ses personnages et la gémellité qui existe entre eux, l'un vivant au crochet de l'autre, au point que l'on assiste ensuite, de la part de Tom Ripley, à un véritable dédoublement, voire même à une usurpation, de la personnalité. Faire exister un mort et exister à la place de ce mort, c'est ce que Ripley parvient à réaliser dans un premier temps jusqu'à ce que le piège de la fatalité se referme sur lui, car le destin n'oublie jamais. Les épithètes les plus laudatifs n'exprimeraient qu'incomplètement ce que cette oeuvre a de parfait dans sa composition, la beauté de ses images dues à la caméra d'Henri Decaë, qui a utilisé le procédé Eastmancolor de façon prodigieuse, la musique de Nino Rota (dont le nom reste associé aux films de Fellini) excellente comme toujours, et au jeu des acteurs, tous remarquables. Alain Delon, alors âgé de 24 ans, trouve là l'un de ces plus beaux rôles, tant il a su s'incarner dans le personnage de Tom Ripley et lui donner consistance ; Marie Laforêt, aux yeux d'aigue-marine, y faisait, quant à elle, des débuts prometteurs et Maurice Ronet, que l'on retrouvera auprès d'Alain et de Romy dans "La Piscine", est, comme à son habitude, très juste et d'une froideur calculée dans cet homme gâché par l'argent et la vie facile. Un chef-d'oeuvre qu'on ne se lasse pas de revoir et qui prouve combien le cinéma français a imprimé une marque profonde dans le 7e Art.

 

Pour lire l'article que j'ai consacré à René Clément, cliquer  sur son titre :

 

RENE CLEMENT ET LE CINEMA D'APRES-GUERRE

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

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PLEIN SOLEIL de RENE CLEMENT
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3 juin 2008 2 03 /06 /juin /2008 09:05
QUE LA BETE MEURE de CLAUDE CHABROL

                                                                                                            
Que la bête meure  (1969), l'un des grands Chabrol  avec  La femme infidèle et  Le boucher, est l'adaptation d'un roman policier de Nicholas Blake par le scénariste complice du metteur en scène, Paul Gegauff. Le cinéaste en profite pour se livrer à quelques exercices hitchcockiens, mais très vite trace son trait d'une cruauté rare et développe une atmosphère très chabrolienne. L'histoire est la suivante : sur la place d'un village breton, un petit garçon, qui s'en revient de la pêche à la crevette, se fait renverser et tuer par un automobiliste qui, pris de panique, s'enfuit. Le père de la victime jure de se venger et de retrouver le chauffard. Dès lors, Charles Thénier ne vit plus que dans l'espoir de recueillir les indices nécessaires qui le conduiront jusqu'à l'homme qu'il entend abattre sans pitié. Le hasard aidant, il découvre une piste, et va s'approcher de Paul Decourt à pas de loup, d'abord en séduisant Hélène sa compagne, puis en entrant peu à peu au sein de la famille, savourant le plaisir qu'il aura bientôt à anéantir le monstre. Car Paul est selon lui un monstre abominable : un jouisseur, un profiteur, imbu de sa personne, implacable dans ses jugements, cynique dans ses propos, sachant tirer profit de cette société de consommation où il s'ébroue à l'aise. D'ailleurs ses attitudes ont fini par lui valoir la haine de son propre fils Philippe, qui le déteste en silence et va, bien entendu, faire de Charles son ami.
 

                       
Interprété par un Jean Yanne fantastique (comme il le sera dans Le boucher), Paul, garagiste de Quimper, est filmé par la caméra de Chabrol comme un insecte malfaisant qu'il étudie à la loupe (un peu grossissante, il est vrai), tellement le cinéaste semble fasciné par cet individu sinistre ; il en surprend les conversations qui trahissent les sentiments les plus vulgaires et en souligne les attitudes qui transpirent l'auto-suffisance la plus médiocre. Or le portrait de cet individu méprisable a curieusement pour toile de fond la douceur des paysages de la Dordogne que baigne une lumière dorée et où se trouvent les grottes sur les parois desquelles figurent les signes d'une préhistoire encore mystérieuse. Le choix de ces lieux n'est pas un hasard, mais bien la volonté du cinéaste qui semble chercher, jusque dans les profondeurs de la terre, l'explication d'une humanité aussi rustre et primitive. Car, malgré les apparences, il y a dans chaque être de bien étranges zones d'ombre, où les malheurs du plein jour peuvent se tapir, avant de surgir à nouveau lors d'un événement imprévisible. A partir de ce thème, Chabrol emprunte à Hitchcock certains mouvements de caméra, ainsi qu'une manière d'insinuer la peur sous les cieux les plus cléments. L'art de peindre les vallons verdoyants ou le calme des sous-bois selon  Mais, qui a tué Harry ? 
Avec cette oeuvre cruelle et poignante, Chabrol confirme la maîtrise de son art au service d'un narratif incisif et précis et pose, à la manière de Fritz Lang, à qui il est fait référence, une interrogation provocante et anxieuse sur la culpabilité.

