Dans la cour d’école d’un paisible village japonais, quatre fillettes sont témoins du meurtre d’Emili, leur camarade de classe nouvellement arrivée. Sous le choc, aucune n’est capable de se souvenir du visage du tueur et d’aider ainsi à son arrestation. Asako, la mère d’Emili, désespérée de le savoir en liberté, convie les quatre enfants chez elle pour les mettre en garde : si elles ne se rappellent pas, elles seront leur vie durant accablées par la culpabilité et contraintes à la pénitence. Quinze ans plus tard, que sont-elles devenues ? C’est ce que ces deux  films ( seconde partie : celles qui voulaient oublier ) nous content en cinq épisodes qui s’enchaînent les uns aux autres, sans omettre les moindres pistes, indices et conséquences et en s’attardant principalement sur le vécu de chacune des jeunes protagonistes marquée à jamais par ce drame.

Le retour derrière la caméra de Kiyoshi Kurosawa, après plusieurs projets avortés, avec les deux volets de cet opus dont la seconde partie - à ne pas manquer - sortira en salles la semaine prochaine, prend la forme d’une frise criminelle doucement perverse, mais d’une délicatesse inouïe, en cinq tableaux  d’une cinquantaine de minutes, commandés par la télévision  nipponne d'après un roman à succès. Une histoire de petites filles qui, devenues adultes, restent, chacune à sa manière,  meurtries par la culpabilité de n’avoir pas identifié celui qui avait assassiné l’une d’entre elles sous leurs yeux.

Le film chemine à pas délicats dans l’imbroglio de ce réseau de névroses, jusqu’à ce que vérité éclate enfin lors d’un épilogue centré sur la figure vénéneuse et magnétique de la mère endeuillée que vous verrez en allant voir la seconde partie. Un polar doublé d'une fine analyse des comportements humains face à un drame qui marque la personnalité à tout jamais et une méditation subtile sur le pardon, la pénitence et la rédemption considérés dans leurs phases les plus divergentes. Passionnant.

Alors qu’il aurait été tentant de relier et réunir, pour l'occasion, les quatre fillettes devenues adultes, Kiyoshi Kurosawa établit entre elles un réseau de solitudes conforme à sa vision atomisée de la société. Il y a celles qui voulaient se souvenir dont Sae interprétée par la très belle Yu Aoi qui se refuse à devenir femme et épouse un homme riche qui, allant au-devant de ses vœux, la transforme en une poupée intouchable jusqu’à la répudier quand surviennent ses menstrues ;  il y a Maki qui est institutrice et provoque le courroux des parents en se montrant trop exigeantes et voit partout des violeurs en puissance. Il y a également celles qui voulaient oublier, dont l'une qui se complait dans un état infantile et joue à la fille-ours, repoussant toute coquetterie qui  éveillerait le désir de l’homme ; enfin Yuka, jeune femme à la cuisse légère, qui sera la seule capable de mettre Asako sur la piste de l’assassin. Le cinquième épisode, assez laborieux, est consacré à la résolution du crime et se recentre sur la mère, douée d’une présence énigmatique, séductrice froidement déterminée et manipulatrice un brin démoniaque, campée par l’actrice Kyoko Koizumi, admirable d’inébranlable volonté et de beauté hiératique. Si le cinéaste n’atteint pas ici les sommets de son œuvre, il ne transige pas en matière d'une mise en scène nullement mécanique et d’une belle qualité atmosphérique.

On retrouve également la qualité de cadreur de Kiyoshi Kurosawa au sein d’espaces et de plans scénographiques fort bien gérés et en adéquation avec la psychologie des personnages. C’est peut-être l’écriture qui est davantage marquée par une forme de répétitions inutilement insistantes sur les conséquences psychologiques des traumatismes et de la culpabilité. Il s’agit évidemment d’un film féminin – la maternité pour antienne, et autres questions liées à cet univers  – sans pour autant être féministe. Quoiqu'il en soit, malgré quelques longueurs, les deux volets n'en sont pas moins une étude élaborée et convaincante d'une survie à un traumatisme et, au final, un personnage coupable qui, bien que condamné à ne pas l’être par la justice des hommes, se doit de vivre avec une faute que, dans un premier temps, il avait voulu infliger à d'autres.

