Film à grand spectacle, Spartacus demeure aujourd'hui encore un modèle du péplum à l'américaine, même s'il n'est assurément pas le meilleur film de son cinéaste, loin de là. L'argument : en 70 après Jésus-Christ, l'esclave Spartacus, devenu gladiateur, est épargné par un de ses compagnons d'infortune dans un combat à mort. Ce répit va lui permettre de prendre la fuite et, après avoir brisé ses chaînes, d'encourager les autres esclaves à l'imiter et à gagner, même au prix du pire danger, leur liberté. Rapidement à la tête d'une colossale armée, Spartacus entend rejoindre le port de Brides, au sud du pays, et d'embarquer à bord d'un navire cilicien. Mais l'Empire romain ne l'entend pas de cette oreille et lance ses légions à la poursuite des esclaves révoltés.

Alors que la vogue du péplum envahit les Etats-Unis depuis le triomphe de Ben-Hur (1959), l'acteur-producteur Kirk Douglas profite de l'occasion pour porter à l'écran l'histoire de ce héros, d'après le roman éponyme d'Howard Fast. L'aventure du révolté, romancée à la sauce américaine de l'époque, est adaptée par le scénariste Douglas Trumbo, pourtant mis sur la liste noire pour cause de communisme. Son implication dans le script étonne moins lorsque l'on sait que les marxistes ont souvent pris la figure de Spartacus comme symbole de la première révolte du prolétariat contre la classe dirigeante. Cette simplification historique se retrouve dans le métrage final, en très large partie hagiographique puisque le vrai Spartacus n'hésita pas à faire tuer des centaines de soldats romains sans s'embarrasser du moindre scrupule. Contrairement au film, il est mort au combat et n'a vraisemblablement pas connu d'histoire d'amour romantique. Ces libertés prises avec la grande histoire n'entament pas  les nombreuses qualités d'une oeuvre pourtant désavouée par tous ses participants.
 

Le tournage n'en  fut pas moins chaotique à la suite du départ du réalisateur Anthony Mann pour différend artistique avec Kirk Douglas. On lui doit d'ailleurs deux des scènes que je considère parmi les meilleures, soit la séquence dans les mines et l'entraînement des gladiateurs. Anthony Mann sera bientôt remplacé par le jeune Stanley Kubrick avec lequel l'acteur producteur avait tourné, en 1957,  Les sentiers de la gloire.  Ce premier film  de Kubrick sera aussi son dernier en tant que simple exécutant car, n'ayant pas atteint le but souhaité, ce dernier se verra amputé d'un bon quart d'heure à cause d'une violence excessive (quelques plans gore réintégrés dans la version définitive) et surtout à cause d'une scène à l'homo-érotisme prononcé. Malgré une production chahutée, Spartacus est aujourd'hui considéré, à juste titre, comme un modèle du péplum à l'américaine. Mêlant adroitement romance, action et message humaniste, cette plongée dans l'histoire romaine bénéficie de dialogues savoureux et de prestations d'acteurs époustouflantes : Laurence Olivier formidable en tyran, Charles Laughton jubilatoire dans le registre de l'ironie cinglante, tandis que Peter Ustinov excelle en traître veule et arriviste, ce qui lui a valu de remporter l'Oscar du meilleur second rôle. Enfin, le couple formé par Kirk Douglas et la délicieuse Jean Simmons réussit sans peine à arracher des larmes aux spectateurs, notamment lors de la scène ultime à la beauté tragique et touchante.

Malgré des qualités indéniables, on peut regretter que Kubrick ne soit pas parvenu à imposer sa vision personnelle. Habitué à transcender les genres qu'il a abordés, il se contente ici d'aligner les figures imposées sans en modifier ni la forme, ni le fond. Même sa réalisation, d'ordinaire si reconnaissable, se désagrège, engluée dans la norme hollywoodienne traditionnelle. Ce manque d'investissement explique sans nul doute le fait que ce maître du 7^e Art refusait de considérer Spartacus comme faisant partie intégrante de son oeuvre, bien que le film ne soit en rien déshonorant.

