Au cœur d'un huis clos situé quelque part en France dans les bureaux de la PJ une nuit de la Saint-Sylvestre, Jérôme Martineau, notaire, interprété par Michel Serrault, s’escrime contre l’inspecteur Gallien (Lino Ventura). Appelé à témoigner sur le viol et l’assassinat de deux fillettes, le notable cynique et sans histoires se transforme en suspect numéro un. L’enquête en elle-même, dont on peut critiquer le dénouement un peu parachuté des cinq dernières minutes, n’est en fait qu’un formidable alibi pour visiter les arrières cuisines d’une petite bourgeoisie de province dévorée par sa médiocrité, sa mesquinerie et son vide humain. Une société que mai soixante-huit n’a pas changée d’un poil : les mêmes sauteries mondaines ankylosées par les mêmes conventions, la même génération de garces bien élevées paradant aux bras des mêmes bons partis  qui les gavent de fourrures véritables et de séjours à Ibiza.

Cependant, tandis qu’un Claude Chabrol aurait sans doute montré cela avec une acidité cruelle, Miller filme simplement l’humiliation de Jérôme Martineau tandis qu’Audiard le fait parler, sous la lumière blanche de l’investigation policière. Le hiatus langagier et psychologique qui opposent Martineau et Gallien, chacun « poursuivant son histoire », porte le film à un niveau exceptionnel de tension, triple palier qui peint à la fois une affaire criminelle, une société viciée et le cœur d’un homme anéanti par le désenchantement conjugal. Face à face de deux acteurs prodigieux dans un registre à l'opposé l'un de l'autre, ce film est un formidable suspense qui tient en haleine le spectateur par la qualité des dialogues d'Audiard particulièrement ciselés pour l'occasion,  la tension permanente que l'évolution du scénario fait peser sur ce présumé coupable, d'autant que sa femme, interprétée avec sensibilité par Romy Schneider, ne fait que noircir le tableau et conforter l'inspecteur dans la piste de la pédophilie. Tout concoure en effet à accuser cet homme qui, impudent, provocateur et désabusé, ne fait rien pour sauver sa peau. Son couple n'ayant plus d'issue, sa vie étant un immense gâchis, il s'accuse des deux meurtres pour en finir définitivement, suicide programmé en quelque sorte. On ne dira jamais à quel point Michel Serrault, qui recevra pour ce rôle un second César, est admirable et méritait le compliment d'Audiard d'être le meilleur acteur du monde. D'autant qu'il a fort à faire avec Ventura dont la présence puissante ne se relâche à aucun moment. Tous deux tissent une toile inéluctable où la respectabilité s'enlise à tout jamais, où le discernement ait mis à rude épreuve, où les vêtements peuvent être interchangeables selon les méandres d'une actualité que l'on ne maîtrise plus. Discrète et toute de retenue, Romy Schneider fait une apparition qui force l'admiration par sa densité douloureuse, sa désillusion amère et revancharde, par ce quelque chose d'à jamais perdu ou gaspillé, tandis que Guy Marchand méritait bien son César du meilleur second rôle dans celui du scribe un peu trop réactif qui s'immisce de façon brutale et maladroite dans cette garde à vue. Un film que l'on ne peut oublier avec sa musique lancinante, son décor d'une banalité décourageante et la pluie qui ne cesse de faire miroiter les vitres comme si la fin d'un jour, la fin d'un monde s'était tout à coup réfugié entre les murs poussiéreux de cette PJ.

