Sur les affiches françaises de Lady Bird, on peut lire que le film est nommé à l’Oscar du meilleur réalisateur. C’est pourtant bien une femme qui a dirigé ce portrait d’ado sensible et rebelle, incarnée par Saoirse Ronan. Greta Gerwig, 34 ans, icône du jeune cinéma indépendant américain a, pour ses débuts derrière la caméra, rejoint d’emblée le club très fermé des rares femmes à accéder à une reconnaissance immédiate grâce à un film personnel, à la fois drôle, fantasque et touchant. Si Lady Bird a fait l’unanimité de la critique, il n’a rien glané aux Oscars 2018 mais qu’importe ! ce long métrage bien maîtrisé révèle une jeune metteur en scène qui sait traiter les sujets difficiles d’une caméra légère et néanmoins très sure.  Mais également parce que Greta Gerwig symbolise, à elle seule, le combat des femmes pour s’imposer dans une industrie où elles étaient à peine 4% à diriger l’un des 100 plus gros succès au box-office l’an dernier. En janvier, son absence dans la liste des nommés au Golden Globe du meilleur réalisateur avait fait grincer des dents, tant cette toute jeune réalisatrice a déjà obtenu le plus difficile : l’adhésion du public et des médias.

Née comme son personnage à Sacramento, Greta Gerwig a écrit  et réalisé un film très personnel et a su confier le rôle principal à une jeune actrice épatante Saoirse Ronan qui crève l’écran dès les premières répliques  et prête à son personnage d’adolescente, en plein apprentissage de la vie et à cette croisée des chemins où se profile déjà son avenir, une incroyable aisance et un réalisme teinté d’une extrême sensibilité. Tout y est des nuances infinies  de cette jeunesse en quête de soi, de cette adolescente à la croisée de multiples chemins, ceux de l’amitié, de l’amour, des études, des relations familiales, autant de choix palpitants et d’adieux anticipés. Christine, qui se fait appeler Lady Bird, est une jeune fille douée, intelligente et rebelle, un peu honteuse de sa famille qui tire le diable par la queue, de son père qui ne s’affirme pas assez et souffre constamment de dépression et d’une mère aimante, certes, mais qui, dans le souci de son éducation, ne cesse de lui rappeler des obligations désuètes et de lui seriner les sacrifices  consentis pour son éducation. Car Lady Bird est ambitieuse  et rêve d’accéder à l’une des universités de la côte Est qui serait  fatalement plus prestigieuse que celles de la côte Ouest. En quelque sorte, l’adolescente ne rêve que d’ailleurs, si bien que ce désir, sans cesse réitéré, n’est ni plus ni moins qu’un reniement des origines. Mais les choses changeront bientôt car les lendemains qui déchantent se profilent et la jeune fille comprendra les valeurs de l’éducation parentale et celles de son collège catholique où se nouaient des amitiés si fortes, où  l’on s’initiait au chant et au théâtre, où l’on vivait en quelque sorte en famille.

Greta Gerwig a le grand mérite de renouveler un thème maintes fois traité au cinéma comme au théâtre et de lui insuffler une fraîcheur et une tendresse qui en font tout le charme. A cela s’ajoute une belle dimension comique nourrie par un réel sens de l’observation, une véracité jamais lourde ou excessive, l’ensemble étant à la fois réaliste mais ciselé avec tact et finesse. Greta ne juge aucun de ses personnages, pas plus le curé maître de chant que la religieuse chargée de l'orientation professionnelle, elle leur laisse la bride sur le cou et plonge l’ensemble dans une atmosphère de bienveillance sans céder jamais au pathos ou au à un quelconque souci de moralisme. Ainsi confère-t-elle à son récit intelligence du cœur et intelligence de l’esprit. Pour un coup d’essai, un coup de maître.