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA  AMERICAIN & CANADIEN, cliquer sur le lien ci-dessous : 
 

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

En 1958, l'île de Cuba est loin d'être un paradis. Le dictateur Batista oppresse le pays et asphyxie son peuple. Dans les champs de canne à sucre et les jungles perdues des montagnes de l'est du pays, les forces révolutionnaires M26 de Fidel Castro et d'Ernesto ''Che'' Guevara se préparent à marcher sur La Havane. Alors que les troubles agitent l'île, Fico Fellove dirige son club, El Tropico. Dans la tourmente, il se bat pour garder l'unité de son clan, et pour l'amour d'une femme interprétée par Inès Sastre. Fico ne voulait pas s'impliquer dans la lutte politique et idéologique, mais le destin ne va pas lui laisser le choix. Cuba est devenu un monde déchiré par les passions les plus contradictoires, les luttes intestines, les règlements de compte et les rêves brisés. Un film qui a frisé le chef d'oeuvre à quelques erreurs près. Oui,  Adieu Cuba  (Lost City) aurait pu être pour l'île Caraïbe ce que  Docteur Jivago  a été pour la Russie. Mais voilà, il a manqué à l'oeuvre, infiniment respectable d'Andy Garcia - cubain d'origine et qui a quitté l'île à l'âge de cinq ans -  davantage de rigueur dans le narratif, de profondeur et d'inspiration dans le scénario. Ne lui faisons pas pour autant un mauvais procès, car ce dernier vibre, tout au long de sa pellicule, d'un lyrisme sincère, d'un vrai amour pour une île qui semblait avoir été désignée pour être le havre de la beauté et de la douceur de vivre. Cuba doit posséder un charme irrésistible pour que ses paysages, ses musiques, ses lumières, ses parfums restent à jamais gravés au plus vif de ceux qui l'ont connue. Je ne le sais que trop, ayant dans mon entourage des Cubains dont l'exil est une peine inguérissable. Alors, oui, ce film ne peut manquer d'émouvoir, en faisant défiler devant nos yeux la malchance et le malheur que furent pour ce pays, d'avoir eu, à la suite l'un de l'autre, deux dictateurs qui se sont chargés de le ruiner : Batista le mafieux et Castro le marxiste. Il est vrai aussi qu'il n'est pas simple de naviguer dans la complexité d'une époque qui a vu s'affronter les courants les plus contradictoires. D'autant que le budget de 20 millions de dollars nécessaire pour le tournage n'a pas été facile à trouver. Dès le début de son projet, Andy Garcia a dû se confronter à d'innombrables problèmes engendrés en partie par le fait que l'un des protagoniste - en l'occurrence Fidel Castro - était encore au pouvoir. Il fallut donc planter le décor ailleurs qu'à Cuba, et les paysages choisis, pour leur ressemblance, furent ceux de la République Dominicaine au moment de la récolte du tabac, une activité dominante dans la plantation de la famille Fellove. C'est donc dans la très fameuse plantation de Carlos Fuente qu'ont été tournées les scènes principales, où l'on voit soudain une famille composée des parents, de leurs trois fils et de leurs brus, traverser dans la douleur et la dignité les terribles convulsions de la révolution cubaine. Le seul souci du père (remarquablement interprété par  Tomas Milian) sera de maintenir l'unité des siens, de sauver sa famille. Hélas, on verra peu à peu la table familiale se réduire, si bien que Fico, l'aîné, sera le seul, peu avant de quitter l'île, à recueillir les ultimes recommandations de ses parents et la bénédiction de son père.