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Je me rendais à la projection de ce film avec un à priori favorable, après avoir lu des critiques enthousiastes, ce qui n'est certes pas la meilleure façon d'aborder un film, tant le risque est grand d'être déçue. Eh bien non ! - je ne l'ai pas été, tout au contraire, je suis entrée dans cet opus avec délice, j'ai marché totalement dans cette histoire qui relate les destins croisés de George Valentin (clin d'oeil à l'acteur Valentino, idole des années 1920) et de la sémillante Peppy Miller et nous plonge dans l'âge d'or du 7e Art hollywoodien. Cette évocation, tournée en noir et blanc sur fond musical, sans discours emphatiques, ni vaines paroles - et pour cause c'est un film muet - est une réussite inespérée, une ode poétique à un passé au charme suranné et néanmoins irrésistible. Il fallait oser à l'époque d'un cinéma bavard et provocateur, souvent violent et gâché par les effets spéciaux et un réalisme outrancier, remonter aux sources, revenir au cinéma de nos grands-mères et nous convier à re-visiter les studios d'Hollywood au temps où régnaient Mary Pickford, Charlie Chaplin et Buster Keaton. L'engouement du public d'alors était tel qu'il avait abouti à une guerre commerciale pour le contrôle de l'industrie naissante. En ce temps-là, les salles obscures étaient pleines et on passait du court-métrage ou du film à épisodes aux superproductions de dix à douze bobines qui introduisaient un souffle nouveau dans le récit cinématographique. A la veille du crack de 1929, la mecque du 7e Art était euphorique. La première guerre mondiale, en affaiblissant les concurrents européens, avait assuré la suprématie du cinéma américain. Près de 50 millions d'entre eux fréquentaient les salles obscures chaque semaine et les vedettes de l'écran étaient devenues les nouveaux dieux de cette olympe. Mais en 1924, déjà, la Warner faisait le pari d'adapter la technologie du son au cinéma et, en 1926, la société produisait Don Juan, le premier long métrage sonore d'Alan Grosland avec John Barrymore. Il est vrai que cette innovation était encore loin de satisfaire ses promoteurs et l'endettement de la Warner atteignit un niveau critique. Mais aussi fou qu'il soit, le pari allait  réussir et, en 1928, la Warner, requinquée par le procédé Movietone, se convertissait totalement au parlant. C'est ce moment clé que le réalisateur Michel Hazanavicius a choisi pour toile de fond. Ainsi nous invite-t-il à suivre l'histoire d'un acteur à succès qui se refuse à tenter l'expérience et déclare  que cette révolution se fera sans lui, reprenant à quelques détails près ce que disait Mary Pickford : - "ajouter du son au cinéma serait comme mettre du rouge à lèvre à la Venus de Milo". Le destin de George Valentin est celui que connurent quelques-uns des acteurs légendaires de l'époque. Après avoir été au sommet de leurs carrières, il leur fallut descendre l'escalier de la gloire, vite remplacés par une génération triomphante et convaincue que l'avenir et le progrès leur appartenaient.


  

Cela sera le cas de Peppy Miller, une figurante, qui entrée par la petite porte, va peu à peu monter les marches que George est en train de descendre. Pour ajouter à ce déclin, voilà que survient le crack de 1929. A la désaffection du public s'ajoutent désormais pour George les soucis financiers et bientôt le désespoir, car il n'est plus seulement un acteur fini mais un homme ruiné. C'est ainsi que l'on passe, presque sans transition, de l'ombre à la lumière et vice versa. Je ne vous dirai rien de plus  de ce délicieux mélo qui nous est narré de façon exquise, est truffé de scènes inattendues et de trouvailles comme celle où Peppy, se croyant seule, s'imagine dans les bras de Valentin. Il se dégage une sensualité pleine de poésie qui en dit plus long que la plupart des scènes hard de notre production contemporaine. Et puis, il y a les acteurs : Jean Dujardin, qui a bien mérité sa palme d'or à Cannes et Bérénice Bejo que le film de son compagnon Michel Hazanavicius révèle au public sous le jour le plus séduisant. Elle crève l'écran par son charme - mais il est vrai que tout est charme dans ce long métrage - sa grâce, sa présence, sa pétulance et sa photogénie. N'oublions surtout pas le troisième acteur, tout aussi fantastique, qui à lui seul fait craquer le spectateur : le petit fox-terrier Uggy, amateur de hot-dogs,  qui sait tout faire, même semblant de mourir,  et auquel il ne manque que la parole... a été également couronné d'une Palme : la palme dog. Lorsqu'on a proposé le rôle à Dujardin, celui-ci fut quelque peu interloqué  - : J'avais un peu peur, mais surtout ça m'excitait. Je savais que j'allais être privé de texte, je savais que j'allais être privé de la voix. Ce n'est pas rien ! " Il est vrai aussi qu'à l'époque peu de producteurs misaient sur lui. Il s'était même entendu dire que pour faire du cinéma son visage était trop mobile. Ce défaut allait le servir au-delà de toute espérance pour cet opus où sa mobilité fait merveille. Finalement - ajoutera-t-il - j'ai découvert que le muet était presqu'un atout : il suffit de penser l'émotion pour qu'elle se voie. Aucun dialogue ne vient la polluer. Il suffit d'un rien, un regard, un battement de cil pour que l'émotion soit palpable.

