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7 avril 2007 6 07 /04 /avril /2007 11:54
NE TOUCHEZ PAS LA HACHE de JACQUES RIVETTE

                    

"Histoire des Treize ", ce titre regroupe trois romans d'Honoré de Balzac : Ferragus, La duchesse de Langeais et La fille aux yeux d'or. Une première version avait été publiée dans " L'écho de la Jeune France " sous le titre : "Ne touchez pas la hache", qui le resta jusqu'en 1839. Les Treize sont, selon Balzac lui-même, les membres d'une étrange franc-maçonnerie assez forts pour se mettre au-dessus des lois, assez hardis pour tout risquer et entreprendre et assez heureux pour avoir presque toujours réussi dans leurs desseins. La duchesse de Langeais, dédiée à Franz Liszt met en scène le général de Montriveau et la duchesse, née Antoinette de Novarreins, jeune femme adulée du faubourg Saint-Germain, à laquelle l'ombrageux et conquérant militaire, follement épris, va faire une cour assidue sans parvenir à la séduire. Elle l'enflammera sans lui céder. Balzac s'inspirait là de la marquise de Castries qu'il avait désespérément aimée et qui l'avait fait beaucoup souffrir. Ce roman était la revanche de l'écrivain sur la femme du monde insoucieuse et coquette. Dans le roman, la jeune femme va toucher la hache, c'est-à-dire se prêter au châtiment qui interviendra et la conduira à se retirer dans un couvent et à y mourir.

                       

Jacques Rivette, cinéaste bien connu de la Nouvelle Vague, auquel nous devons entre autres La belle noiseuse, a choisi, pour son dernier long métrage, de faire cette adaptation du roman balzacien selon une trame quasi linéaire et en respectant scrupuleusement le texte de l'auteur, les dialogues étant principalement ceux du livre. Cela nous vaut un film intéressant, un peu long, parfois un rien scolaire, mais éclairé de lueurs brillantes, de moments privilégiés et surtout valorisé par le découpage subtil et ludique du temps, grâce au savoir-faire de Nicole Lubtchansky. En ne cessant d'attiser son désir tout en se refusant à lui, au prétexte de la bienséance et de la vertu, Antoinette de Langeais pousse Armand de Montriveau à contester la supériorité morale de l'autorité aristocratique et à bouleverser l'ordre en place. Il faut donc voir le film sous son angle subversif, la fracture que la confrérie secrète des Treize voudrait infliger à la société d'alors - et sous celui de la hantise d'un amour toujours remis en cause. C'est d'ailleurs cet amour malheureux qui conduit Montriveau à agir, comme un conquérant assuré de son impunité, depuis sa première visite à la duchesse s'apprêtant à rejoindre Dieu, jusqu'au constat de sa mort.
 


Jeanne Balibar, assez peu convaincante dans le premier tiers du film, finit peu à peu par s'imposer par sa grâce, sa fragilité et cette fêlure que la vie lui inflige et qu'elle laisse sourdre avec sensibilité, face à un Guillaume Depardieu, dont le jeu manque de sobriété parfois ou qui agace par une tendance au cabotinage. Par contre, les seconds rôles tenus par Bulle Ogier et Piccoli sont savoureux et tous deux s'en donnent à coeur joie avec autant de drôlerie que d'insolence. Un film qui n'emporte pas totalement l'adhésion, mais vous donne envie de replonger dans le chef-d'oeuvre balzacien.

 

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26 mars 2007 1 26 /03 /mars /2007 09:44
ENSEMBLE, C'EST TOUT de CLAUDE BERRI

                                                                                           

Claude Berri pouvait être heureux de sa dernière réalisation qui était une réussite. "Ensemble, c'est tout"  est une histoire simple, inspirée d'un roman à succès d'Anna Gavalda, véritable hymne à la vie, où se croisent quatre destins ou plutôt quatre solitudes, celle de Camille, jeune fille qui grelotte dans sa mansarde, celle de l'aristocrate Philibert, bègue et timide, de Franck, brave coeur et grande gueule, et de sa grand-mère Paulette, délicieuse octogénaire, qu'il s'apprête à faire entrer dans une maison de retraite. L'amitié, l'amour et la tendresse vont souder ces trois jeunes paumés et cette vieille dame, petite troupe perdue qui se réunit dans un vaste appartement et s'engage dans un nouveau départ avec une perspective enrichie par l'optimisme et la générosité.


Au commencement, il y avait donc ce roman d'Anna Gavalda que Claude Berri avait lu d'une traite et dont il avait acheté les droits : A l'époque, je n'étais pas sûr d'en faire un film, dit-il. Puis je suis parti en vacances en Corse. Je n'aime pas les vacances... Je me suis mis à écrire le scénario. Et plus j'avançais, plus je riais et j'entrevoyais des scènes magnifiques. Après, j'ai proposé à Anna Gavalda de travailler avec moi. Elle a lu le début de l'adaptation. Tout lui plaisait et elle m'a dit : faites-le vous-même !                       

 

Finalement, après avoir pensé à plusieurs metteurs en scène, Berri se décide à suive le conseil de la romancière et à passer lui-même derrière la caméra. "Le roman était très dense, mais je n'ai rien édulcoré. J'en ai plutôt rajouté (...) Tout le monde m'a aidé et tout fait pour me faciliter le travail". Pour le choix des interprètes, le hasard a bien fait les choses. Pour jouer la grand-mère, Berri avait pensé à Tsilla Chelton, la mémorable Tatie Danièle, mais les assurances refusèrent de la couvrir pour un rôle très lourd, si bien que le metteur en scène choisit Françoise Bertin : " Avec elle, j'ai eu un choc. Et dans la scène où elle se déshabille, elle l'a fait sans problème. Elle était heureuse de jouer le rôle".
 


