Péplum et mise en scène hollywoodienne, l'Ulysse  de Mario Camerini n'échappe pas aux défauts du genre, mais n'en est pas moins de ces films que l'on aime à revoir car ils marquent un temps où l'on ne lésinait pas sur les moyens, ni sur le casting, ni sur les compétences associées de deux continents afin d'adapter, autant que faire se pouvait, le plus ancien texte littéraire de l'humanité. Produit à l'initiative de la société Lux Films dont les producteurs n'étaient autres que Carlo Ponti et Dino de Laurentis, Ulysse n'en est pas moins une commande américaine destinée à contrer l'influence grandissante du petit écran aux Etats-Unis et le début de désaffection des salles obscures. Côté américain, le scénario est confié à Ben Hecht et c'est une star américaine qui sera la tête d'affiche : Kirk Douglas. Ce film va d'ailleurs marquer un tournant pour l'acteur, lequel, la même année, créera sa propre société de production et contrôlera désormais la plupart des films dans lesquels il jouera.

                            Kirk Douglas et  Rossana Podesta

Par contre, les seconds rôles seront issus de la péninsule. Ainsi celui de Pénélope sera confié à Silvana Mangano, l'épouse de Laurentis, qui endossera également celui de Circé. Agée de 23 ans à l'époque, la très belle Silvana sera aussi à l'aise dans ces deux rôles qui est l'une des trouvailles de la production. En effet, le pouvoir de séduction de Circé sur Ulysse est d'autant plus fort qu'elle a les traits de son épouse et que l'actrice a ainsi l'occasion unique de jouer les deux faces d'un même personnage : Pénélope la tendre et fidèle et Circé la séductrice maléfique.

                       Kirk Douglas et Silvana Mangano

Collaboration financière et technique, le film est également une collaboration artistique exemplaire. Le sujet : une légende grecque typiquement européenne qui permet des décors fastueux et quelques belles scènes d'action. L'histoire - que tout le monde connaît - est celle d'Ulysse, conquérant de Troie, qui regagne Ithaque, sa mère patrie. Mais ce retour va être l'occasion de péripéties multiples et de confrontations périlleuses, la plus grave étant peut-être celle qui l'attend à Ithaque où le trône laissé vacant fait l'objet de nombreuses convoitises, les prétendants briguant tout ensemble la main de la belle Pénélope et la couronne. Pressée de toutes parts, Pénélope a réussi à refuser les demandes des prétendants grâce à un subterfuge : une tapisserie qu'elle entend terminer comme elle l'a promis jadis à son époux, mais qu'elle défait chaque nuit pour en retarder l'achèvement. C'est seulement lorsqu'elle sera finie que Pénélope considérera qu'elle est désormais libérée du lien qui l'unit à Ulysse, et sera donc en mesure de choisir celui auquel elle unira son destin parmi les hommes qui aspirent à faire d'elle leur femme. Bien que soutenue par son fils Télémaque, Pénélope se sent faiblir et le doute l'envahit, surtout face à l'impétueux Antinoüs interprété par Anthony Quinn. Sur les conseils de Télémaque, elle annonce alors qu'elle ne se donnera qu'au vainqueur des jeux d'Apollon qui doivent bientôt se dérouler dans la ville.

Pendant ce temps, non loin de là, Ulysse a échoué sur l'île de Corfou, à la suite du naufrage de son bateau pulvérisé par la colère du dieu de la mer Poséidon. Recueilli par la gracieuse Nausicaa ( Rossana Podesta ), Ulysse, devenu amnésique, ne sait plus ni d'où il vient, ni où il va et ignore jusqu'à son nom. Mais par chance, la mémoire lui reviendra pour enfin regagner Ithaque après 10 années d'absence et les innombrables péripéties qui auront jalonné son parcours. Cette histoire, qui finit bien, se laisse regarder sans déplaisir, d'autant que le metteur en scène n'a lésiné ni sur la beauté de ses actrices et acteurs, ni sur les effets spéciaux à l'ancienne. Les puristes trouveront, non sans raison, que cela est kitch, très kitch même, et difficile à digérer, les autres se laisseront séduire par ce fastueux album d'images comme savait les composer l'Amérique des années 50. En le revisionnant à la télévision, la plupart des décors carton-pâte et la laideur des costumes féminins, dont ceux de la pauvre Rossana Podesta, apparaissent ridicules. Certes, le film a vraiment beaucoup vieilli. Mais Silvana Mangano et Kirk Douglas tirent leur épingle du jeu  Et puis on peut relire l'Odyssée et là nul danger d'être déçu.