 

Pour lire mon article consacré à Claude Chabrol, cliquer sur son titre :

 

CLAUDE CHABROL OU UNE PEINTURE AU VITRIOL DE NOTRE SOCIETE

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, dont Le beau Serge, La femme infidèle et La fille coupée en deux, cliquer sur le lien ci-dessous: 

 

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QUE LA BETE MEURE de CLAUDE CHABROL
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28 mai 2008 3 28 /05 /mai /2008 08:31
CHANTONS SOUS LA PLUIE de STANLEY DONEN

                                                                                        

Dans les années 1920, les problèmes divers que posèrent aux équipes de cinéma le passage du muet au parlant ont inspiré l'intrigue de ce film qui n'a d'autre prétention que d'être un parfait divertissement. L'histoire est simple : inquiet de la voix nasillarde de sa vedette, un metteur en scène - sachant son film très attendu - a l'idée de le transposer en comédie musicale. A partir de ce mince sujet, Stanley Donen aura l'intelligence et le talent de se livrer à un travail d'orfèvre. Il commence par choisir des mélodies à succès, un bon chorégraphe et surtout d'excellents artistes, dont certains ont déjà fait leurs preuves dans le music-hall et la scène. Enfin pour jouer les rôles principaux, il pose son dévolu sur Gene Kelly, qui vient de remporter un immense succès avec  Un américain à  Paris de Vincente Minelli, et Debbie Reynolds, âgée alors de 19 ans, et considérée à Hollywood comme l'ingénue malicieuse du moment. Ce film contribuera d'ailleurs à la propulser au rang de star. Il est vrai qu'elle apparaît dans cette comédie rafraîchissante, rayonnante de charme et de fantaisie, et qu'elle ne retrouvera jamais plus un rôle qui lui conviendra à ce point. A côté d'elle et de Gene Kelly, on découvre, lors d'un duo devenu pour les cinéphiles un numéro d'anthologie, une Cyd Charisse qui faisait là des débuts prometteurs. On sait la carrière éblouissante qui fut la sienne par la suite. 

 

 

 Le film (1952) se présente donc comme une satire savoureuse des débuts du parlant et, tout au long de son déroulement, nous distille, comme le ferait un bon vin ou une coupe de champagne, une délicate ivresse.  Pas d'état d'âme, mais une bonne dose de philosophie optimiste qui aborde les inévitables tracas de l'existence comme autant d'obstacles à franchir dans l'allégresse. La pluie, elle-même, devient un élément ludique de diversion avec lequel on joue et que l'on accepte en riant. Jamais elle n'a été dans un long métrage une partenaire aussi convaincante, aussi gaillarde et guillerette. Tout est motif à chanson et à danse,  d'où  l'entrain  irrésistible de ce film qui est un remède souverain contre la morosité. Cette gaieté de l'entre-deux-guerres n'est pas sans rappeler celle des années 60. Même insouciance, même légèreté  dans une actualité où rien ne semble devoir peser. C'est frais comme un sorbet, pétillant comme un gin-tonic et se laisse regarder avec délectation.  " C'était une très bonne idée de faire un film sur la période de transition du muet au parlant. (...) Ainsi au départ, nous ne disposions d'aucune ligne directrice ; aucune vedette prévue si ce n'est Kelly " - dira Stanley Donen en 1963.  Pour réaliser le scénario, Adolph Green et Betty Comden n'hésitèrent pas à travailler dans les cabarets et à se pencher, en vrais professionnels, sur les moindres détails relatifs aux spectacles de chant et de danse. Dans un premier temps, le film devait se présenter comme un remake de Bombshell de Victor Fleming dont Jean Harlow était la vedette. Mais, réflexion faite, il fut décidé de renoncer à cette idée  pour un scénario totalement original. Gene Kelly, ayant été choisi par Stanley Donen, il restait à trouver la vedette féminine en mesure de chanter et danser avec naturel face à un partenaire de la compétence et de l'envergure de Kelly. Debbie Reynolds ne savait effectuer ni l'un, ni l'autre, mais Louis B. Mayer tenait à ce qu'elle soit la vedette féminine de la comédie musicale, aussi Gene Kelly la soumit-il à un entraînement intensif et épuisant durant 3 mois, à raison de huit heures de travail par jour. Sur le point de craquer, Debbie fut aidée par Fred Astaire qui répétait Mariage royal sur un plateau voisin.