Quant à Audrey Tautou, elle fut une rencontre plus tardive car Berri avait d'abord choisi Charlotte Gainsbourg. Mais cette dernière s'étant blessée dans un accident de snowboard, le rôle revint tout naturellement à Audrey qui l'accepta avec bonheur. Même enthousiasme pour Guillaume Canet, qui correspond si bien au personnage, et pour Laurent Stocker, sociétaire de la Comédie-Française, qui a peu joué jusqu'à présent au cinéma et se révèle être un acteur au charme captivant dans ce jeune homme très vieille France, à la fois raffiné et discret, inhibé et ouvert, que son naturel pousse à s'intéresser à son entourage et à lui venir en aide. La troupe est alors au complet et le film peut débuter dans une ambiance où s'épanouit la générosité des coeurs et où les classes sociales se mêlent dans une heureuse harmonie. Ce film est merveilleusement tonique et revigorant et nous donne une vision optimiste des êtres. C'est beau comme du cinéma et rassurant comme on aimerait que la vie le soit plus souvent. Comme je vous le disais en commençant cet article : une réussite.

 

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14 mars 2007 3 14 /03 /mars /2007 21:12
ANGEL DE FRANCOIS OZON


Film très attendu, Angel raconte l'histoire d'une jeune romancière anglaise au début du XXe siècle qui, après avoir connu une gloire passagère et vécu la plus grande partie de sa vie dans l'illusion permanente, retourne à l'anonymat et sombre progressivement dans la déchéance. Avec ce film,  François Ozon signe pour la seconde fois une adaptation littéraire. Celle-ci est tirée d'un ouvrage de l'écrivain britannique Elisabeth Taylor (1912 - 1975), publié en Grande-Bretagne en 1957 et en France en 1991. Elisabeth Taylor s'était elle-même inspirée de la vie de Marie Corelli, un auteur de romans à l'eau de rose, très populaire à son époque ( la reine Victoria était l'une de ses ferventes lectrices ), et, ce, malgré que les critiques les plus acerbes ne se soient pas privées de la moquer à longueur de colonnes. Ses livres avaient du moins eu le mérite de plaire un certain temps, jusqu'à ce que l'indifférence s'installe et que cette oeuvre médiocre tombe définitivement dans l'oubli.

                      

Pour cette réalisation, Ozon a porté son dévolu sur Romola Garai, après avoir pressenti Nicole Kidman. On avait déjà vu cette jeune actrice dans Dirty dancing 2 et dans Scoop de Woody Allen. Ce qui a finalement déterminé le choix du cinéaste est que l'actrice a tout de suite été emballée par le personnage, malgré ses excès et ses ridicules. Ozon le précise en affirmant qu'elle n'a pas eu peur de la dimension parfois grotesque d'Angel Deverell et qu'elle a su lui prêter une séduction, une candeur avec ses grands yeux d'enfant rêveuse. De plus, ajoutait-il, elle se sentait attirée par ce personnage de poupée capricieuse et puérile, dont le drame se vit dans l'illusion et le factice et qui finit par transformer son paradis en enfer.

                     

Ozon s'est toujours plu dans le pastiche ironique, se refusant toutefois à de coupables facilités. Depuis le début de sa carrière, l'amour et la mort ont été ses thèmes de prédilection, au point que ceux-ci reviennent de manière récurrente dans son univers singulier, déjà riche de 8 longs métrages et de 16 courts métrages. Dans Regarde la mer, Sitcom, Les amants criminels, Gouttes d'eau sur pierres brûlantes, Sous le sable, Huit femmes, Le temps qui reste, la mort est déjà présente, ainsi que l'amour fatalement contrarié et impossible. Influencé par un cinéaste comme Rainer W. Fassbinder, avec lequel il partage le même désir de subversion parodique, il entend conserver au coeur du mélodrame une rigueur formelle. L'excentricité n'est là que pour mieux faire ressortir ce qu'il y a de distancé dans cet apparent mélange des genres et dissimuler, autant que faire se peut, l'intime inquiétude du réalisateur. Ne vivons-nous pas constamment dans l'illusoire et le virtuel, les faux-semblants et le mensonge ? Avec Angel la question se pose avec plus d'acuité encore.
 

                        

" J'ai tout de suite senti que l'adaptation de ce livre était l'occasion de me confronter à un univers romanesque et que cela pouvait donner lieu à une grande épopée dans la tradition des mélodrames des années 30/40, racontant la destinée d'un personnage flamboyant sous forme de grandeur et décadence. Et puis je suis tombé amoureux du personnage d'Angel qui m'amusait, me fascinait et finalement me touchait profondément" - a déclaré François Ozon, lors du dernier Festival de Berlin. Pour adapter cette oeuvre romanesque, il s'est assuré la collaboration du dramaturge britannique Martin Crimp. La précision historique est donc respectée, mais parfois reléguée au second plan par une surcharge un peu vaine et le faste des somptueux décors et costumes. On retrouve, chez le Ozon de la première partie du film, baroque et foisonnante, la magnificence du Ophuls de Lola Montès. Passé le temps de gloire, où la jeune femme dépense sans compter, voulant tout acheter et tout posséder, Ozon dépouille sa mise en scène et ralentit le tempo pour aborder le temps de la déchéance, si bien que l'espace se rétrécit et que l'on voit l'héroïne se replier sur les blessures que la vie ne va plus cesser de lui infliger. Tout est donc voué à se perdre ? La caméra du cinéaste change de registre, fouaille les abîmes intérieurs d'une femme confrontée soudain aux doutes et à la souffrance. Le manège s'est arrêté de tourner dans l'euphorie et les rires, tout se délabre et  nous voyons cet Icare féminin se briser les ailes sous le regard impitoyable et scrutateur de la caméra. Il y a beaucoup de cruauté dans cette vision ambiguë d'une Angel tantôt princesse en représentation constante, monstre d'égocentrisme et de vacuité mondaine, artificielle et exaspérante et, soudain, cette femme prenant chair sous l'effet de la douleur. C'est là tout l'art d'Ozon qui, subjugué par le pire, ne peut se satisfaire d'un conventionnel trop redoutable à ses yeux, et entend  nous entraîner au coeur d'un cyclone psychologique qui se révèle être une tragédie personnelle. On comprend mieux, à la démesure de cette oeuvre, les capacités de renouvellement et d'invention qui sont les siennes. Charlotte Rampling, déjà présente dans deux de ses films, est magnifique de froideur acidulée face à Romola Garai, véritable tornade de charme et d'odieuse vanité qui rappelle parfois la Vivien Leigh d'Autant en emporte le vent.  Les deux histoires ne sont pas sans certaines similitudes : les amours contrariés, la guerre qui se déclare, l'amant qui s'éloigne, les lumières qui s'éteignent... Mais la comparaison s'arrête là. Scarlett avait ceci de plus qu'Angel : elle aimait sa plantation, elle avait un but, sauver son domaine, sa terre, alors qu'Angel n'en a jamais eu d'autre qu'elle-même. C'est là son drame. Curieux, par ailleurs, que la sortie de ce film coïncide avec l'arrivée de la jeune navigatrice Maud Fontenoy à la Réunion, dont le magnifique exemple nous invite à croire qu'il y a en tout homme quelques chose de plus que lui-même. 