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En Afrique, dans l’une des régions les plus sauvages du monde, les animaux vivent libres, loin des hommes. Au sud du fleuve, qui divise ces magnifiques terres, règne le clan des lions mené par Fang, tandis que la lionne Layla y élève la jeune Mara. Entre chasse et liens familiaux puissants, c’est la vie d’une famille qui s’écrit. Au nord du fleuve, le lion Kali et ses quatre fils rêvent d’étendre leur territoire. Bientôt, les eaux seront assez basses pour que les maîtres du nord tentent leur chance au sud… Dans cet environnement où chacun joue sa survie, Sita, une splendide femelle guépard, tente d’élever seule ses petits. Au fil des saisons, ces destins vont se croiser à travers une histoire qui n’est ni inventée ni mise en scène, mais captée comme jamais auparavant, dans sa bouleversante intimité et sa spectaculaire beauté.

Des semaines de repérage, deux ans et demi de tournage, une équipe de techniciens spécialisés et une technologie de pointe auront été nécessaires pour produire ce document animalier tourné dans la réserve du Masaï-Mara au Kenya, et pour saisir la nature dans ce qu'elle a de plus authentique : la vie des félins filmée au coeur de paysages grandioses, au rythme des pluies et des ensoleillements. Et si la voix humaine, qui se croit dans l'obligation d'expliquer ce que les images démontrent avec tant de réalisme et de splendeur, semble parfois un peu envahissante, le spectacle n'en reste pas moins fascinant, provoquant notre émerveillement. Car lions, léopards et guépards composent un casting formidable qui, à lui seul, mérite tous les Oscars, tant ces animaux crèvent l'écran et sont, dans leur lutte pour assurer leur survie quotidienne, d'une élégance, d'une dignité et d'une noblesse inouïes. Quand une lionne ne se sent plus en mesure de servir sa fratrie, elle s'éloigne pour aller mourir seule, confiant sa fille à la garde des femelles incroyablement bien organisées en société familiale pour la protection et l'éducation des plus jeunes. Cette éducation monopolise leur attention. Ne s'agit-il pas d'apprendre à chasser, à se défendre à leur progéniture dans une jungle où le danger est embusqué derrière chaque buisson d'épineux, chaque repli de terrain, chaque marécage  peuplé de crocodiles. Cela demande des mois de patience,  une vigilance de tous les instants, des reprises incessantes car les lionceaux sont souvent indisciplinés. Mais les mères sont les plus attentives, les plus câlines qui soient. Et leurs jeux avec leurs petits composent d'inoubliables tableaux où la tendresse est constamment présente. Quant aux mâles, que l'on sait plus paresseux que les femelles, ils ont sacrément fière allure. Ce sont des parrains aux regards d'acier qui promènent dans la savane leur orgueilleuse assurance et n'hésitent pas à faire siens les mets de choix que les lionnes s'apprêtaient à partager avec leurs petits. Quant aux gnous, aux innombrables gazelles, aux phacochères, aux zèbres, aux gracieux empalas, ils sont les victimes désignées dont le courage et l'audace méritent toutefois notre admiration. Car eux aussi savent développer des stratégies, eux aussi font preuve d'astuces pour déjouer les plans des grands fauves et, souvent, gagner la partie. Certes, dans ce monde sauvage, pas de place pour les faibles, les  geignards, les indécis, les poltrons, les velléitaires, les impuissants, les désarmés, tout se joue à l'adresse, à la dextérité, à la précision. La vigilance ne doit jamais faillir, la vaillance, l'intrépidité non plus. Tout se joue dans l'instant, tout se règle d'un regard, d'un frémissement, d'un bond. C'est ainsi. Ce monde est élitiste comme il en est peu.  