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KIYOSHI KUROSAWA OU UN CINEMA DE LA DETRESSE

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  KYOKO KOIZUMI

Chine, 1936. Ip Man, maître légendaire de Wing Chun (un des divers styles de kung-fu) et futur mentor de Bruce Lee, mène une vie prospère à Foshan où il partage son temps entre sa famille et les arts martiaux. C'est à ce moment que le Grand-maître Baosen, à la tête de l'Ordre des Arts Martiaux Chinois, cherche son successeur. Pour sa cérémonie d'adieux, il se rend à Foshan, avec sa fille Gong Er, elle-même maître du style Ba Gua et la seule à connaître la figure mortelle des 64 mains. Lors de cette cérémonie, Ip Man affronte les grands maîtres du Sud et fait alors la connaissance de Gong Er en qui il trouve son égal. Très vite l'admiration laisse place au désir et dévoile une histoire d'amour impossible. Peu de temps après, le Grand-maître Baosen est assassiné par l'un de ses disciples, puis, entre 1937 et 1945, l'occupation japonaise plonge le pays dans le chaos. Divisions et complots naissent alors au sein des différentes écoles d'arts martiaux, poussant Ip Man et Gong Er à prendre des décisions qui changeront leur vie à jamais.

Au sommet de son art, Wong Kar-wai nous livre avec "The Grandmaster" une oeuvre d'une puissance et d'une séduction rares, où se mêlent une histoire d'amour impossible, un des thèmes privilégiés du cinéaste, liée à la notion d'héritage en tant que transmission d'un savoir et d'une philosophie qui contraint l'héritier à une forme d'ascèse solitaire. On peut écrire, sans craindre de se tromper, que "The Grandmaster" est le modèle parfait de la mise en scène fluide et élégante en fusion avec le récit, où la technique du nouveau chef opérateur de Wong Kar-wai fait merveille. Philippe Le Sourd signe en effet une photographie époustouflante de beauté, toujours en harmonie avec le sujet et rend ainsi le plus bel hommage qui soit à l'art du Wing Chun et autres arts martiaux. Difficile  aux autres productions de rivaliser avec ce film qui atteint en tous points la perfection et élève le 7e Art à un sommet où image, scénario, dialogue, interprétation, musique concourent à composer une oeuvre d'un style incomparable en ampleur et  pureté graphique.

Longuement mûri, le film a demandé trois années de recherche et de travail pour atteindre sa plénitude et les acteurs eux-mêmes, tous excellents, ont été formés aux arts martiaux et, plus étonnant encore, la construction et le rythme des scènes s'emboîtent adroitement dans une réalité fantasmée avec des abstractions particulièrement habiles qui permettent à Wong Kar-wai de parvenir à un niveau de pureté cinématographique sans égal. A travers ce film, c'est la genèse d'une oeuvre qui s'accomplit, en même temps que se forge, en un narratif cohérent et multiple, l'identité de la Chine contemporaine. On ne peut que s'extasier à chacun des plans, que ce soit ceux des combats ou ceux qui s'attardent sur les visages, les décors précieux,  les effets empreints de raffinement, sans pour cela manquer ni de force, ni de sérénité, et sur les grandes constantes du maître : l'eau, les fleurs, le délicat profil des femmes, la neige, les clairs-obscurs reconnaissables entre tous.

L'histoire est celle d'Ip Man que l'on suit à partir de l'âge de 40 ans. Après avoir vécu dans une certaine opulence et connu un bonheur qui était pour lui comme un éternel printemps, il va tout perdre en 1937, lorsque commence l'occupation japonaise : sa fortune, sa femme et ses enfants. Obligé d'émigrer à Hong-Kong, il ouvrira l'école de Wing Chun qui le fera entrer dans la légende. Une quête de perfection qui met en valeur les arts martiaux en une suite de chorégraphies spectaculaires qui toutes dégagent une intensité stupéfiante, malgré une grande économie gestuelle. Les racines philosophiques et culturelles de ces arts remontent à la nuit des temps - on dit au confucianisme - et ont l'ambition de concourir à l'amélioration de la société qui passe obligatoirement par l'amélioration de l'individu. C'est la raison pour laquelle le Kung Fu est avant tout une école de vertu, d'équilibre et d'harmonie et que le rôle du maître réside à perpétrer des secrets et à fédérer une communauté unie par la tradition. Le souci de Wong Kar-wai a donc été de relater cette quête de perfection au coeur d'une époque troublée avec, au final, la solitude et la mélancolie si chères au cinéaste et qui, dans cet opus magistral, atteint son expressions la plus dépouillée. Tony Leung est un Ip Man aussi noble que sage et élégant face à une Zhang Ziyi impressionnante de détermination et de passion contrôlée. Magnifique.