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26 février 2007 1 26 /02 /février /2007 11:04
JE CROIS QUE JE L'AIME DE PIERRE JOLIVET

              

Il est certain que sur le plan de l'innovation, Je crois que je l'aime  de Pierre Jolivet ne peut entrer en compétition avec les modèles du genre, mais s'il séduit et charme, les raisons en sont que les acteurs, Bonnaire, Lindon et Berléand sont irrésistibles et que les dialogues pétillent comme du champagne. Pas de vulgarité, une finesse et une élégance de bon aloi, du rythme, du savoir-faire, une légèreté appréciable en ces temps de tensions. Aussi ne boudons pas notre plaisir, ce film est une réussite, sans falbalas, sans prétention, grâce à un scénario aimablement troussé. Bonne humeur assurée à la sortie. Anti-dépresseur à laisser dans le sac durant les heures qui suivent. L'histoire est tout au plus divertissante, mais la manière, dont elle est traitée, réjouit à coup sûr. Imaginez un riche industriel, un brin paranoïaque, qui s'éprend d'une jeune et jolie céramiste engagée pour créer une fresque dans son entreprise. Craignant d'être une fois encore pris au piège de ses sentiments, après une précédente liaison catastrophique, il charge un détective privé d'enquêter sur le passé de la jeune personne dont il s'inquiète que, pourvue d'un physique aussi avantageux, elle soit toujours célibataire. Le détective (François Berléand) va s'exécuter avec zèle et prendre la belle en filature. Je ne vous dévoilerai pas la fin, mais la façon dont Jolivet ridiculise les pulsions d'espionnage de notre société, son mal-être, ses suspicions, sa crainte des engagements est un régal. D'autant qu'on ne relève pas de fausse note dans ce long métrage qui, s'il ne réserve aucune surprise particulière, n'innove pas davantage, nous enchante et nous détend, ce qui est déjà une prouesse. Du vrai cinéma... de loisir.

 

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19 février 2007 1 19 /02 /février /2007 09:46
LA MOME D'OLIVIER DAHAN

                                                                       

La vie d'Edith Piaf était trop belle pour ne pas tenter un metteur en scène, mais le danger était grand pour celui-ci de se fourvoyer dans une évocation approximative, et plus grand encore pour l'actrice qui accepterait d'endosser le rôle d'une chanteuse qui reste à jamais un mythe dans la mémoire collective. Marion Cotillard risquait gros et le pari était d'ampleur pour une jeune femme qui n'a aucun des traits de la môme, ce qui supposait un maquillage, une gestuelle, un comportement à puiser en soi, bien davantage qu'à mimer ou imiter. Le résultat est confondant et cette actrice, que je n'avais encore jamais vue à l'écran, mérite les plus grands éloges. Elle s'est appropriée Piaf sans la trahir, sans la dénaturer, en l'intériorisant avec quelque chose d'une modestie, d'un naturel qui dénote un vrai talent de comédienne. Et puis elle semble donner tout d'elle-même dans son interprétation, ainsi que la chanteuse donnait tout à la chanson, comme si la vie, l'avenir en dépendaient. Cette  mise en danger donne au film La môme une dimension supplémentaire. D'autant que cette vie chahutée est un formidable hymne à la foi : foi en soi, foi en l'art, foi en Dieu et Sainte Thérèse, tout se mêle chez cette gamine qui avait si peu de chance que la bonne fortune et la réussite soient au rendez-vous : pas d'instruction, pas de santé, pas d'appuis, pas d'argent et même pas de beauté... seulement une voix et une indomptable énergie. A partir de ce presque rien, elle bâtira un mythe universel et portera la chanson populaire sur les marches les plus hautes du temple de l'Art.

                   

Après une enfance épouvantable, où elle est ballottée d'une maison close à un champ de foire, d'un bistrot au trottoir, la môme commence à chanter dans les rues avec une ferveur telle et tant de conviction qu'elle se fait bientôt remarquer. Un certain Louis Leplée (Gérard Depardieu) lui offre sa première chance et lui ouvre les portes de son cabaret. Mais il est assassiné, crime crapuleux, bien sûr, et tout est à recommencer. Heureusement la môme n'a pas le découragement facile. Elle repart à l'assaut des rues, accompagnée de Momone, la copine de bohème, et fait une nouvelle rencontre, décisive cette fois, celle de Raymond Asso. Le compositeur, conscient de ses dons, va se consacrer à la former, à lui constituer un répertoire personnel et à la présenter à des gens de métier. La môme Piaf s'efface pour laisser place à Edith Piaf. On connaît la suite : les amours, les deuils, les maladies, la conquête de l'Amérique, les mariages, les heures radieuses et les heures noires ; le film d'Olivier Dahan nous livre, sur un rythme rapide, les images d'une biographie qui ne s'encombre pas d'une chronologie linéaire, mais procède par flash-back, nous brossant un portrait plus intimiste, reconstituant la tessiture de la femme en même temps qu'elle nous rend, par le son, la tessiture de sa voix.  C'est donc à larges traits que le film nous dépeint cette existence brève mais intense, où l'ascension prodigieuse débouche sur un final pathétique. Tout Piaf est là en ces deux heures d'un spectacle qui oscille entre conte de fée et tragédie, entre succès et défaites, entre splendeur et misère. Et surtout Piaf est toute entière ressuscitée par Marion  : son sourire, ses expressions, ses regards, elle est présente, elle nous empoigne au coeur, à l'estomac, elle nous émeut, nous envoûte, nous bouleverse ... magnifique Cotillard, inoubliable PIAF.