Le film est tiré d'un roman de l'écrivain cubain Guillermo Cabrera Infante et retrace l'existence de cette saga qui se partage entre plantation de tabac (l'oncle) et l'université (le père des trois fils Fellove étant professeur de droit constitutionnel à la Faculté de La Havane). Entre ces deux formes de culture, le clan s'est épanoui, la maison et les terres agrandies et développées. Mais voilà que les rumeurs d'un coup d'état fomenté par le Che et Castro vont susciter passion et division. Alors que le fils aîné préfère se tenir à l'écart de la vie politique et poursuivre ses activités dans le club de musique et de danse qu'il anime, Luis mourra pour avoir participé au complot qui devait attenter à la vie de Batista ( qui finira par s'enfuir en emportant des sommes considérables d'argent volées au peuple cubain ) et le plus jeune Ricardo rejoindra les troupes castristes. Lorsqu'il comprendra trop tard les tenants et les aboutissants d'un régime qu'il a soutenu et qui commence son règne par une terrible épuration, il se suicidera. Ainsi les personnages vont-ils tour à tour ployer sous l'ouragan de l'Histoire et connaître les affres d'une tragédie contemporaine que trop de clichés décoratifs réduisent malheureusement à l'état de récit anecdotique, les scènes n'étant pas suffisamment reliées les unes aux autres.

Deux erreurs sont surtout à déplorer dans ce long métrage de près de 2h30, tourné avec une incontestable passion et un accompagnement d'images et de musiques splendide : la présence peu convaincante de l'écrivain campé par  Bill Murray,  sorte de clown triste, d'artiste raté et désabusé qui est sensé représenter le désenchantement d'un monde en train de sombrer dans l'anarchie et n'apporte rien au film, et celle d'Aurora, la veuve de Luis, dont Fico est tombé follement amoureux, et à laquelle la belle Inès Sastre  ne prête que sa plastique de mannequin sans parvenir à lui inculquer un semblant d'authenticité et d'émotion. C'est d'autant plus regrettable qu'elle occupe dans le film une place importante, détermine le présent et l'avenir de Fico, autour duquel le scénario se resserre et que, face à lui, c'est-à-dire face à  Andy Garcia  en personne, qui a tenu à être tout ensemble derrière et devant la caméra, elle ne parvient pas à situer sa partition féminine à la même hauteur que la sienne, comme c'était le cas dans Docteur Jivago avec le couple formé par Omar Sharif et Julie Christie. La fin de film est néanmoins très belle et nous laisse sur une impression mitigée où alternent emballement et déception. Nous assistons au départ émouvant de Fico, s'arrachant à son île en même temps qu'à son amour et obligé d'accepter ( comme la plupart des Cubains de la diaspora )  un emploi de plongeur dans une boîte de nuit américaine, cela avec une fierté et une dignité admirable, tandis que la musique poursuit sa mélopée lancinante et nostalgique et que le film se clôt sur ces passions défuntes.

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN & CANADIEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN
 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

    
Quel qu'ait été le film, j'y serais allée pour assister au face à face de deux de mes acteurs préférés, d'autant que je me doutais bien que ni l'un, ni l'autre, n'auraient donné leur accord pour un film médiocre et un scénario bidon. Ils ont mené leurs carrières respectives avec suffisamment d'intelligence et de discernement pour ne pas commettre, à leur âge, et avec leur expérience, une faute de goût. J'étais donc assurée que ma prise de risque était quasi nulle et que le film, que j'allais voir en cette fin d'après-midi presque printanière, serait, sans aucun doute, un très plaisant divertissement. Et il l'est.