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HOMMAGE DE DEAUVILLE A WONG KAR WAI           TONY LEUNG CHIU WAI

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Un tremblement de terre frappe le Japon, entraînant l'explosion d'une centrale nucléaire. Dans un village proche de la catastrophe, les autorités tracent un périmètre de sécurité avec une bande jaune qui coupe en deux la localité. Une sorte de ligne de démarcation absurde entre danger bien réel et sécurité toute théorique. Au sein de la famille Ono, les parents âgés choisissent de rester. Leur fils et son épouse acceptent d'être évacués pour fuir la radioactivité. Avec ce film qui sort à quelques semaines de l'anniversaire du tsunami qui a causé des dégâts incommensurables dans la centrale nucléaire de Fukushima, Sono Sion met en images et en perspective une catastrophe nucléaire identique qui interroge chacun d'entre nous sur la politique intérieure d'un pays, la gestion de crise, la propagande utilisée pour soi-disant ne pas affoler les populations et le bouleversement humain et social qui  s'en suit. Devant l'importance du thème, le réalisateur s'efface et compose son opus de façon plus formelle, coordonnant et structurant son récit afin d'en expliciter les conséquences inévitables sur les hommes et la nature. Co-production internationale, ce projet a obligé Sono Sion à une réserve qu'on ne lui connaissait pas et, surtout, à faire de cette oeuvre une démonstration éloquente des suites catastrophiques qu'engendre fatalement un tel drame.

Malgré le malheur qui l'a plus d'une fois éprouvé - rappelons-nous les bombes d'Hiroshima et de Nagasaki - l'Empire nippon a en lui des ressources de courage et de volontarisme inimaginables et le Japon post-Fukushima demeure la terre de l'espoir, parce que la population, serrant les dents, a repris le pas de l'homme et s'est remise en route ayant révisé ses ambitions et mis en veilleuse son orgueil. Apercevant le soleil se lever sur la mer, Sono Sion nous invite à croire que l'espoir persiste et que la vie continue envers et contre tout, grâce à une jeunesse prête affronter l'adversité et à croire en un avenir meilleur. Plutôt qu'un film, il s'agit davantage d'un documentaire tourné dans les paysages dévastés par le tremblement de terre et le tsunami, au coeur d'une population en plein désarroi qui ne sait plus, sur le moment, qui croire, que faire, où aller. Leurs détresse nous touche d'autant plus que nos pays ne sont pas à l'abri de telles tragédies et que l'homme, ayant mis le doigt dans l'inexorable engrenage du progrès scientifique et technique, se trouve en quelque sorte dépassé par des événements incontrôlables et incapable de revenir en arrière. Alors ?

Bien fait, bien construit, The Land of Hope  m'a d'autant plus séduite qu'il se penche avec une égale compassion vers le monde humain et animal, que l'on voit un vieil éleveur, interprété avec infiniment de sensibilité par l'acteur Isao Natsuyagi, préférer tuer lui-même son cheptel de bovins que de le laisser abattre par des mains étrangères. Ce sont à des notations de ce genre que l'on mesure la différence avec le film de l'an passé Himizu  d'une violence proprement insoutenable, alors que celui-ci est tout en demi-teintes, en notations soit tendres, soit drôles, car, malgré la gravité du sujet, l'opus n'évacue pas l'humour que suscitent certaines situations. Le vieux couple qui se refuse à abandonner sa maison et préfère se donner la mort que de fuir et de quitter un environnement où il a ses repères et ses habitudes -surtout que l'épouse est atteinte de la maladie d'Alzheimer - est rendu avec une touchante poésie, de même que la jeune femme habitée par la peur d'être irradiée alors qu'elle attend un enfant. De jolies et déchirantes scènes se succèdent qui ont pour but d'éveiller nos consciences sur un sujet capital et d'une gravité qui mérite, ô combien! une urgente réflexion.