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Il est regrettable - et il faut le déplorer - que les Américains  mettent plus de talent à promouvoir leurs films qu'à les réaliser. Ce fut le cas d'Avatar, d'Inception et Black Swan souffre également d'avoir été porté au pinacle et annoncé comme un chef-d'oeuvre avant sa sortie en salles. Le danger est que le spectateur, facilement manipulable et toujours bien disposé à s'enthousiasmer, attend trop d'une oeuvre qui, après projection, se trouve réduite malheureusement à ses dimensions réelles, autrement plus modestes. Enseignée par l'expérience, je me rendais hier, à la séance de 17 heures, sans à-priori, mais sans empathie excessive. Je me méfie trop des engouements en aval pour privilégier davantage ceux en amont qui me paraissaient d'ailleurs, à la lecture de nombreuses critiques, plus modérés. Et c'est, en effet, un jugement modéré que m'inspire ce long métrage de Darren Aronofsky et également le regret que le sujet, en lui-même séduisant et porteur, tiré du livre de Andres Heinz, n'ait pas été abordé de façon plus fine, plus subtile et plus artistique. Traitant de l'art de la chorégraphie et de la danse, c'est-à-dire de l'expression la plus évanescente de la beauté, ce film pèche par manque d'art. Si les difficultés de la discipline sont bien rendues, si la férocité du milieu est soulignée à traits vifs et crédibles, le parcours psychologique de l'héroïne, interprétée par la jolie Natalie Portman, sombre dans un pathos dont les ficelles sont aussi grossières que des câbles. Là, où il aurait fallu suggérer d'une caméra légère afin de mieux persuader les spectateurs des dilemmes, des refoulements, des angoisses de Nina, de ses fantasmes aussi, c'est le catalogue complet des déviances de notre société et de son mal-être que l'on nous sert et nous inflige à grand renfort d'hémoglobine : castration, mutilation, obsession, masturbation, tout y passe dans un délire psychotique et schizophrène pénible. Oui, vraiment ... too much.

Et pourtant, il aurait fallu peu de choses pour que le film soit une grande réussite : plus de modestie d'abord, un style moins agressif et grandiloquent, une caméra plus subjective, plus poétique, plus délicate, plus habile à aller à l'essentiel que de rester à sa surface, de fouiller les coeurs que d'en étaler les ravages. Dommage, car les acteurs sont tous excellents, que le rythme est bon et que la caméra à l'épaule ne m'a pas gênée, car elle saisit fort bien les scènes de répétitions, les danseurs au travail, la présence toute puissante du maître conduisant son corps de ballet ou bien les moments plus intimes où Nina se retrouve avec sa mère. Mais voilà, à vouloir trop démontrer, à privilégier exagérément le pathétique, on brouille les cartes, on étouffe l'émotion et on ne laisse dans la mémoire du spectateur qu'une image écornée.

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Au-delà est l'histoire de trois personnages hantés par la mort et les interrogations qu'elle soulève. George est un Américain d'origine modeste, affecté d'un "don" de voyance qui pèse sur lui comme une malédiction. Marie, journaliste française, est confrontée à une expérience de mort imminente, et en a été durablement bouleversée, quant à Marcus, un jeune garçon de Londres, il perd l'être qui lui était le plus cher et le plus indispensable, son jumeau, et se met désespérément en quête de réponses à ses interrogations. George, Marie et Marcus sont guidés par le même besoin de savoir et la même quête, si bien que leurs destinées vont finir par se croiser dans cette tentative qui les anime de répondre, autant que faire se peut, au mystère de l'Au-delà.