Courez vite voir ce film, c'est un bain de fraîcheur servi par une imagerie et une gestuelle magnifiques, une oeuvre attachante qui nous propose de remonter le temps et où fidélité, délicatesse, élégance et amour sont à l'honneur, ce qui n'est pas si courant de nos jours.

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INTERVIEW de UGGIE, LE CHIEN de "THE ARTIST"

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Le réalisateur d'origine roumaine Radu Mihaileanu nous propose, après le succès de son dernier opus Le concert, une oeuvre très différente, un conte limpide et poétique inspiré du Lysistrata d'Aristophane - où des femmes s'engageaient dans une grève du sexe pour que cesse la guerre entre Sparte et Athènes - et dont le thème,  en résonance avec le printemps arabe, est celui de l'émancipation féminine et de la tolérance universelle dans les paysages sauvages et âpres du Maghreb. Montagnes pelées, terre ocre, mechtas jaune orangé, le décor est superbe, les femmes belles et déterminées, la lumière intense, la musique orientale à souhait. L'histoire, très simple, se résume en quelques lignes : à la suite d'une chute qui fait perdre son bébé à l'une d'entre elles, les femmes, chargées depuis le nuit des temps de rapporter l'eau au village à travers des sentes arides, se révoltent et décident de faire la grève de l'amour tant que les hommes ne se décideront pas à installer l'eau courante. La jeune Leïla, interprétée par la ravissante Leïla Bekhti, la plus émancipée de toutes ( elle sait lire et écrire ), va être le fer de lance de cette révolte, aidée par la plus âgée, une matrone courageuse à la langue bien pendue, campée par Biyouna, qui prête à son personnage de femme mûre un contour rocailleux mais profondément humain qui n'est pas sans rappeler l'audace et l'intrépidité de nombreuses femmes arabes lors d'événements récents. Au milieu des chants et des danses, ces épouses vont mener à bien leur combat, épaulées par le mari de Leïla, Sami (Saleh Bakri), l'instituteur du village qui est très amoureux de sa femme et ouvert à la modernité. Comme elles, il veut faire bouger les choses et lutte contre l'obscurantisme des anciens et les déviations qu'ils se sont permises des versets du Coran, de façon à soumettre les femmes à leur toute puissante autorité. De cette dignité bafouée, de l'obéissance humiliante à laquelle on les a contraintes, les femmes ont bien l'intention de s'affranchir, sans aller pour autant à rebours de leurs traditions millénaires et de leur foi. Les deux heures du film ne sont autre qu'une ode à la dignité féminine, à la place privilégiée que le sexe dit faible est sensé occuper au coeur de l'humanité, un message à l'intention d'un monde gagné par la sécheresse de coeur, l'égoïsme et la nonchalance coupable, un rappel adressé à une société en perte de repères, d'horizon, de ferveur et d'amour. Peut-être le scénario manque-t-il de rigueur dans sa narration, avec des répétitions et surtout une bande-son trop envahissante, mais il n'en est pas moins un joli conte biblique, où la poésie des êtres et celle des paysages composent une heureuse alliance.