Marion Cotillard a été sacrée meilleure actrice par les Golden Globes et a reçu le César et l'Oscar de la meilleure actrice 2008. Et on sait aujourd'hui la formidable carrière qui est la sienne.

 

 

Pour lire l'article consacré à Marion Cotillard, cliquer sur son titre :  

 

MARION COTILLARD - PORTRAIT


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LA MOME D'OLIVIER DAHAN
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19 septembre 2006 2 19 /09 /septembre /2006 10:23
UN DIMANCHE A LA CAMPAGNE de BERTRAND TAVERNIER

 
Cinéphile éclairé et talentueux, Bertrand Tavernier a, en une dizaine d'années, pris place parmi les meilleurs cinéastes contemporains et compte au moins deux chefs-d'oeuvre à son actif. Pour moi, le plus évident est sans nul doute Un dimanche à la campagne, qui renoue avec une tradition oubliée du cinéma français, celle que compose la méditation toute en nuance et en délicatesse sur le temps qui passe de ce film où les passions ne sont exprimées qu'à mots couverts et où l'essentiel reste comme calfeutré dans un univers proche de sa fin. Inattendu de la part de l'auteur du Coup de torchon, ce film a été une surprise et le reste, sorte de lueur automnale dans une filmographie habituellement plus provocante et éclatante de santé. Mais là, il apparaît que le cinéaste a été pris d'une émotion subite pour un monde qui vit ses derniers jours et auquel il a voulu dédier cette oeuvre  poignante de douceur.

 

Né à Lyon en 1941, ce fils de l'écrivain René Tavernier tient de son père son goût passionné pour la littérature. Mais le cinéma l'attire également et bientôt prend le pas sur des tentatives inabouties dans le domaine des lettres. Melville, l'ayant choisi comme assistant pour Léon Morin, prêtre - l'amateur contemplatif devient actif et participe peu de temps après à la réalisation de deux films à sketches : Les baisers  ( 1963 ) et La chance et l'amour (1964), expérience peut-être prématurée pour déboucher sur des lendemains immédiats. Tavernier ne revient au cinéma qu'en 1973, grâce à Philippe Noiret, et adapte alors un roman de Georges Simenon  : L'horloger de Saint-Paul. Le succès sera au rendez-vous et le film remportera le prix convoité Louis Delluc. Tavernier, d'emblée, prend ses distances avec la Nouvelle Vague et fait appel à Aurenche et Bost pour le scénario, ce qui est une revanche, certes tardive, mais néanmoins délectable pour ceux qui avaient été tellement moqués par les lions de la N.V. Pour sa seconde réalisation Que la fête commence, le cinéaste choisit un sujet historique, avec costumes et musique d'époque, aux antipodes de ceux habituellement traités par des Godard et Truffaut, ce qui prouve que l'art est le lieu privilégié des éternels retours. Mais quelques maladresses de construction et une mise en scène un peu hésitante feront que le film sera moins apprécié que le précédent. Heureusement Le juge et l'assassin, avec Noiret et Galabru,  atteste que Tavernier a tous les moyens de surprendre, voire même d'éblouir, et l'étape suivante sera décisive pour l'avenir de sa carrière. Coup sur coup, il va produire deux films totalement différents mais qui font date et où il affirme sa formidable présence dans le cinéma français. Loin, Du coup de Torchon, d'une sève acide et d'une écriture truculente, Un dimanche à la campagne développe une tonalité unie, sans fausse note, et révèle une finesse, une subtilité, dont beaucoup ne croyaient pas le cinéaste capable. C'est le mérite des gens de talent de surprendre au moment où l'on s'y attend le moins.

 

Un dimanche de l'été 1912, Monsieur Ladmiral est seul dans sa vaste demeure de campagne. Seul avec sa vieille servante Mercédès, ses souvenirs et ses regrets. Entre autre regret, celui de ne pas avoir su ou pu saisir l'opportunité du mouvement impressionniste et d'être resté ainsi un peintre mineur. Mais en cette journée estivale, il s'apprête à recevoir son fils, sa belle-fille et ses trois petits-enfants et il s'en réjouit. Réunion de famille ordinaire sans doute, mais qui met un peu de diversion dans son existence monotone. Tout se passerait comme à l'accoutumée, si sa fille Irène ne survenait à l'improviste et ne bouleversait par sa fantaisie, sa modernité, son dynamisme, sa gaieté, une assemblée trop confite et compassée dans ses habitudes. Admirablement interprété par Sabine Azéma et Louis Ducreux, ce long métrage est centré sur ces deux personnages, tête à tête tendu et émouvant d'un père et de sa fille aussi dissemblables que possible, mais comme auréolés d'une tendresse déchirante. Deux mondes se font face dans leur solitude sans s'affronter, ni se blesser, comme saisis de vertige devant l'ampleur du fossé qui les sépare. C'est un adieu en forme de poème, le poème des regards qui se cherchent, se donnent, puis se voilent et sont à l'origine de ravissants moments de comédie. Sabine Azéma atteint parfois des accents sublimes lors de ces dialogues pétris d'affection et de nostalgie. Mais un coup de téléphone va rompre le charme : l'amour l'appelle loin de ce père qui ne peut plus participer à sa vie de jeune  femme active. Elle repart et Monsieur Ladmiral se sent ce soir-là encore un peu plus seul, un peu plus âgé. Il retourne à ses tableaux et probablement à ce qui sera sa dernière composition.  Avec ce film, qui n'exprime guère que les mouvements du coeur, Tavernier se détache et fait cavalier seul, confirmant que, bien inspiré, il peut écrire l'une des pages les plus émouvantes et les plus personnelles de notre 7e Art.