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Première femme directrice de la publication d’un grand journal américain, le Washington Post, Katharine Graham (Meryl Streep) s’associe à son rédacteur en chef Ben Bradlee (Tom Hanks) pour dévoiler un scandale d’État monumental et combler son retard par rapport au New York Times qui mène ses propres investigations. Ces révélations concernent les manœuvres de quatre présidents américains, sur une trentaine d’années, destinées à étouffer des affaires très sensibles … Au péril de leur carrière et de leur liberté, Katharine et Ben vont devoir surmonter tout ce qui les sépare pour révéler au grand jour des secrets longtemps enfouis…

Le nouveau film  de Steven Spielberg, après celui sur Churchill « Les heures sombres »  de Joe Wright, tombe lui aussi à point nommé pour nous rappeler les vraies valeurs, celles de l’engagement moral et de la détermination face au découragement et au mensonge, un film qui revient sur une vérité historique qui, pendant  trois décennies, a conduit un pays à mener une guerre inutile et sanglante en Indochine. Cet opus nous remet en phase avec un épisode méconnu de l’histoire américaine où le premier amendement, garant de la liberté d’expression, notamment celle de la presse, était attaqué par une administration Nixon qui avait tout à perdre des révélations du New York Times sur l’ingérence américaine au Vietnam. Un dossier confidentiel qui confirmait que la guerre en Asie était considérée comme vouée à l’échec par les dirigeants américains depuis ses premiers jours, mais perpétuée néanmoins de façon irrationnelle, et ô combien meurtrière, pour les jeunes soldats.

Le New York Times, qui est en possession du dossier, sera muselé pendant quelques jours pour des raisons judiciaires, alors le moment est venu pour le Washington Post de prendre la relève et d’assumer le risque encouru par la publication de ces documents interdits. Se pose également la question du prix du scoop : tomber à son tour sous la pression judiciaire sans avoir la solidité financière du Times, mettre au chômage des dizaines d’employés, détruire l’accomplissement d’une famille et se retrouver en prison pour ses convictions ? Les interrogations de Katharine Graham sont d’autant plus légitimes que tout se passe quelques jours après l’entrée en Bourse du journal qui se doit de présenter des garanties à ses investisseurs.

Spielberg, bien inspiré, met en scène  la carrière de cette  femme Katharine Graham, fille et veuve des précédents dirigeants, prise soudain dans l’étau entre le copinage avec les politiques, les décisions déontologiques et l’avenir de sa société, choix cornélien où elle prouve sa détermination et son courage en bravant un aéropage d’hommes qui souhaiterait qu’elle se retire. Pour affronter le plus grand combat de sa vie, elle doit s’interroger sur ses raisons personnelles, ses engagements et l’avenir de ce journal familial. Question primordiale : pour qui l’exécutif  gouverne-t-il ? Lui-même ou le peuple, et pour qui les médias travaillent-ils ? Pour flatter et satisfaire les amis ou informer les citoyens des limites du système ? Et quelle est l’urgence : publier afin de sauver l’honneur et réhabiliter la vérité ou se taire et laisser perdurer le mensonge d’état ? Le personnage  joué par Meryl Streep est  celui de l’héroïne de ce bras de fer contre le pouvoir de la Maison Blanche à une époque – celle des années 60/70 - où la société patriarcale l’attend davantage comme épouse, mère et femme au foyer qu’à la tête d’une telle insubordination  qui vient rappeler aux hommes politiques leur devoir de vérité face à leur peuple.
 

Ce film tombe au bon moment pour deux raisons : primo, il rend compte du devoir de vérité d’une presse indépendante et courageuse ; secundo, il se glisse dans l’actuel débat féministe sur les inégalités de traitement faites aux femmes, les humiliations quotidiennes qu’elles subissent en affirmant leurs convictions, leur intelligence et leur perspicacité, y compris dans les décisions historiques de la nation. Les armes de Spielberg, afin de laver les femmes des affronts socio-culturels qu’elles subissent, est d’avoir recours à une actrice formidable Meryl Streep, qui confère à son personnage une force liée à une grâce merveilleuse et de la placer au cœur de ce combat d’idées tellement masculin qu’elle apparaît comme l’incontournable déesse de la sagesse et de la vérité. Un rôle idéal pour cette actrice rompue à toutes les disciplines du 7^e Art. Face à elle tous les acteurs sont justes et convaincants et le film prend au final une ampleur wagnérienne en nous rappelant les mérites du bon droit et de la lucidité. Mais on sait aussi que ces vertus ont été vite oubliées et que la presse a suivi l’Amérique lors de  sa première ingérence en Irak et en bien d’autres encore … hélas ! Quant aux médias français, n’en parlons pas, chouchoutés par des présidents sans scrupules et des directeurs de presse sans honneur, ils ont trop souvent falsifié la vérité.