Nous aurions tant aimé nous enthousiasmer de l'audace de Clint à s'aventurer dans un nouvelle voie, mais voilà c'est raté, le film se perdant dans les méandres d'une quête ésotérique insuffisamment crédible et un narratif flou qui perd pied et finit, comme le tsunami, magnifiquement filmé au tout début, par noyer les personnages, leurs propos et, par voie de conséquence, le spectateur. Nous sommes loin de ces opus si réussis que furent Sur la route de Madison ou Gran Torino, où Clint, très à l'aise à traiter des sujets qui lui correspondaient, et pour lesquels il avait longuement mûri sa réflexion, nous avait offert des opus cousus main et d'une grande force suggestive. Là, il semble bien qu'il se soit attaqué à gravir une montagne dont il ignorait les secrets et dont les sommets inaccessibles restent cachés dans les brumes. Oui, Eastwood a surestimé ses capacités et ne nous offre qu'un film long, ennuyeux, et aussi peu convaincant que possible. Tout le monde ne s'appelle pas Carl Dreyer, Ingmar Bergman ou Robert Bresson qui savaient, avec un art consommé de la suggestion, aborder les conflits de l'âme face aux questions primordiales : d'où venons-nous et où allons-nous ?  Il faut, pour ce faire, user des moyens minimums, du plus grand dépouillement et de la plus extrême simplicité, afin de parvenir à exprimer le maximum de choses et atteindre l'essentiel. Le contraire des effets recherchés ici par le réalisateur qui emploie les techniques les plus pointues et les ressources les plus sophistiquées de la cinématographie. Oui, les thèmes qui touchent de près ou de loin au monde invisible doivent être abordés avec infiniment de prudence, de façon à éviter d'argumenter dans le vide et de tenter de démontrer ce qui est indémontrable, en se limitant à approcher le mystère et à poser l'interrogation. Cela ne relève que de la foi ou de l'espérance intérieure, démarche totalement opposée à celle de Clint qui s'échine à réduire à quelques arguments pseudo-scientifiques une vie après la mort, supposée inscrite d'ores et déjà dans nos gênes. Dommage ! Il y a de sa part  une tentation d'orgueil et une maladresse à employer les moyens les plus contraires à ce genre de sujet et à s'embourber dans un démonstratif qui va à l'encontre de ce que l'on s'emploie à démontrer.

Preuve en est que les personnages ne parviennent pas à être le moins du monde crédibles. Même Matt Damon, pourtant excellent acteur, et Cécile de France semblent se demander ce qu'ils ont à prouver et bavardent là où il serait infiniment préférable de se taire. C'est par l'image que le 7e Art se doit de convaincre, non par les mots qui eux relèvent de la littérature ou de l'art dramatique. Et c'est d'autant plus fâcheux, que Clint connait parfaitement l'art de la mise en scène, que son ouverture avec l'irruption du tsunami est parfaitement réussie ; de même qu'il sait mieux que quiconque brosser des tableaux évocateurs et qu'il lui aurait été plus facile de convaincre s'il s'était contenté de suggérer au lieu de dogmatiser un tant soit peu sur ce qui n'est pas vérifiable. On ne peut néanmoins en vouloir à un homme aussi talentueux de se tromper. Ce film a le mérite de nous rassurer sur sa curiosité d'esprit, son souci de s'engager sur les pistes les plus hasardeuses, de sonder la mort avec les yeux d'un vivant et de fouiller avec sa caméra au-delà du dicible.