 

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UN DIMANCHE A LA CAMPAGNE de BERTRAND TAVERNIER
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14 septembre 2006 4 14 /09 /septembre /2006 15:35
LA FOLIE DES GRANDEURS de GERARD OURY

                           

Souvent dédaigné des critiques du 7ème Art, le cinéma dit " populaire " représente pourtant un phénomène commercial et sociologique qui mérite réflexion et qu'il serait vain de couvrir d'une chape d'indifférence, ou pire de mépris. D'autant que la frontière est souvent assez indistincte entre cinéma commercial et cinéma artistique. Tandis que des cinéastes doués et ambitieux ont souvent été contraints par des impératifs financiers à produire des films de commande sans intérêt - et nous avons vu que cela avait été le cas pour Chabrol, Rohmer et Deville - il arrive que des cinéastes réputés commerciaux fassent des films d'une qualité surprenante, révélant au public un potentiel d'invention et de fantaisie qu'il ne soupçonnait pas. Dans les années 1970- 75, Gérard Oury  apparaît comme l'un des leaders les plus habiles, les plus intelligents à faire recette avec des productions comme  Le cerveau  (1970),  Les aventures de Rabbi Jacob (1972),  qui venaient renforcer les succès éclatants du  Corniaud  (1964) et de  La grande vadrouille  (1966). Or que prouvent les chiffres officiels tirés des statistiques du Centre national de la cinématographie, sinon que le savoir-faire de Gérard Oury, le soin apporté à ses réalisations constituent une forme de talent, que ce talent en vaut bien d'autres, que l'on aurait tort de dédaigner un cinéma qui nous assure un divertissement d'une telle qualité et, ce, sans une once de vulgarité ? Le cinéaste s'inscrit dans une veine, celle du comique français, qui faisait déjà les beaux jours de nos parents avec des films comme Fric-Frac, et n'a cessé de se renouveler, au fil des années, avec une génération comme celle du Splendid qui explosa cinématographiquement en 1978 avec  Les bronzés. 

 

Nous sommes donc et demeurons dans la tradition d'un cinéma artisanal, bien fait, bien pensé, distrayant, qui sonne juste et utilise à merveille les ressources de quelques-uns de nos acteurs les plus talentueux. Cela avait été le cas autrefois avec Arletty, Michel Simon et Fernandel, ce sera ensuite  celui d'un Bourvil, d'un Louis de Funès, le tour est venu, aujourd'hui, des Jugnot, Michel Blanc, Anémone, Balasko. Le cinéma français n'a pas perdu la main en ce domaine, il semble que la relève soit assurée à condition que le niveau se maintienne et que les réalisateurs ne se laissent pas  entraîner à des remake superflus ou des films trop vite bâclés.

 

Mais revenons à  Gérard Oury  qui fut un maître en l'occurrence de ce cinéma comique. Chez lui la règle demeure immuable : une intrigue fondée sur un enchaînement rigoureux de quiproquos propice à l'irruption du rire, une grande liberté laissée aux comédiens et, en contrepoint, un hommage rendu à l'esprit français dont on sait qu'il est un mélange savoureux de débrouillardise,  de sautes d'humeur et de franche camaraderie. Le principe d'opposer deux caractères aux antipodes l'un de l'autre et qui, peu à peu et souvent par la force des choses, deviennent complices, est une des bases de départ utilisée de manière astucieuse par le cinéaste. Nous avons vu le couple formé par Louis de Funès et Bourvil, nous allons découvrir dans  La folie des grandeurs, celui que composent le même  Louis de Funès et  Yves Montand. Oury se plait ensuite à placer ses personnages dans une situation historique - ce sera le cas des Folies -  ou politique :  l'occupation pour La grande vadrouille et l'affaire Ben Barka pour Les aventures de Rabbi Jacob. C'est autour de ce double affrontement que l'intrigue s'élabore et qu'alternent les gags travaillés avec une précision d'horloger. Cependant Oury savait aussi laisser roue libre à ses acteurs en certaines occasions, ce dont ne s'est pas privé De Funès qui avait un tempérament explosif et indépendant. Le mérite du cinéaste réside, par ailleurs, dans son sens inné du gag. Si le point de départ est rarement original, le développement surprend et fait preuve très souvent d'une réelle invention. Il y a chez Oury des trouvailles inattendues, des roueries et facéties délicieusement baroques, des rebondissements inénarrables. Artisan scrupuleux et honnête, il limite son ambition à distraire le public sans céder à la banalité. Ce qui est déjà en soi assez remarquable.

 