 

 

Eblouissante comédie, Chantons sous la pluie est, en effet, un film dont chaque instant porte la marque du souci de perfection de ses créateurs. Les centaines d'heures d'apprentissage, d'entraînement et de répétition aboutissent à quelques minutes de pur ravissement. Par ailleurs, le film pose un regard à la fois tendre et ironique sur le cinéma d'autrefois et évoque avec humour les derniers mois du muet et les débuts compliqués du parlant. Les références y sont nombreuses et pertinentes. La plus judicieuse est l'utilisation d'extraits de The three Musketeers (1948) de George Sidney. C'est l'exemple le plus intelligent de ré-emploie, puisque certains plans du film de Sidney s'enchaînent directement avec ceux tournés par Gene Kelly et Stanley Donen. La scène, inoubliable entre toutes, est probablement celle où l'on voit Kelly chanter et danser sous la pluie, pataugeant dans l'eau avec bonheur, sous les yeux médusés d'un agent de la circulation. L'autre grand moment n'est autre que l'apparition de Cyd Charisse qui danse d'abord avec Kelly comme une vamp, avant de le retrouver peu de temps après dans un club de jeu. Cyd Charisse danse de nouveau avec Kelly alors que sa longue traîne évolue dans l'air au gré d'une soufflerie, puis la jeune femme disparaît et son partenaire retrouve brusquement l'agitation de Broadway, passant du rêve à la réalité sans transition, comme s'il n'y avait pas, à proprement parler, de ligne de démarcation précise entre le vécu et l'espéré. Ainsi tout fut mis en oeuvre afin d'assurer la réussite de ce film : que ce soit les costumes de Walter Plunkett, les décors, la musique, la précision de la chorégraphie, même la voix de Debbie Reynolds, jugée insuffisante, fut doublée pour les chansons par celle de Betty Royce ; oui, aucun détail ne fut laissé au hasard par une équipe soudée dont l'ambition était de donner le meilleur d'elle-même et de faire de ce spectacle un époustouflant moment de bonheur. Elle y a parfaitement réussi et cette comédie musicale fait partie des films-cultes que l'on aime à se passer et repasser sans éprouver la moindre lassitude.

 

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CHANTONS SOUS LA PLUIE de STANLEY DONEN
CHANTONS SOUS LA PLUIE de STANLEY DONEN
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28 mai 2008 3 28 /05 /mai /2008 08:12
GRACE IS GONE de JAMES STROUSE

                     

Grace is gone de James C. Strouse est un film d'auteur qui frappe par sa sobriété et son dépouillement, son écriture épurée et sa gravité. Aucun recours à des effets spéciaux ou à des impacts racoleurs, mais une retenue dans le narratif et l'interprétation du formidable acteur que se révèle être John Cusack dans le rôle de Stanley Philipps. Ce monsieur tout le monde, au physique désespérément banal, surprend par son jeu nuancé et sensible. Nous plongeons avec lui au plus profond d'une Amérique moyenne, sans paillette, l'Amérique des milieux modestes confrontée chaque jour aux problèmes qui sont, à peu de chose près, les mêmes que les nôtres. 

 

L'histoire est simple : le père de deux petites filles apprend que sa femme Grace, engagée en Irak, vient d'être tuée. Submergé par la douleur, il ne sait comment apprendre la nouvelle à ses enfants et lui-même se demande comment il va faire face à un tel événement et envisager son avenir. Sa vie lui parait laminée. Aussi, en désespoir de cause, a-t-il l'idée de prendre sa voiture et de s'en aller - on a toujours envie de partir quand on souffre beaucoup - et de mener ses fillettes dans le parc d'attraction qu'elles préfèrent, en Floride. Ce road-movie fera office de voyage initiatique, presque silencieux, pesant comme un ensevelissement, mais où l'on partage les états d'âme de ce père en proie aux sentiments les plus contradictoires. Cela, sans complaisance, avec beaucoup de pudeur. En effet, John Cusack est remarquable de sobriété et de justesse, nous gratifiant de moments rares d'émotion. Cela donne au film sa tonalité et le transcende bien au-delà d'une trame politique sous-jacente mais discrète.                    