Oui, il serait dommage de se refuser une heure trente d'un marivaudage charmant entre gens délicats que tout oppose à première vue et qu'un hasard bienveillant va réunir pour le meilleur. En ces temps de morosité ambiante, je vous conseille vivement ce remontant euphorisant qui mêle des ingrédients de qualité comme une bonne rasade d'humour et une pincée de nostalgie, mais a eu l'audace d'éliminer de sa formule les conservateurs et autres agents nocifs et néanmoins trop courants : la violence et la vulgarité. Aussi, déposez soucis et inquiétudes à la porte de la salle obscure et entrez vous rafraîchir et vous rasséréner avec ce tonique de qualité, en très aimable compagnie de surcroît : un Dustin Hoffman à faire fondre le coeur le plus endurci et une Emma Thompson très classe, très expressive, très attachante en délicieuse vieille fille formidablement séduisante, que l'on aimerait croiser plus souvent sur son parcours. Oui, un film sans prétention mais qui vous assure un plaisir non stop. Ce n'est pas si mal ! Le réalisateur  Joel Hopkins  nous offre avec cet opus - le premier  Mariage et conséquences  en 2002 avait déjà été remarqué et gratifié d'un Bafta et du Prix du public au Festival de Deauville -  une comédie bien écrite et nous prouve, par la même occasion et pour la seconde fois, son savoir-faire, son feeling dans un divertissement aux dialogues vifs et efficaces.

L'histoire est la suivante : Harvey Shine, musicien américain, vient de débarquer à Londres pour assister au mariage de sa fille qu'il a un peu perdue de vue depuis son divorce d'avec sa mère et du remariage de celle-ci. Compositeur de jingles et obsédé par son travail, il n'est là que de passage, ayant un rendez-vous important à New-York le surlendemain. Mais de mauvaises nouvelles vont tout remettre en question, sa vie professionnelle comme sa vie personnelle. C'est grâce à un formidable coup de chance qu'il rencontre Kate, une célibataire bon chic, bon genre, d'une quarantaine d'années qui aime la lecture et sa vieille maman envahissante. La suite est sans surprise, mais si agréablement contée, si délicieusement interprétée, avec, à la clé, un message si plaisant à entendre, qu'on se laisse gagner par cette bonne humeur et cet optimisme qui, d'une rencontre réussie à un rendez-vous manqué mais rattrapé, tisse à petits points, avec charme et élégance, un ouvrage somme toute bien fait et bien cousu. Aussi ne boudez pas l'opportunité de passer un excellent moment avec ce couple ... qui illustre si bien cette ultime chance de l'amour.

 Pour lire les articles consacrés aux deux acteurs, cliquer sur leurs titres :
 

DUSTIN HOFFMAN           EMMA THOMPSON



Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN & CANADIEN, cliquer sur le lien ci-dessous :



LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN
 

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

       
Dix ans de préparation pour ce film qui est tout ensemble une ode à la nature, à la beauté, à la liberté, à la solitude et, par ailleurs, une odyssée personnelle, celle d'un jeune américain frais émoulu d'une université et qui, tournant le dos à la civilisation et à nos sociétés consuméristes, abandonne sa voiture, lègue les dollars de sa bourse à une oeuvre caritative et prend la route pour un voyage initiatique, effaçant ses traces au fur et à mesure de son avancée, afin de se fondre à tout jamais dans la nature. Sa vraie naissance - dira-t-il - au long de ce parcours raconté en une suite de brefs épisodes et sous forme d'un journal intime par ce héros au beau sourire, qui a largué les amarres et fait retour à la vie sauvage.