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Faire rire semble être la grande obsession de Hitoshi Matsumoto malgré la mélancolie de son sujet, puisqu'il a contribué à de nombreuses émissions comiques populaires à la télévision japonaise. Ainsi met-il en scène dans son troisième film Saya Zarumai ses préoccupations émotives en lien avec son métier. Kanjuro Nomi, un samouraï ayant perdu l’envie de se battre à la suite de la mort de son épouse, est emprisonné pour avoir quitté ses fonctions sans la permission de son maître. Il aura trente jours pour parvenir à faire sourire le fils d'un seigneur muré dans le chagrin depuis la disparition de sa mère. S’il échoue, il devra s’enlever la vie, suivant le rite traditionnel du seppuku qui consiste à s'ouvrir le ventre avec son sabre. Accompagnée de ses deux gardiens de prison et de sa fille qui l’encourage à s’enlever la vie dignement plutôt que de perdre la face, la petite troupe élabore une suite de gags pour racheter la vie du samouraï déchu. Néanmoins le recours à l’humour n'est utilisé ici que comme le seul moyen de défense susceptible de s'opposer au désespoir du monde. Matsumoto fait alors bien plus que rendre hommage à sa profession : ces deux heures de film nous présentent sa vision obsessionnelle de l’art de la drôlerie confrontée à l'implacable cruauté qui se trouve au coeur de son sujet.  

Grâce à une imagerie d'une infinie précision, Saya Zamurai  repousse les frontières du gag à répétition pour mieux construire son discours. Au lieu de s'enfoncer dans le ridicule ou le banal, le réalisateur montre à chacune des scènes sa capacité d'invention en retravaillant les mêmes plans, les mêmes grimaces, sous des angles différents. Par leur simple répétition, il développe son récit autour du changement d’angle de caméra et les trouvailles farfelues de ses personnages. Ces trouvailles s'enchaînent sans  être répétitives car, à chaque plan, le spectateur est placé devant une situation différente et particulièrement angoissante.  Il s’en dégage dès lors une compassion désintéressée qui procure à l'opus son caractère humain. Sans raison apparente, si ce n'est qu'ils sont touchés par la présence de l'enfant et le désarroi de leur prisonnier, les deux gardiens multiplient les idées afin d' aider cet homme pitoyable. Quant à la petite fille, délicieusement interprétée par Sea Kumeda, étonnante de présence et de sensibilité, elle sauvera l’honneur de son père en devenant maître de cérémonie à chaque nouveau spectacle. La fin, un peu longue, seule réserve que ce film m'inspire, n'est certes pas celle que l'on attendait mais elle prouve le souci d'honneur qui s'attache à tout japonais depuis la nuit des temps. Servi par une interprétation parfaite, des images d'une grande beauté et une poésie de chaque instant, ce film étonnant qui avait toutes les raisons de sombrer dans le pathos ou, pire, le trivial ou le grossier, est un conte merveilleux, original, déjouant toutes les facilités qui risquaient d'en ternir l'éclat. Un oeuvre qui montre un cinéma japonais en pleine renaissance. A l'honneur cette année à Deauville, Hitoshi Matsumoto nous révèle, avec ce long métrage magnifique déjà acclamé à Locarno en 2011, qu'il n'a pas fini de nous surprendre. Burlesque mais philosophique et métaphorique, il en dit long sur la tragédie humaine qui demeure notre quotidien.

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La ballade de l'impossible  du réalisateur Tran Anh Hung, d'après le roman éponyme de l'auteur japonais Haruki Murakami, qui fut un best-seller dans les années 1987, se passe à Tokyo en 1960. Kizuki, le meilleur ami de Watanabe, s'est suicidé. Watanabe quitte alors Kobe et s'installe à Tokyo pour commencer ses études universitaires. Alors qu'un peu partout, les étudiants se révoltent contre les institutions, la vie de Watanabe est elle aussi bouleversée quand il retrouve Naoko, ancienne petite amie de Kizuki. Fragile et repliée sur elle-même, Naoko n'a pas encore surmonté la mort de Kizuki. Watanabe et Naoko passent les dimanches ensemble et le soir de l'anniversaire des 20 ans de Naoko, ils font l'amour. Mais le lendemain, elle disparaît sans laisser de traces. Watanabe semble alors mettre sa vie en suspens à la suite de la perte inexplicable de ce premier amour. Lorsqu'enfin il reçoit une lettre de Naoko, il vient à peine de rencontrer Midori, belle et vive, qui ne demande qu'à lui offrir son amour.