Ce n'est pas non plus un film sur la guerre en Irak ou sur la politique de Bush, mais la peinture d'une Amérique en proie à un dilemme entre son patriotisme profond et son opposition à une guerre qu'elle ne comprend pas. Le héros du film, patriote convaincu, syncrétise parfaitement cette dualité. Son seul recours, pour ne pas perdre pied et garder une certaine verticalité, sera de se raccrocher à ses valeurs et à celles de sa patrie conquérante. C'est là la subtilité de l'oeuvre : nous rendre sensible l'Amérique des gens ordinaires, l'Amérique d'une classe sociale modeste et besogneuse dans un quotidien difficile à vivre en ce temps de guerre en Irak qui, après celle du Vietnam, la dépasse et la perturbe. Il est certain que nous sommes en présence d'un être fragile, vulnérable, qui se culpabilise facilement et à tout propos, mais cette faiblesse n'est-elle pas la nôtre à bien des égards, d'autant qu'elle est rendue plus poignante d'être vécue à travers un acteur qui semble se l'être attribuée personnellement ? Tout le film, malgré certaines facilités, a cette lecture fondamentalement vraie et émouvante d'une population qui s'interroge, se remet en cause, cherche à comprendre et à se comprendre et nous invite à entrer dans cette interrogation d'un XXI siècle rongé par ses doutes.

En conclusion, un long métrage juste, sans prétention, dont les maladresses ne parviennent pas à ternir l'intérêt et qui, sans être à proprement parler une première oeuvre engagée, pointe du doigt, sans outrance, le barrage médiatique du gouvernement Bush autour de la mort des soldats américains en Irak.

 

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GRACE IS GONE de JAMES STROUSE
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27 mai 2008 2 27 /05 /mai /2008 12:43
SYDNEY POLLACK

 
Sydney Pollack, qui s'est éteint le 26 mai 2008 des suites d'un cancer, fut l'un des cinéastes les plus marquants de l'après-guerre, avec des films comme  "On achève bien les chevaux",  "Les trois jours du Condor". Amoureux des acteurs, des actrices, du jeu, le cinéma était sa vie et il sut l'aimer aussi bien devant que derrière la caméra, ne se contentant pas d'endosser la casquette de metteur en scène, mais y associant une carrière d'acteur et de producteur. Né aux Etats-Unis en 1934 de parents immigrés juifs, il s'était fait connaître du grand public grâce à son interprétation aux côtés de  Robert Redford  dans  "La guerre est aussi une chasse"  en 1962. Trois ans plus tard, il était devenu metteur en scène et signait  "Trente minutes de sursis", drame intimiste, avant de trouver définitivement son style avec  "Propriété interdite" (1966), élégie romantique inspirée d'une pièce de Tennessee Williams. Recherche du temps perdu et quête d'une Amérique disparue s'y confondent dans une égale nostalgie de l'innocence. Thème magnifique que l'on retrouvera dans  "Jeremiah Johnson" (1971), où l'on voit un homme quitter la civilisation et tenter de revenir à la vie sauvage sans que son expérience soit concluante, car on ne fuit pas impunément la réalité.