L'histoire de La folie des grandeurs est une parodie du Ruy-Blas de Victor Hugo qui se situe dans l'Espagne du XVIIe siècle. Don Sallustre est alors ministre du roi. C'est un être fourbe, hypocrite et cupide qui détourne, à son profit, la collecte des impôts, accumulant une fortune impressionnante. Mais accusé par la reine d'avoir fait un enfant illégitime à l'une de ses dames d'honneur, il est déchu de ses fonctions et expédié dans un couvent. Fou de rage, il n'a plus qu'une idée en tête : se venger. Pour cela il entre en contact avec le brigand César, son neveu, mais celui-ci  refuse son soutien, le fait capturer pas ses sbires et envoyer comme esclave aux barbaresques. C'est alors que Sallustre se  tourne vers son valet Blaze (Montand) et échafaude un projet machiavélique : il fera passer ce dernier pour son neveu César. Mais Blaze est aussi malin que son maître. A peine arrivé au palais, il déjoue un attentat ourdi contre le couple royal et s'attire ses faveurs, au point de devenir ministre. A la suite d'une méprise, Blaze, qui est chargé de séduire la reine, déclare sa flamme à son acariâtre duègne, dont les appétences sexuelles paraissent inépuisables...La situation se complique et les rebondissements rocambolesques ne cesseront plus de déclencher l'hilarité jusqu'à la fin. L'effeuillage d'Alice Sapritch est, pour moi, le clou de ce film désopilant. Il fallait une actrice comme elle pour amener cette scène à ce point culminant du burlesque. Il est indéniable qu'Oury sut choisir ses acteurs et les employer au mieux de leurs capacités, tant il était conscient qu'une grande part du succès dépendait d'eux. Louis de Funès, qui avait mis vingt ans à imposer son type de comique, fait de constantes improvisations, trouva chez lui le metteur en scène capable d'emblée de savoir quels rôles convenaient à sa verve et à sa gestuelle.  On me donne toujours trop de texte - disait-il.  Je n'ai pas un comique de mots, mais de geste, d'attitude, de situation.


Oury le comprit mieux que personne et utilisa cette gestuelle délirante de façon appropriée. Face à cette envahissante présence, Yves Montand résiste bien et intelligemment avec son physique de latino frimeur et conquérant, ses sourires entendus et flatteurs, ses étonnements faussement naïfs, ses bouffées de vanité ; il est surprenant et d'une irrésistible efficacité. Quant à Alice Sapritch, elle est simplement époustouflante dans ses outrances, virant de l'irascible duègne à la walkyrie aguichante et boulimique. Le film est également servi par la musique de Polnareff et les excellents dialogues de Danièle Thompson.
Une grande réussite. A voir et revoir pour la folie du rire.

 

Pour prendre connaissance des articles consacrés à Gérard Oury et à Louis de Funès, cliquer sur leurs titres :

 

GERARD OURY, LE MAGICIEN DU RIRE                 LOUIS DE FUNES

 

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LA FOLIE DES GRANDEURS de GERARD OURY
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13 septembre 2006 3 13 /09 /septembre /2006 09:52
BENJAMIN OU LES MEMOIRES D'UN PUCEAU de Michel DEVILLE



Révélé par des comédies sentimentales délicates, Michel Deville occupe une place à part dans le cinéma de la Nouvelle Vague, ayant ouvert des pistes peu habituelles grâce à un style d'une étonnante originalité. Il est vrai que la sortie de son premier long métrage en novembre 1960 Ce soir ou jamais avait été saluée par une critique enthousiaste et unanime qui voyait en ce jeune metteur en scène quelqu'un qui, tout en rompant avec l'académisme de la production traditionnelle, ne cédait pas aux provocations désordonnées et souvent faciles de la plupart de ses confrères. Ce premier film nous mettait d'emblée en présence d'un cinéaste authentique qui savait manier la caméra avec souplesse et précision, diriger ses acteurs avec élégance et habileté, offrant au public un cinéma tout aussi plaisant qu'intelligent et raffiné. Cette passion pour le 7e Art, Michel Deville, né en 1931, l'avait éprouvée très tôt. Alors qu'il était élève au lycée de Saint-Cloud, il avait réalisé un film en 8mm " Gastonnades". Par la suite, renonçant à poursuivre des études universitaires, il devient  l'assistant de Henri Decoin et le conseiller de Jean Meyer pour les productions filmées de la Comédie-Française. En 1960, il rencontre Nina Companeez  avec laquelle il écrira une douzaine de films. Leur association sera une réussite et leur complémentarité exemplaire ; l'écriture brillante et rapide de Nina s'accommodant à merveille de la fraîcheur d'une mise en scène apte à exprimer les plus fines sensations de ce monde féminin, terrain de prédilection où Deville sait toucher juste, un peu à la manière d'un Max Ophuls ou d'un George Cukor.

 

Toutefois, après l'échec commercial de A cause, à cause d'une femme, le cinéaste, endetté, se voit dans l'obligation de réaliser des films de commande, cela avec une réussite inégale. Ce seront : L'appartement des filles (1963), On a volé la Joconde (1965) ou  Martin soldat (1966), qui n'ont nullement la grâce et la fantaisie d'Adorable menteuse  (1961). Remis de ses déboires financiers, Michel Deville s'attaque alors à une oeuvre plus ambitieuse Benjamin ou les mémoires d'un puceau, produite par Mag Bodard. Cette chronique ironique et galante est l'un des films le plus parfaitement réussi de ce metteur en scène et sera d'ailleurs couronné par le prix Louis Delluc. Le succès fut considérable et permit à Deville de poursuivre avec éclat la troisième phase de sa carrière, toujours en  collaboration avec Nina Companeez, en produisant des films qui ont incontestablement marqué le cinéma français : Bye,bye Barbara (1968), L'ours et la poupée (1969) et Raphaël ou le débauché (1970). Plus tard Deville rompra avec cette légèreté pour prouver qu'il n'était pas seulement le peintre des fêtes galantes et des écarts amoureux, mais quelqu'un capable de prendre des risques importants en procédant à une démarche quasi expérimentale dans cette voie de l'indépendance, à travers des films comme La femme en bleu (1972), Le dossier 51 (1978), plus tard  Le voyage en douce (1979) et Eaux profondes  ( 1981).