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Son sourire radieux, sa gaieté communicative et sa parfaite anatomie l’ont révélée avec éclat dans « Pretty Woman » en 1990. Ce succès populaire la propulse d’emblée comme la nouvelle star hollywoodienne et la vedette la mieux payée du cinéma. Née le 28 octobre 1967 à Atlanta, elle débute dans des téléfilms et en 1888 se fait remarquer dans la comédie dramatique « Mystic Pizza » de Donald Petrie et sera bientôt citée aux Oscars et gratifiée d’un Golden Globe. Puis sa carrière se stabilise définitivement grâce à « Pretty Woman » où elle forme avec Richard Gere un couple quasi mythique. Si bien qu’elle enchaîne les films qui, tous, ne lui mériteront pas une critique unanime mais confortent sa popularité au box-office.

En 1993, elle parvient de nouveau à s’imposer comme une valeur sûre, dont la célébrité ne repose pas sur son seul physique, en interprétant le premier rôle féminin du thriller politique « L’affaire Pélican » de Alan J. Pakula. En 1997, elle renoue avec son genre de prédilection, la comédie romantique grâce à « Le mariage de mon meilleur ami » de P.J. Hogan en compagnie de Cameron Diaz et Rupert Everett. Puis, « Coup de foudre à Notting Hill » de Roger Michell où elle joue son personnage de star tombant sous le charme d’un libraire londonien interprété par le séduisant Hugh Grant, avant de retrouver Garry Marshall et Richard Gere dans « Just married  ou presque » une fausse suite de leur succès passé qui sera accueillie fraîchement par le public. Les années 2000 vont renouveler son habituel répertoire avec « Erin Brockovich, seule contre tous » où elle se livre à une véritable performance et crève l’écran par son naturel et son humour. Une performance saluée par l’Oscar de la Meilleure actrice, une dizaine d’années après sa première nomination. En 2001, elle est la partenaire de Brad Pitt dans « Le Mexicain » de Gore Verbinski, enfin George Clooney lui confie un rôle dans « Confession d’un homme dangereux » qui lui conserve sa place dans le peloton de tête des valeurs sûres du 7^e Art. Enfin, pour compléter son assise, elle devient l’égérie des parfums Lancôme en 2008.

Les années 2010 sont moins brillantes, bien que « Mange, prie, aime » soit un succès commercial et qu’elle donne la réplique à Meryl Streep dans un film honorable « Un été à Osage County » de John Wells qui lui vaut une nouvelle nomination à l’Oscar dans la catégorie « Meilleur Second rôle ». C’est lors du Festival de Cannes 2016 qu’elle montera pour la première fois les marches du Palais du Festival de Cannes lors de la présentation du film de Jodie Foster  "Money Monster", au côté de George Clooney. Mariée depuis 2002 au directeur de la photographie Daniel Moder, elle est mère de trois enfants et semble traverser les âges avec une égale sérénité, icône souriante et majestueuse du cinéma d’aujourd’hui.

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Décidément le cinéma français nous surprend chaque jour agréablement avec des films très différents et une même réussite dans la façon de traiter leurs sujets dont certains pourraient être casse-gueule si les metteurs en scène ne savaient les aborder avec inventivité et le ton qu’il faut pour nous séduire et nous surprendre. Le dernier opus des frères Foenkinos dont j’avais apprécié «La délicatesse» ne déroge pas à ce souci de décrire un personnage complexe avec la finesse et la subtilité nécessaires pour éviter de tomber dans le piège de la caricature et de l’outrance. Avec celui-ci, les frères Foekinos s’attaquent  à un sujet difficile, la jalousie, celle d’une femme qui approche de la cinquantaine et dont la ravissante fille de 18 ans devient subitement une rivale.  Que faire, comment s’aimer encore lorsque l’on sent que les êtres et les choses vous quittent peu à peu, que l’on n’est plus le centre d’attraction dans sa profession et son milieu familial, quand le goût de soi se délite et vous fait perdre peu à peu le goût des autres ?