Ce sera ensuite "On achève bien les chevaux", tiré d'un ouvrage de Horace McCoy où l'on assiste, durant la terrible dépression de 1932, à un marathon de danse mis sur pied par des organisateurs peu scrupuleux, à l'intention d'un public avide de voir des couples, en mal d'argent, entrer en compétition jusqu'à l'épuisement Optant pour l'unité de lieu, Pollack choisit de circonscrire l'action sur la piste de danse et les vestiaires, afin de créer une atmosphère d'enfermement, particulièrement efficace. Par ailleurs, il enrichit son narratif d'un aspect métaphorique en ayant recours à des images pleines de symboles, comme ce cheval qui galope dans la plaine avant de s'abattre dans l'herbe. Enfin, il réussit parfaitement à rendre palpable l'épuisement des malheureux danseurs, les mâchoires crispées, ivres de fatigue et luttant désespérément contre le sommeil. Admirablement interprété par Jane Fonda et Michael Sarrazin, ce film eut un grand retentissement et prouve combien l'auteur sut jouer sur des registres divers et varier les thèmes de ses réalisations. C'est à l'âge d'or du cinéma romanesque que Pollack se réfère lorsqu'il constate que  "peu de choses expriment la vérité autant que les mensonges". Entendons-là, par mensonge, vérité seconde de l'artifice et de la stylisation, vérité supérieure de la métaphore et du symbole. Et il est vrai que la sympathie du cinéaste va spontanément à l'amateur qui méconnaît les règles du jeu, à l'ingénu pris au piège de machinations ténébreuses, à l'individu arraché à sa quiétude de rêveur. Humaniste libéral, il s'est attaché aux êtres plus qu'aux idées et aux sentiments davantage qu'aux idéologies. Dans "Tootsie" (1982), par exemple, il introduit une réflexion lucide sur l'identité et ses avatars dans les relations affectives et sociales. Dustin Hoffman y campe, de façon irrésistible, un comédien trop exigeant qui ne rencontre la gloire que grâce à la supercherie : il se travestit en femme et obtient aussitôt le rôle principal dans une série télévisée. Aussi ne peut-on reprocher à Pollack, en prenant connaissance de sa filmographie, d'avoir dévié de sa trajectoire, empreinte de mélancolie et d'un profond humanisme, faisant en sorte d'allier harmonieusement conscience et romanesque. Ce sera le cas avec  "Havana", où il se livre à une véritable réflexion politique sur la révolution cubaine. Plus tard,  il connaîtra la gloire avec  "Out of Africa", le film aux sept Oscars, où il nous dépeint magnifiquement les paysages du Kenya. On retrouve dans cette oeuvre accomplie le charme suranné des vieux films africains, mais le cinéaste sut déjouer les pièges et introduire une incontestable modernité dans son histoire. En nous quittant, il laisse derrière lui une filmographie exemplaire, qui pose sur les hommes un regard aigu mais toujours empreint de compassion et de tendresse. Sans nul doute, il ne fut pas dupe des dangers et erreurs qui menacent notre époque, mais a contribué à hisser le 7e Art vers l'excellence.

 

Pour lire les articles de la rubrique consacrée aux réalisateurs, cliquer sur son titre :

 


LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART

 

Et pour accéder aux critiques que j'ai consacrées aux films de Sydney Pollack, comme Jeremiah Johnson, Out of Africa et On achève bien les chevaux, cliquer sur le lien ci-dessous :  

 

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

 

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24 mai 2008 6 24 /05 /mai /2008 10:58
LA NUIT AMERICAINE de FRANCOIS TRUFFAUT

                              

En 1973, après "Une belle fille comme moi",  François Truffaut avait besoin de se ressaisir. Ce dernier film avait été un semi échec et il lui fallait absolument frapper  les esprits par une production forte, une oeuvre magistrale. Ce sera "La nuit américaine". Selon moi son plus beau film avec "Le dernier métro", celui d'où émane un charme envoûtant et qui a cette particularité d'être sans doute l'oeuvre la mieux construite du cinéaste et celle qui donne étrangement l'impression d'une improvisation permanente. Car qu'est-ce que La nuit américaine, sinon le récit d'un film dans le film, l'immersion dans l'intimité d'un tournage, en quelque sorte un documentaire sur une profession qui suscite curiosité et fascination et, pour finir, une chronique non dénuée d'humour d'une entreprise ensorcelante qui sait mieux qu'aucune autre inspirer petites et grandes passions et se révéler être un jeu de balancier entre fabrication d'un spectacle et confession secrète. En effet, "La nuit américaine" est une célébration lyrique de la création d'un film et s'élabore à partir de "Je vous présente Pamela", astuce habile qui permet à Truffaut de nous instruire sur l'art cinématographique et de nous montrer ce qui sépare la réalité fictive de la réalité vécue et, mieux encore, de nous apprendre comment l'une se nourrit de l'autre, tant la ligne de démarcation entre les deux est peu étanche. Nous sommes ainsi les témoins des constants aléas rencontrés par l'équipe et les situations rocambolesques qui en découlent : caprices de star, retards, contre-temps, surprise après surprise qui se vivent en général dans une louable bonne humeur, un zeste de flegme et de fatalisme, les intervenants étant conscients qu'ils ont embarqué sur le même navire pour se rendre à même destination. Au coeur de cette équipe domine la star, celle qui est chargée du rôle principal et dont chacun, c'est-à-dire le metteur en scène, les autres comédiens, la scripte, l'habilleuse, le preneur de son, dépendent plus ou moins. Aussi pour tenir tout son monde sous son charme et se faire accepter comme l'incomparable idole, lui faut-il faire preuve de magnétisme et de séduction, d'où ses angoisses perpétuelles. Le monstre sacré de La nuit américaine est Jacqueline Bisset au regard d'émeraude et à la beauté délicate, dont la vulnérabilité est évidente et les caprices fréquents.