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CLINT EASTWOOD - PORTRAIT

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Dom Cobb est un voleur confirmé, le meilleur dans l'art périlleux de l'extraction. L'extraction consiste à s'approprier les secrets précieux d'une personne, enfouis au plus profond de l'inconscient pendant qu'elle rêve et que l'esprit est le plus vulnérable. Le milieu de l'espionnage industriel convoite Cobb pour ses talents.
Dom Cobb est alors un fugitif recherché parce qu'on croit qu'il a assassiné sa femme. Une ultime mission pourrait lui permettre de retrouver sa vie antérieure et de revenir chez lui, auprès de sa famille. Sa tâche, et celle de son équipe, serait, non de subtiliser une idée, mais d'en implanter une dans l'esprit d'un jeune industriel dont le père vient de mourir et dont la concurrence souhaiterait qu'il détruise l'empire. Si Cobb parvenait au but fixé par le magnat japonais, qui a recours à ses services, il serait parvenu au crime parfait. Soit un crime exécuté par la victime elle-même. D'autant que Cobb a déjà réalisé cette prouesse sur sa propre femme, en la persuadant que ce qu'elle vit est irréel. Cette idée d'existence virtuelle rongera la jeune femme au point qu'elle se jettera par la fenêtre, peut-être pour tenter de se réveiller... Concept séduisant et très à la mode dans notre monde moderne, où nombre de personnes se croient manipulées par l'opinion et les pouvoirs en place. Cependant, aucune stratégie n'a pu préparer Cobb et son équipe à un ennemi aussi dangereux, qui semble avoir toujours une mesure d'avance.

Certes, l'idée était intéressante, encore qu'il soit difficile de transcrire l'abstrait en images. Pour y parvenir, il aurait fallu la traiter de façon plus lisible, plus sobre, plus simple. Ici la technique et les effets spéciaux sont à ce point envahissants que l'émotion et l'envoûtement sont quasi impossibles, même lorsque le cinéaste nous révèle le talon d'Achille de son héros : le suicide de sa femme et l'éloignement de ses enfants. Ces quelques scènes réussies, grâce à l'interprétation de Leonardo DiCaprio, sont malheureusement noyées sous un déluge de bruit, de scènes désordonnées et sans suite qui nuisent à la compréhension et à l'adhésion du spectateur. On a le sentiment, non d'évoluer dans un songe,  mais de se débattre dans un cauchemar violent et fatalement incohérent. Est-ce là le rêve supposé du XXIe siècle ? Et dire que quelques critiques parlent déjà de chef-d'oeuvre. Christopher Nolan serait-il arrivé à leur implanter dans le cerveau qu'il est l'auteur du film le plus intelligent et audacieux jamais réalisé ? Serions-nous en pleine confusion et quelques scènes originales suffisent-elles à sauver cet opus de son impact désespérément brouillon et pompeux, dont les personnages n'ont aucune chair, aucune crédibilité, aucune réalité ? Et que sont allés faire dans ce foutoir l'excellent acteur DiCaprio et la charmante Marion Cotillard qui ne sont pas parvenus à atténuer la désillusion provoquée en moi par cette projection ? C'était le début de l'après-midi, il pleuvait... J'aurais mieux fait d'aller marcher sous la pluie en compagnie des mouettes et des goélands.
 

Car nous sommes confrontés en permanence à un délire onirique où plusieurs rêves, à divers stades de profondeur, s'emboîtent les uns dans les autres. Pour nous convaincre du bien-fondé de sa démonstration, Christopher Nolan ne lésine pas sur les effets spéciaux, les combats en apesanteur, les constructions virtuelles qui s'écroulent et tous les truquages possibles et imaginables que la technique est désormais capable de concrétiser, cela redondants et apocalyptiques à souhait. Sans compter avec la musique tout aussi redondante et appuyée qui est sensée accompagner notre plongée en apnée dans ce labyrinthe assourdissant et ubuesque. Oui la musique agresse autant nos oreilles que les images embrouillent notre esprit. Les spectateurs français se laisseront-ils séduire par ce déluge de technologie qui a nécessité des sommes colossales et bénéficié d'une médiatisation incroyable - je dirai d'une propagande - et dont la mission n'est autre que de nous en jeter plein la vue. D'autant plus qu'une technologie envahissante nuit à l'émotion.

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