La difficulté de cette étude psychologique, soit la perte progressive de contrôle d’une femme en proie à ses propres démons, était de maintenir le ton juste, de décrire cette personnalité complexe sans alourdir le trait, sans céder à des excès qui confineraient le personnage dans le ghetto des lieux communs et c’est là que les metteurs en scène conduisent leur démonstration avec subtilité grâce à des dialogues, certes cruels, mais justes. En effet Nathalie, professeur de lettres, ressent comme une agression le bonheur des autres, de son mari qui l’a quittée pour une autre, de sa fille qui est amoureuse et réussit dans l’art difficile de la danse, de son amie la plus proche qui file le parfait amour depuis vingt ans avec le même homme, de sa collègue de travail qui lui vole un moment la vedette ; oui, Nathalie perd pied, saisie par le démon d’une jalousie aveugle, d’un ressentiment permanent qui altère son comportement et son jugement. L’aigu et le grave sont les tons employés par les réalisateurs mais sans surcharge et, grâce à une interprétation parfaitement maîtrisée, nous suivons cette femme dont les turpitudes nous sont proposées sous une forme nuancée sans laquelle cette despote autodestructrice risquait de nous rester étrangère.

La qualité de l’interprétation est le second atout  de ce film bien conduit et raconté à hauteur humaine et, en premier lieu, celle de Karine Viard qui donne une densité touchante à ce personnage qu’elle nourrit grâce à une palette émotionnelle dense et variée, tantôt méchante et agressive, tantôt hagarde et perdue, toujours juste face à une Anne Dorval qui forme avec elle un duo d’amies au bord de la crise de nerf mais d’une belle intensité et à la ravissante Dara Tombroff, ancienne danseuse de l’Opéra de Bordeaux, qui imprime au film sa touche d’élégance et de grâce.

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Elle était la grâce et la féminité même, avec une voix de violoncelle. Elle a honoré le cinéma français par son talent (110 films à son actif), son charme, son espièglerie et son élégance. Elle était de ces rares actrices qui peuvent tout jouer avec le même naturel. Elle était née un premier mai, le jour du muguet, et elle s'est éteinte comme une petite bougie à cent ans et demi au coeur d'un automne qui sait nuancer et harmoniser les couleurs. Une vie d'exception pour une femme d'exception. Alors qu'elle étudiait le violoncelle au conservatoire, Danielle Darrieux, née en 1917, est remarquée et retenue pour tenir le rôle principal dans  "Le Bal" de Wilhelm Thiele. Elle a 14 ans et n'a encore suivi aucun cours d'art dramatique. Qu'à cela ne tienne ! Sa fraîcheur, sa beauté, sa spontanéité en font la plus délicieuse ingénue et on parle d'elle comme d'une révélation, si bien qu'elle tourne successivement  "La crise est finie" et "Dédé" (1934) de Guissart,  "L'or dans la rue" (1934) de Kurt Bernhardt et  "Quelle drôle de gosse" (1935) de Léo Joannon et, qu'âgée de seulement 18 ans, elle n'a pas moins de quinze films à son actif.

En 1935, Anatole Litvak lui offre un premier rôle dramatique, celui de la tendre et fragile baronne Vetsera dans "Mayerling" au côté de Charles Boyer, où elle va se révéler une vraie comédienne capable non seulement de séduire mais d'émouvoir et, sans forcer son jeu, de traduire des sentiments complexes et douloureux. Au début de l'Occupation, elle remporte un triomphe avec "Premier Rendez-vous" (1941) d'Henri Decoin qu'elle a épousé. Suivront quelques films sans grand intérêt, avant qu'elle ne renoue avec des personnages plus consistants et trouve un second souffle avec "Occupe-toi d'Amélie "(1949) de Claude Autant-Lara ou "La Ronde" de Max Ophuls. Ophuls, qui a découvert en elle son interprète idéale - il dira à son propos " Regardez ce tendre mouvement de l'épaule et ce sourire qui ne sourit pas mais qui pleure. Ou qui fait pleurer " -  lui confie le rôle principal dans  "Madame de" où elle est inoubliable dans le personnage d'une femme coquette prise au piège d'un grand amour. Affectueusement surnommée D.D., un critique de l'époque écrira  : " Elle a incarné comme Gabin, autant que lui et de façon légère, l'insouciance des années 1930 et la gravité des années 1950".