 

Dès l'ouverture, Truffaut dédie le film aux grandes actrices du cinéma muet : Lilian et Dorothy Gish. Plus loin, il rend hommage à une autre grande actrice, française quant à elle, Jeanne Moreau, l'héroïne de Jules et Jim et, ce, au travers d'un jeu radiophonique. On saisit à quel point ce metteur en scène était sans cesse à l'écoute de ses acteurs et la sympathie fondamentale qu'il leur vouait. D'ailleurs Truffaut ne se cachait pas d'avoir réalisé La nuit américaine comme un documentaire. L'origine de ce film remonte à une observation de Hitchcock lors de son interview avec Truffaut : Toute l'action se déroulerait dans un studio, non pas sur le plateau devant la caméra, mais hors du plateau entre les prises de vue ; les vedettes du film seraient des personnages secondaires et les personnages principaux seraient certains figurants. On pourrait faire un contrepoint merveilleux entre l'histoire banale du film que l'on tourne et le drame qui se déroule à côté du travail. Et Truffaut, des années plus tard, devait se souvenir de cette suggestion géniale du maître du suspense. Je me suis imposé des limites très précises  - avait-il dit à ce propos - j'ai respecté l'unité de lieu, de temps et d'action. (...) Je n'ai pas cherché à détruire la mythologie du cinéma. Le cinéma français étant très peu mythologique, j'ai voulu que ce film porte l'empreinte d'Hollywood. Il est exact qu'en dehors de l'aspect anecdotique du tournage du film, auquel nous assistons en spectateurs privilégiés qui ont accès aux coulisses fascinantes du 7e Art, le cinéaste s'est surtout intéressé à la psychologie des personnages. Depuis le metteur en scène Ferrand qu'il interprète avec brio, en proie lui aussi à ses doutes et à ses appréhensions, poursuivi par l'image d'un petit garçon descendant une rue déserte, appuyé sur une canne. Il arrive dans un cinéma et vole des photographies  publicitaires : ce sont des clichés de "Citizen Kane", que Truffaut visionna trente fois et dont il disait que c'était le film qui avait poussé le plus grand nombre de gens à devenir cinéastes. Cette référence oedipienne n'est donc pas anodine et laisse entendre que tous les réalisateurs, un jour ou l'autre, ont volé leur père Orson Welles. Par ailleurs, au cours de cet opus, Truffaut brosse un tableau finement ciselé de la vie privée des uns et des autres en proie à leurs difficultés personnelles, insistant sur la complexité des rapports humains dans une création artistique où chacun a sa pierre à apporter, et pose habilement l'interrogation qui n'a cessé de le tarauder : le cinéma est-il plus important que la vie, rejoignant l'interrogation de Marcel Proust en littérature : le roman est-il plus vrai que la vie ? Ce film est donc rendu plus passionnant qu'il est l'oeuvre d'un passionné, une oeuvre où l'auteur lui-même se met en cause, cherchant des diversions à ses propres phobies. La nuit américaine fut un immense succès et contribua à asseoir la notoriété internationale de Truffaut qui  vit avec bonheur son long métrage couronné de l'Oscar du meilleur film étranger. 

 

Pour lire l'article consacré à François Truffaut, cliquer sur son titre :

 

FRANCOIS TRUFFAUT OU LE CINEMA AU COEUR

 

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23 mai 2008 5 23 /05 /mai /2008 10:39
LES NUITS DE LA PLEINE LUNE d'ERIC ROHMER

                 

Louise, stagiaire dans une agence de décoration, occupe avec Rémi, urbaniste, un appartement à Marnes-la-Vallée. Mais Louise est coquette, aime sortir, s'amuser, alors que Rémi, casanier, préfère la tranquillité d'une vie un peu à l'écart des autres. Un soir Louise fait la connaissance de Bastien qu'elle invite dans le studio parisien qu'elle est en train d'aménager. C'est une nuit de pleine lune... Cependant cette existence dissipée commence à la lasser et elle décide de retourner vivre sagement auprès de Rémi. Mais il est trop tard, une autre femme a pris sa place.