 

Mais revenons à Benjamin, où il atteint la perfection dans le style d'un marivaudage libertin et gracieux, filmant les femmes comme rarement elles l'ont été, dans un décor où tout est ravissement pour l'oeil, de même que les dialogues ne manquent jamais d'esprit, mettant en relief la vérité des sentiments et la finesse des attitudes. L'histoire est celle d'un jeune garçon élevé à l'écart du monde par son précepteur Camille. Jusqu'à ce que l'argent venant à manquer, Benjamin soit envoyé chez sa tante, la comtesse de Valandry, femme mondaine et affranchie. Dans cette demeure fastueuse, où se joue une fête permanente, il va ouvrir des yeux étonnés sur un univers aux antipodes de celui austère, dans lequel il vivait : une société de jolies femmes et de galants hommes qui se livre sans réticences aux jeux de l'amour. Servi par une prestigieuse distribution, le film nous plonge dans le XVIIIe siècle français avec une écriture enjouée, délicate et précieuse. Pierre Clémenti interprétait avec une naïveté charmante ce puceau que tout ravit et étonne, face à un vétéran du plaisir campé par un Michel Piccoli plus vrai que nature, tous deux entourés d'actrices ravissantes, dont Catherine Deneuve dans la candeur de sa toute jeunesse et Michèle Morgan dans la plénitude de sa quarantaine. Ce film a écrit l'une des pages de la comédie à la française la plus réjouissante et la plus séduisante qui soit. Interrogée sur son travail de scénariste et de dialoguiste, Nina Companeez  a évoqué, dans sa réponse, le climat qui a prévalu à la réalisation de ce petit chef-d'oeuvre : " Chacun a ses obsessions ou ses intérêts. Je suis évidemment mille fois plus fascinée par le battement d'un cil, le frémissement d'une main, que par une grève ou une révolution. Rien ne me parait plus important, plus fascinant que d'observer le mystère de la vie, du temps, de la mort, notre mystère enfin. Je n'essaye pas de faire de la philosophie, ni de comprendre vraiment. Simplement je suis fascinée, et j'ai envie de regarder. Je regarde comment on bouge, comment on respire, comment on souffre, comment on est heureux, et je m'émerveille et j'ai peur, et je n'ai pas envie de regarder autre chose."


Avec Benjamin ou les mémoires d'un puceau, c'est un monde élégant qui bouge, parait tour à tour heureux et mélancolique, distrait et amoureux, et communique aux spectateurs cette légèreté des choses que parfois il revêt... le temps d'un battement de cil.


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BENJAMIN OU LES MEMOIRES D'UN PUCEAU de Michel DEVILLE
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9 septembre 2006 6 09 /09 /septembre /2006 09:55
CESAR ET ROSALIE de CLAUDE SAUTET

                                                                    

Claude Sautet représente, dans le courant de la Nouvelle Vague, un cinéma sans prétention particulière, proche de ces choses de la vie qui concernent chacun de nous, tranches d'existence finement observées par un cinéaste qui parait aimer sincèrement les gens dont il rend si bien, par l'image et le dialogue, les joies et les peines quotidiennes.



Né le 23 février 1924 à Montrouge, Claude Sautet se destinait d'abord à la peinture et à la sculpture avant d'entrer à l'IDHEC en 1946 et de faire ses premiers pas dans le monde cinématographique comme assistant de Carlo Rim, Yves Robert et Georges Franju. Scénariste et adaptateur prolixe, il participe à de nombreux films dont  "Les yeux sans visage"  de Franju, "Borsalino" de Deray,  "Le voleur"  de Louis Malle et  "Le soleil des voyous"  de Jean Delannoy. Après une oeuvrette oubliée, il débute en tant que réalisateur à part entière en 1960 avec un policier interprété par Lino Ventura et Jean-Claude Belmondo "Classe tous risques", où il ne se distingue par aucun trait original ou provocateur, sinon comme un bon artisan du film d'action, sobre et précis dans sa mise en scène. Le second film sera de la même veine, toujours interprété par Lino Ventura "L'arme à gauche", dont l'action se déroule presque entièrement sur un bateau et où Sautet confirme ses qualités de directeur d'acteurs et de metteur en scène habile et efficace.

 


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Avec "Les choses de la vie" en 1970, il change subitement de registre. La critique se montrera enthousiaste de cette tragédie actuelle à la construction parfaitement maîtrisée, inspirée d'un roman de Paul Guimard qui collaborera à l'adaptation avec Jean-Loup Dabadie et dont le scénario nous convie aux errances du coeur. Dans ses films suivants, Sautet ne va plus s'éloigner de ce genre qui semble lui convenir et où il s'affirme comme un portraitiste avisé d'une société contemporaine en pleine mutation. César et Rosalie, tourné en 1972, décrit les difficultés d'un couple, celui de César, vendeur en métaux de récupération, confronté à une situation délicate : la réapparition d'un ancien amant de Rosalie, David, qu'elle parait aimer encore. Plutôt que de la perdre, le mari préférera inviter l'indésirable à venir vivre auprès d'eux, ce qui sera l'occasion d'une comédie riche en rebondissements et révélations sur les sentiments véritables de ce ménage à trois. 

 

Bien écrit et subtilement dirigé, ce film obtiendra un immense succès auprès du public qui se reconnaît dans les personnages, cheminant plus ou moins douloureusement entre leurs échecs affectifs et professionnels, leurs aventures sentimentales et leurs évasions dominicales dans la maison de famille. L'analyse de Sautet touche juste. Traitée avec grâce et limpidité, cette chronique sait dévoiler les faiblesses, les hésitations, les perplexités, les rodomontades, les déceptions de ses héros et nous offre un panel des problèmes de la vie quotidienne. Tout est dit d'un trait vif, d'un regard, d'une expression, d'un mot, d'une répartie, en se jouant habilement du ralenti et du flash-back. Il faut souligner également le souci de Sautet à choisir comme interprètes des acteurs de premier plan qui collent parfaitement à leur rôle. C'est le cas d'Yves Montand  dans celui de César. Il est merveilleux en amoureux inquiet, violent, jaloux, excessif, vantard, désemparé et sincère. Il nous révèle la gamme des sentiments que peut éprouver un mari délaissé. Hâbleur, il se livre à un festival éblouissant qui friserait parfois le cabotinage si l'art du metteur en scène n'était là pour le contenir, tandis que  Sami Frey,  ironique, désinvolte, sûr de lui, goguenard, lui fait face en déclinant la gamme des sentiments opposés.  C'est soigné, drôle et émouvant.