Christopher était le nom réel de cet Ulysse des temps modernes, épris d'indépendance et de grands espaces qui mourut en 1992 après deux années d'un itinéraire qui, au fil des semaines et des mois, s'avéra être une rédemption, un retour aux sources, à l'espérance, à la reconquête d'un moi perdu. Une enfance difficile, au sein d'un couple conflictuel, avait amené le jeune homme à renoncer à poursuivre une existence, tracée d'avance, de cadre supérieur formaté à Harvard. Sean Penn, le réalisateur, dont on comprend vite qu'il a trouvé en cet aventurier le catalyseur idéal de ses propres fantasmes, a poussé la reconstitution à l'extrême jusqu'à rebâtir à l'identique le car désaffecté où Christopher acheva sa brève existence. Rien n'est laissé au hasard de la désocialisation progressive de ce héros qui avait choisi de gagner l'Alaska, sa terre d'élection, par le chemin des écoliers. Son retour à la vie primitive, son grand plongeon dans une nature quasi vierge ne se feront pas sans douleur. Si la nature, chantée en une succession d'images sublimes, lui offre sa beauté suffocante, ses immensités âpres et sauvages, si elle contribue à installer en lui-même le mythe de la terre reconquise, elle apporte aussi son lot d'épreuves et la mort. Sous l'apparence d'une fleur, hélas vénéneuse qu'il a confondu avec une autre comestible et qu'il avalera par mégarde, il tombe dans un état de grande faiblesse et parvient à ce seuil où il n'est plus de retour possible, comme le ferait un jeune dieu qui, ayant compris le sens de la vie et atteint le Nirvana, se retirerait du monde des hommes pour s'avancer triomphant vers l'autre lumière. C'est cet ultime message que le metteur en scène propose : celle d'un homme qui accepte sereinement la traversée du miroir, parce qu'il a bouclé sa vie en un accéléré de deux ans et compris que le bonheur n'existe que s'il est partagé.

Rencontre avec soi d'abord, rencontre avec les autres ensuite, cette route est avant tout une quête intérieure, une découverte de la foi qui fait basculer de l'égoïsme à l'altruisme, de l'enfance à l'âge adulte, du doute à la certitude, de l'insoumission à la sagesse, et se réalise dans cette mort acceptée comme le passage définitif, l'entrée dans l'Alaska spirituel. Servi par un narratif admirablement cadencé, économe de mots afin de mieux atteindre l'essentiel, silence expressif capté par une imagerie grandiose,  Into the wild  est une totale réussite, un film concertiste où le héros inscrit sa partition dans celle plus symphonique de la nature, en une suite de mouvements rythmés par ses rencontres. Et ces rencontres seront décisives, chacune apportera son lot de chaleur et de tendresse, infinie consolation humaine : tour à tour Christopher se liera d'amitié avec un exploitant agricole pour lequel il travaillera, un couple de hippies sympathique et convivial, une jeune fille qui lui offrira un amour qu'il ne peut encore accepter mais dont il conservera en pensée l'image radieuse, enfin un vieux militaire qui lui proposera de l'adopter pour qu'il hérite de ses biens et ne soit plus dans une situation aussi aléatoire. Interprété par Hal Holbrook, ce personnage est particulièrement touchant et la scène de leur adieux l'une des plus poignantes du film.

Ces rencontres constituent les étapes capitales de son cheminement personnel, contribuant à son éveil aux autres dans un contexte tellement plus authentique que celui de ses années en université, et autant de révélations pour conforter l'altérité. Emile Hirsch, conduit d'un doigté sûr par son metteur en scène, campe avec une force, une humanité, une sincérité captivantes le personnage de Christopher et assume pleinement le mythe du vagabond inspiré, ses joies, ses emballements, ses craintes, ses doutes. Il ne cesse de nous toucher, de nous questionner, de nous bouleverser par cette sorte d'élan irrésistible qu'il manifeste jusque dans ses instants d'abattement ; il est en permanence dans une attitude positive, poursuivant sans faiblesse son périlleux défi. Magistral.

Pour lire l'article que j'ai consacré à Sean Penn, cliquer sur son titre :

SEAN PENN - PORTRAIT

Et pour prendre connaissance de la liste complète de la rubrique CINEMA AMERICAIN & CANADIEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN   