Avec ce quatrième film de la série "Comédies et Proverbes", Eric Rohmer illustre la formule suivante : "Qui a deux femmes perd son âme, qui a deux maisons perd sa raison". Une fois encore, l'auteur fait preuve d'une grande liberté de ton et vise à saisir, en peintre autant qu'en moraliste, avec une attention minutieuse, les petits riens de la vie quotidienne qu'il considère comme significatifs de l'air du temps. Son art, comme on l'a dit, mêle une certaine forme de modernité picturale et de tradition classique qui s'applique à inscrire un itinéraire dans un périmètre délimité et ouvre, par la même occasion, une réflexion en profondeur sur l'architecture d'aujourd'hui, la tristesse des banlieues, la jungle des villes, les nuisances de tous ordres et le cocon familial sécuritaire. Cela témoigne d'une extrême sensibilité à l'environnement et nous convie dans des lieux précis qui s'inscrivent dans une chronologie rigoureuse : la gare de Marnes-la-Vallée, le parc du Mandinet, le carrefour Saint-Michel, la place des Victoires, la rue Poncelet... Cette attention portée au cadre de vie est inséparable d'un souci complémentaire de la décoration intérieure. Rohmer l'a confié à son interprète Pascale Ogier qui s'identifie idéalement au personnage de Louise, oiseau volage en quête d'un nid à ajuster à ses mesures. Comme toutes les créatures du cinéaste, elle entend marquer son territoire avec pour seul critère un certain goût de la beauté. Auprès d'elle, l'excellent Fabrice Luchini, qui apporte la seule note drôle et légère de ce film, sans doute le plus décalé, le plus abrupte de Rohmer, se fait le porte-parole du climat habituel rohmérien, lorsqu'il s'écrie : " J'ai besoin de me sentir au centre". Au centre d'un pays, d'une ville qui serait presque le centre du monde.

 

           

Faut-il pour autant considérer le metteur en scène comme un ironique ethnographe, un dilettante à l'affût des minauderies de  ses contemporains, ayant une prédilection pour les personnages exagérément nombrilistes. Il s'en défend et ne se veut que le peintre des moeurs de son époque comme son ami et confrère Claude Chabrol. C'est la raison pour laquelle il fascine et irrite à la fois,  ne laissant jamais indifférent, tant son public finit par se reconnaître dans ce tableau qu'il brosse d'eux avec une grâce et une habileté indiscutables. Il pratique un humour au second degré, pas toujours perceptible il est vrai. Si on le questionne sur ses préférences littéraires, le cinéaste cite aussi bien Balzac que la Comtesse de Ségur et se plait à brouiller les pistes. Dans l'entreprise que je fais - a-t-il coutume de dire - il est bon d'être secret. Son oeuvre est néanmoins d'une rare transparence. Elle s'ordonne, on le sait, en cycles : les contes moraux, les comédies et proverbes, dont le fleuron est sans nul doute "Les nuits de la pleine lune" ( 1984 ), où l'on voit l'importance de cet astre sur le comportement des personnages, sur leur humeur, leurs amours. Le sujet se focalise, comme beaucoup d'autres réalisations de Rohmer, autour des sentiments, des états d'âme de garçons et de filles qui échouent à accorder leurs actes et leurs désirs. D'un prétexte aussi ténu, Rohmer va broder tant et si bien qu'il réactualise le thème bien connu des deux pigeons dont l'un s'ennuyait tant au logis qu'il prît son envol jusqu'au jour où il le réintégrera, mais trop tard pour sauver la mise. Servi par des dialogues étincelants, le film nous renseigne avec brio sur les complications incertaines du coeur, le jeu des apparences, les rendez-vous manqués. Les acteurs servent cette intrigue avec finesse, par leur naturel et leur spontanéité . Et le revoir est d'autant plus émouvant que son interprète féminine Pascale Ogier ( la fille de Bulle Ogier ) devait mourir peu de temps après, des suites d'une attaque cérébrale. Elle reçut à titre posthume le prix d'interprétation au Festival de Venise 1984. Un film subtil et attachant qui nous restitue parfaitement le climat des années 80.