Je garde pour la fin,  Romy Schneider  dans le rôle de Rosalie, toute en charme dans la séduction de sa jeunesse.  Elle nous enchante et trouve là un rôle qui correspond à l'image que le public se faisait d'elle : femme moderne, indépendante mais vulnérable, délicieuse et néanmoins nimbée d'une indicible tristesse.  Inoubliable Romy.

 

Vous pouvez lire les articles consacrés au metteur en scène et à l'actrice en cliquant sur leurs titres :

 

CLAUDE SAUTET OU LES CHOSES DE LA VIE              

 

ROMY SCHNEIDER - PORTRAIT

 

Et pour consulter la liste complète des artciles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, dont Une histoire simple, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

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CESAR ET ROSALIE de CLAUDE SAUTET
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29 août 2006 2 29 /08 /août /2006 09:37
LOLA de Jacques DEMY

                     

Contrairement à la plupart des cinéastes de la Nouvelle Vague, les Godard, Truffaut, Rohmer, Chabrol, Jacques Demy ne venait pas de la critique, ni de la prestigieuse école de l'IDHEC. Lorsqu'il acheta sa première caméra à quinze ans, il ne connaissait strictement rien au cinéma. C'était un novice qui allait apprendre le métier sur le tas, mais avait quelque chose à dire et entendait le dire à sa façon. Après quelques courts métrages où l'on sent l'influence de Cocteau et de Max Ophuls, il se lance en 1961 dans son premier long métrage Lola qui, malgré ses défauts et ses maladresses, retint l'attention des cinéphiles. Ceux-ci reconnaissaient au film le mérite de secréter un charme indiscutable, de s'évader joliment dans les sentiers de la poésie, une poésie familière qui évoquait les vieilles cartes postales découvertes un peu jaunies dans les greniers. On ne pouvait pas non plus rester insensible aux chassés croisés amoureux entre la petite Cécile et le matelot Frankie, entre Roland et Lola qui guette le retour de son grand amour Michel.

 

Déjà étaient réunis, à l'aube d'une carrière qui saurait marquer son époque, les ingrédients que l'on apprécie dans Les parapluies de Cherbourg et dans Les demoiselles de Rochefort : les danseuses et les marins, les villes portuaires et la musique. S'il sut évoluer, par la suite, avec plus ou moins de succès, Demy fut, grâce à ces deux films encensés par la presse américaine, flattée des allusions que le cinéaste ne manquait pas d'établir avec les célèbres comédies musicales hollywoodiennes, l'un des rares producteurs français invité à aller travailler Outre-Atlantique. Le résultat fut Model Shop, où il retrouvait Anouk Aimée, mais qui, malgré ses atouts, ne reçut pas l'aval du public, si bien que Demy regagna en hâte le pays de ses ancêtres pour y poursuivre une carrière plutôt heureuse, avec des réalisations ravissantes comme  Peau d'âne  et  Le joueur de flûte. 

 

Mais revenons à Lola où quatre personnages s'apprêtent à vivre un moment décisif. Ce sont Lola, mi danseuse, mi entraîneuse au cabaret l'Eldorado, qui a eu autrefois un enfant d'un homme qu'elle n'a pu oublier et dont elle attend le retour depuis sept ans ; Roland, son ami d'enfance, qui traîne ses rêves et son mal de vivre et aspire à embarquer sur un navire jusqu'à ce que, revoyant Lola, il s'éprenne d'elle à nouveau ; Frankie, le matelot de passage, qui trouble Lola parce qu'il lui rappelle Michel mais pose, quant à lui, ses regards sur la jeune Cécile ; enfin Michel, qui a focalisé la nostalgie de Lola et qui  revient à Nantes pour l'enlever avec son fils à bord, non d'un navire, mais d'une somptueuse voiture, tandis que Roland s'embarque définitivement, emportant avec lui ses rêves saccagés.

 

L'histoire est mince, assez peu crédible, et pouvait sombrer dans le mélo, si elle n'était traitée, après des préliminaires quelque peu laborieux, avec une fraîcheur, un naturel, une spontanéité, une grâce qui lui confèrent une authentique saveur. Tout d'abord, il y a l'ode à la ville de Nantes, filmée avec amour par Demy, qui y vécut sa jeunesse et sait magnifier ses quais encombrés de navires, son passage Pommeraye qui inspira à Pierre de Mandiargues une nouvelle fantastique, ses rues auxquelles la pluie prête une luisance féerique. Ainsi se déploie un univers fait de rêves et de nostalgie, dont le mélange est suffisamment bien dosé pour que l'on croise sans déplaisir les filles de bar et les matelots dans l'épaisse fumée de la nuit malgré cette bluette décidément peu convaincante.

 

Il est vrai aussi que le film bénéficie de la musique de Michel Legrand, qui débutait lui aussi, et dont on sait le duo réussi qu'il formât avec Demy. Quant à l'interprétation, elle ne se montre pas à la hauteur de nos espérances avec une Anouk Aimée trop minaudeuse pour nous toucher et  dépourvue du charme qui frappait dans Le rideau cramoisi et fera merveille en 1966 dans  Un homme et une femme ; oui, l'imagerie opère et me parait être le seul mérite du film, de même que les clairs-obscurs de Coutard, le lyrisme de l'hommage à Lola Montès et la passion saisie sur fond de souvenirs et de ralentis, monde qui s'évanouit doucement avec des larmes de pluie.


Un film qui mérite d'être revu et marque une date dans le cinéma de la Nouvelle Vague.
 

 

 Pour lire l'article consacré à Jacques Demy, cliquer sur son titre :   

 

JACQUES DEMY, L'ENCHANTEUR

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, dont Les demoiselles de Rochefort et Peau d'âne, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

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LOLA de Jacques DEMY
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  • : LA PLUME ET L'IMAGE
  • : Ce blog n'a d'autre souhait que de partager avec vous les meilleurs moments du 7e Art et quelques-uns des bons moments de la vie.
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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.

Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


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