A propos d'Ophüls, on parle de la trilogie qui réunit les trois films les plus importants :" La ronde", "Le plaisir" et "Madame de". L'actrice y donnera la pleine mesure de son talent et surprendra son public en lui révélant des ressources insoupçonnées : ainsi sera-t-elle tour à tour une bourgeoise, une fille publique et une aristocrate avec la même aisance. Dans "La Ronde", elle incarne avec délicatesse et humour Emma Breitkopf, femme mariée, victime d'une panne de son jeune amant (Daniel Gélin), avant de se retrouver auprès de son mari (Fernand Gravey) dans la chambre conjugale aux lits jumeaux. Elle est ensuite la Madame Rosa du "Plaisir", une des pensionnaires de la maison Tellier qui recouvre un peu de sa dignité  devant les excuses que lui adresse le menuisier de la campagne normande (Jean Gabin) et, pour finir, sera l'interprète insurpassable d'une femme saisie d'une violente passion, oiseau qui se croyait volage et se découvre captif, dans "Madame de"... L'actrice légère, apparemment lisse, pouvait devenir une admirable tragédienne. Le génie d'Ophüls eut, entre autre mérite, celui de tirer d'elle les sons d'un stradivarius.

A partir de ces années 50, elle sera considérée comme l'une des meilleures actrices françaises avec Michèle Morgan et Micheline Presle, sensible, touchante, parfaite dans des rôles aussi divers que celui de Madame de Rénal dans "Le Rouge et le Noir" de Autant-Lara, dans "La Maison Bonnadieu" de Carlo Rim ( 1952) ou "Pot-Bouille" de Duvivier (1957). Elle prêtera également ses traits et son talent à des personnages comme la "Lady Chatterley" de Max Allégret (1955), la Montespan de "L'affaire des poisons" d'Henri Decoin et, également, à des femmes contrastées comme Agnès Sorel, favorite de Charles VII ou Marie-Octobre, une résistante de la dernière guerre. Tant et si bien que la Nouvelle Vague n'hésitera pas à faire appel à une actrice aussi accomplie et qu'elle tournera avec Chabrol dans "Landru" (1962), avec Jacques Demy dans "Les demoiselles de Rochefort" (1967) - où elle sera la seule à ne pas être doublée sur le plan musical - ainsi que dans "Une chambre en ville" (1982), avec Dominique Delouche dans "Vingt-quatre heures de la vie d'une femme" (1968) et "Divine" (1975), avec Philippe de Broca dans "Le Cavaleur" (1978) et avec Téchiné dans "Le lieu du crime" (1985) ; ces cinéastes contemporains n'ayant pas hésité à lui confier des rôles de femme mûre ou même d'adorable grand-mère. Au théâtre, sa carrière n'en est pas moins brillante. Ses plus grands succès seront : "Les jeux dangereux" en 1937, "La robe mauve de Valentine" en 1963 et "Harold et Maud" en 1995.           

En 2005, à 88 ans, elle tourne  "Nouvelle Chance" d'Anne Fontaine. Un record pour une actrice qui a débuté sa carrière à 14 ans et n'a pas moins d'une centaine de films à son palmarès. Cette longévité, elle la doit à une incroyable jeunesse de caractère, d'autant qu'elle n'a pas dit son dernier mot et qu'elle a encore joué devant la caméra de Pascal Thomas  dans "L'heure zéro" en 2007 et dans "Pièce montée" de Denys Granier-Deferre en 2010.  Ainsi a-t-elle tout interprété sans éprouver la moindre lassitude et conservé, malgré les épreuves et les chagrins, une formidable joie de vivre. Ce qui a fait dire à son metteur en scène Anne Fontaine : J'ai été complètement charmée par sa personnalité, son énergie, le mélange de joie, de gaieté et de mélancolie totalement surmontée. Danielle est entièrement tournée vers l'avenir, elle a un rapport unique avec le temps.                                 

Cette grande actrice s'est vu couronnée par le prix de la meilleure interprétation féminine à Berlin en 2002 pour "Huit femmes" de François Ozon, d'un César d'honneur à Paris en 1985 et d'un Molière d'honneur en 1993. Toujours débordante d'activité alors qu'elle avait passé le cap des 90 ans, elle avouait : " J'ai du mal à me voir vieillir. Du coup, je regarde mes anciens films. Mes deux petits liftings sont ridicules à côté de ceux qu'on voit aujourd'hui ! Le secret, c'est d'aimer la vie, de se poser des questions et de ne pas avoir d'oeillères. La comédie, c'est la vie. La seule chose qui m'emmerde, c'est de devoir mourir ". Mais le 7e Art ne l'a-t-il pas depuis longtemps immortalisée ?

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