 

Pour lire l'article consacré à Eric Rohmer, cliquer sur son titre :

 

ERIC ROHMER OU UN CINEMA DE LA PAROLE
 

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, dont Ma nuit chez Maud, Le genou de Claire, cliquer sur le lien ci-dessous :
 

 

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22 mai 2008 4 22 /05 /mai /2008 08:49
LE DERNIER EMPEREUR de BERTOLUCCI

    

Le Dernier Empereur, réalisé en 1987 par Bernardo Bertolucci, est une grande fresque historique qui relate la vie de l'empereur de Chine Pu Yi. A l'âge de trois ans, celui-ci avait été enlevé à sa mère et conduit dans la Cité Interdite pour succéder à l'impératrice douarière Ts'eu Hi, qui avait d'abord exercé la régence au nom de son fils Tong Zhi, puis de son neveu Guang Xu. Sa politique conservatrice et nationaliste, dans un état miné par la corruption et les conflits internes, avait favorisé la révolte des Boxers, vite matée par un corps expéditionnaire occidental.
 


Quand le petit empereur monte sur le trône, il devient entre les mains des régents, qui se chargent de le tenir écarté des tumultes de l'histoire, une sorte de marionnette qui n'est là que pour être en représentation lors des nombreuses et pompeuses cérémonies officielles, dont le but est d'impressionner la population. Servi par des centaines de domestiques, vivant parmi les eunuques et les courtisans, l'enfant s'ennuie dans son rôle de figurant, d'autant qu'il est chaque jour privé davantage de sa mère que les officiels s'emploient à éloigner. Alors que le Kuomintang s'est déjà emparé du pouvoir, rien ne parait avoir changé à l'intérieur de la Cité Interdite qui vit en autarcie comme une île coupée du monde. Jusqu'au jour où la révolution, ayant fait son oeuvre, l'empereur se voit contraint de quitter le palais envahi et saccagé par les insurgés et obligé à chercher refuge au Japon. Bien entendu, les Japonais sauront l'utiliser comme un pion sur l'échiquier de la politique internationale. Mais rien ne se passe comme il était prévu. L'axe  Allemagne-Italie-Japon ayant perdu la guerre de 39-45, les Soviétiques viennent prêter main forte aux Chinois pour chasser l'envahisseur japonais et l'empereur est naturellement livré aux autorités de son pays. Condamné à la prison à vie, il est, grâce à sa bonne conduite et à son changement idéologique qui en a fait semble-t-il un communiste pur teint, délivré par un responsable compréhensif. Il finira sa vie comme jardinier du parc botanique de Pékin, visitera, avec le flot des touristes, la Cité dont il avait été le prince et écrira ses mémoires qui seront publiées en 1965. Il meurt en 1967 dans l'indifférence générale. Ainsi assiste-t-on, la gorge nouée, à la transformation d'un homme-dieu en un personnage que la dictature de Mao aura réduit à n'être plus qu'un sous-homme dans un pays vitrifié par une nouvelle idéologie.

 

La critique fut excellente et le film salué à sa sortie comme un chef d'oeuvre. Hiromura ira jusqu'à écrire : " Tout simplement l'une des plus grandes fresques réalisée au cinéma. Un monument, un colosse, une merveille". Le film tourné dans la Cité Interdite - ce qui a causé d'innombrables difficultés à son metteur en scène - est dédié à l'empereur défunt qui fut la dernière figure impériale du XXe siècle. Il se base sur l'incroyable et tragique histoire de ce petit garçon arraché à sa mère, privé d'enfance, écrasé sous le poids des traditions, qui ne découvrira que tardivement, et au prix de quelles blessures et souffrances, les réalités du monde.

 

Les acteurs, tous parfaits dans leur interprétation, rendent crédibles leurs personnages et la mise en scène, précise et efficace, nous restitue l'époque et la vie dans la Cité interdite en ses moindres détails. Le film ne nécessita pas moins de 270 techniciens, 19.000 figurants, 9000 costumes et 2 ans de négociations avec les autorités chinoises pour obtenir le droit de tourner sur les lieux. Aussi est-il une prouesse dans tous les sens du terme. On sort de sa projection ébloui par l'ampleur des prises de vue, la qualité des restitutions historiques, la beauté des images, les scènes tout à la fois rigoureuses et fastueuses, le bouleversant destin de cet empereur que l'existence se plut à placer dans les situations les plus extrêmes et qui, ayant passé son existence à ne pas vivre, entre, grâce à ce film, dans la légende.
 

 

 Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA EUROPEEN, dont 1900, cliquer sur le lien ci-dessous :  

 

 

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  • : LA PLUME ET L'IMAGE
  • : Ce blog n'a d'autre souhait que de partager avec vous les meilleurs moments du 7e Art et quelques-uns des bons moments de la vie.
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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


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