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL

L'une des scènes de Chantons sous la pluie est la reconstitution d'une réception au cours de laquelle un producteur montre à ses invités un essai de cinéma chanté. L'expérience apparaît peu concluante et les spectateurs sont sceptiques, persuadés que ce style de cinéma n'aura pas d'avenir. Cette attitude était alors celle de la quasi totalité de la profession cinématographique en 1925. Mais la perfection esthétique à laquelle les films allaient accéder encouragerait le 7e Art à développer ce nouveau genre et à poursuivre dans cette voie. Ce qui donnera naissance à quelques chefs-d'oeuvre dont ceux tournés avec le couple Astaire/Rogers et d'autres où s'illustrèrent des vedettes comme Gene Kelly, Cyd Charisse, Judy Garland, Debbie Reynolds, Leslie Caron, et des metteurs en scène de la pointure de Vincente Minelli, George Sidney, Stanley Donen, Charles  Walters. High Society, qui date de 1956,  est justement l'oeuvre de Walters. Sans être une réussite comme Un américain à Paris ou Funny Face, cette comédie est plaisante, ne serait-ce que par la présence lumineuse de Grace Kelly,  ainsi que celles d'hommes aussi talentueux que Bing Crosby et Frank Sinatra, aux voix d'or.

" La distribution était très impressionnante - déclarait Charles Walters. Crosby est un des êtres les plus agréables avec qui j'ai jamais travaillé. La musique était très bonne, ce dont j'étais particulièrement content, étant donné que j'allais régler tous les numéros moi-même. Il y a une seule chanson que Cole Porter n'arrivait pas à nous fournir et c'était très important puisque c'était celle qui allait réunir Crosby et Sinatra et que tout le monde allait attendre. Cole a essayé plusieurs fois mais il n'arrivait pas à écrire la chanson qu'il fallait. Alors Saul Chaplin, qui s'occupait de la musique, s'est mis à faire des recherches et il est tombé sur "Well did you Evah ". Je crois que c'était une chanson vraiment idéale pour eux".

Le soliloque de Bing Crosby chantant " I love you Samantha", l'aveu de Frank Sinatra à Grace Kelly,  "You're sensationnal" et le "Well did you Evah" qu'interprètent Crosby et Sinatra bénéficient du professionnalisme des deux chanteurs, parfaitement à l'aise avec la musique de Cole Porter. Quant à l'histoire, il faut admettre que son livret est mince, très mince : Tracy Lord (Grace Kelly) doit épouser le séduisant George Kittredge (John Lund), mais son ancien mari Dexter-Haven (Bing Crosby), qui l'aime toujours, va ré-apparaître dans sa vie et finira par la convaincre de re-convoler en juste noce avec lui. Voilà les éléments principaux de cette fiction autour de laquelle viennent se greffer des incidents consécutifs aux préparatifs mondains au mariage et aux indiscrétions dévoilées par un journal à propos de la liaison qu'entretient Seth Lord, le père de Tracy, avec une jeune fille de la bonne société. Tout cela gentillet, sans plus.

Mais il y a la musique de Cole Porter, la trompette virtuose de Louis Amstrong  et ces moments attachants comme celui où l'on voit Grace Kelly, au bord de la piscine, mettre à l'eau la réplique du "True Love", maquette exacte du bateau qui a abrité autrefois ses amours avec son mari. Il est probable que sans la présence de l'actrice, toute de charme et de féminité, High Society aurait pu sombrer dans le marivaudage matrimoniale le plus conventionnel. Mais dans ce film, le dernier qu'elle tourne quelques semaines avant de prendre le bateau qui la conduira à Monaco afin d'y  épouser le prince Rainier, il se dégage d'elle une séduction faite d'émotion et de nostalgie qui  prête à ce long métrage une aura particulière, en même temps qu'il lui procure l'indéniable privilège de réunir pour la première fois les deux crooners les plus célèbres d'Amérique. Pour toutes ces raisons, cette comédie musicale mérite d'être revisionnée (le DVD existe). Elle distille avec saveur le goût d'un passé encore récent, bien qu'à jamais disparu.

Pour lire l'article consacré à Grace Kelly, cliquer sur son titre :      GRACE KELLY    

Pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA AMERICAIN & CANADIEN, cliquer sur le lien ci-dessous :

LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN

RETOUR A LA PAGE D'ACCUEIL