Tran Anh Hung, né en 1962, est d'origine vietnamienne et s'est réfugié en France en 1975 où il a commencé des études d'opérateur à l'école Louis-Lumière. L'odeur de la papaye verte sera son premier long métrage, tourné dans les studios parisiens, bien que l'action se déroule au Viêt Nam. Ce film lui mérita la Caméra d'or au Festival de Cannes 1993 et le César de la meilleure première oeuvre en 1994. Cyclo, un polar très stylisé, qui se passe dans les rues de Hô-Chi-Minh, lui vaut le Lion d'or de la Mostra de Venise en 1995 et fait de lui l'un des plus jeunes cinéastes à avoir obtenu cette distinction. Son quatrième opus Je viens avec la pluie est un thriller intense et poétique hanté par trois figures de la mythologie occidentale : le tueur en série, le détective privé et la figure christique et fut projeté au Japon au printemps 2009. Son cinquième long métrage est cette Ballade de l'impossible projetée lors du 13e Festival du film asiatique de Deauville en mars dernier, que l'on pourrait titrer par " la douleur d'être", tant elle est présente, obsédante, tout au long de l'opus. Oui, La ballade de l'impossible est un road-movie intérieur, une descente dans les abimes de l'être où tout semble souffrance et malaise. Dans le Japon des années 60, une génération de jeunes gens parvient difficilement à trouver l'allégresse du coeur, tant la guerre, les guerres ont marqué, jusqu'à ces toutes dernières années, l'Extrême-Orient. Les suicides sont fréquents chez des adolescents qui se refusent à grandir. C'est le cas de Naoko, frappée par le suicide de Kisuki, son ami d'enfance avec lequel elle n'a jamais pu faire l'amour, parce quelque chose dans son être, dans sa chair, semblait s'être verrouillé à jamais. Est-ce la raison qui a poussé le jeune homme à se donner la mort ? Naoko se sent-elle responsable de son suicide ? Toujours est-il que la tendresse de Watanabe ne parvient pas à l'arracher à sa prison intérieure. Le jour de son anniversaire, elle cède et fait l'amour avec lui, mais sans en éprouver de plaisir, et pour cause, puisque, comme elle l'avoue, elle aimerait avoir toujours 18 ans, l'âge où elle a perdu son amour d'enfance, son insouciance. Le lendemain, elle s'enfuit et va entrer dans une maison de santé pour essayer de retrouver un semblant d'équilibre. Mais qui peut sauver Naoko, alors même que la tendresse de Watanabe, qui lui rend souvent visite, est impuissante à le faire ? Paysages de neige, désert de solitude, pour l'un et pour l'autre, le film déroule sa lente et triste mélopée, sa cantate douce-amère qui donne la mesure de l'inexprimable, de l'inextricable. Un film grave, comme savent si bien les faire les asiatiques, qui pose les questions sans les résoudre, mais touche la sensibilité de chacun en son point le plus secret. Naoko, déjà habitée par la mort, par ce froid qui glace son corps et ses sens, peut-elle être sauvée par autre chose que la mémoire et les souvenirs qui perdureront dans Watanabe ? Et lui parviendra-t-il à se délivrer de son chagrin auprès de la touchante et aimante Midori ? Peut-on avoir une seconde chance en amour ?
 

Voilà un film qui ne peut laisser de marbre, tant il tisse une trame  sensible, voire désespérée, tant il avance à petits pas dans l'imbroglio des coeurs et la solitude des personnages. Les jeunes acteurs sont admirables : Kenichi Matsuyama donne à Watanabe l'ampleur déchirante d'un héros antique, alors que Rinko Kikuchi  (Naoko) et Kiko Mizuhara (Midori) sont ravissantes et légères, d'une intense féminité, ballottées et blessées avec cette grâce qui les rend touchantes. Et il est vrai que ce film a une portée d'autant plus grande qu'il va à l'essentiel : qu'est-ce que vivre ? qu'est-ce qu'aimer ? et établit un parallèle entre passer et durer, être ou n'être pas, shakespearien dans ses interrogations. Esthétiquement travaillé, La ballade de l'impossible sait faire le lien entre nature et sentiment, allier l'image aux états d'âme et faire chanter les paysages comme des partitions musicales, parfois même un requiem. Seule la bande sonore, plaquée plus que fondue, gêne à certains moments. Un film long, qui aurait gagné à être plus condensé, mais qui touche par la grâce qu'il dégage et par le talent des acteurs à tenter d'exprimer l'inexprimable. 

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