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Avec The artist, vu mercredi dernier, et Polisse vu ce mercredi, il faut reconnaître à la production française d'être diversifiée, car voilà deux univers totalement opposés dont on aurait aimé que l'un fut presque aussi muet que l'autre, tant sa jactance est assez pénible à supporter pendant plus de deux heures. Merveille du cinéma muet qui exprime l'essentiel en silence ! Alors que penser de ce Polisse, prix du Jury 2011 du Festival de Cannes et film promu comme l'exception française dans sa plénitude, sinon que c'est là un documentaire plutôt réussi des graves bobos dont souffre notre société et un inventaire assez fastidieux  des maux les plus affligeants de notre humanité : maltraitance, incestes, viols, fugues, rien ne sera oublié mais, curieusement, en dehors de quelques passages, sans susciter l'émotion que j'imaginais, car les scènes se succèdent en effleurant chacun des sujets sans aller jamais au fond des choses et, au final, ne nous apprenant rien de plus que ce que nous en disent quotidiennement les journaux télévisés et les téléfilms des chaînes publiques.

Si je ne me suis ennuyée à aucun moment car le film a du rythme et qu'il est interprété par des acteurs formidables ( inutile de les citer, ils le sont tous ), il ne me laissera pas un souvenir impérissable et ne révolutionnera en rien le 7e art, tant il est encombré de clichés et cède avec trop d'indulgence à la bien-pensance actuelle. Je sais, je vais m'attirer les foudres de quelques-uns, considérant que nous sommes en présence d'un film fort et pédagogique, mais voilà justement ce qui me déçoit le plus : ce film ne vous remue pas, il n'ajoute rien à ce que nous savions depuis belle lurette des problèmes inextricables qui se posent chaque jour aux brigades de protection des mineurs et, encore, le film de Maïwenn nous épargne-t-il les meurtres atroces et autres horreurs qui défraient la chronique presque chaque semaine. Plutôt qu'un coup de poing, je dirai qu'il s'agit d'un coup d'épée dans l'eau.



Là, où Polisse me semble le plus réussi, c'est dans le rendu du climat qui règne entre les membres de cette brigade parisienne, climat plus affectif et agressif que je ne le pensais, où  hommes et femmes en présence, fratrie en quelque sorte, exercent un métier si difficile qu'il met fatalement leur propre équilibre en danger. Aussi le moindre incident peut-il tourner au drame. Ce sera le cas lorsque l'une des protagonistes, à bout de nerfs, agressera sa consoeur avec les mots qui tuent ... Carine Viard se révèle dans cette scène une actrice capable de péter les plombs avec panache. Quant à Maïwenn, on se demande ce qu'elle vient faire dans son film et pourquoi elle a choisi d'endosser, en plus de son rôle de réalisatrice, celui sans consistance de photographe qui se promène au long de la pellicule sans rien y ajouter, sans rien y soustraire, figurante auto-satisfaite qui n'a sans doute d'autre but que de signifier aux spectateurs que notre société de l'image souffre d'un mal-être profond.

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Ce serait réduire Deauville que de la considérer seulement comme une station balnéaire, certes luxueuse, mais qui ne devrait son attrait qu'à la seule alliance de la mer et de la campagne. Située à l'embouchure de la Touques, sur la côte basse et marécageuse qui fait suite aux falaises des Roches-Noires, elle a très vite séduit une élite parisienne par son goût marqué pour les innovations les plus avant-gardistes : rallyes automobiles, régates nautiques, meetings d'aviation et d'hydravion, si bien que l'on peut parler d'elle à plus d'un titre : capitale du cheval, site privilégié du nautisme et, aujourd'hui, vitrine flatteuse pour la promotion des films américains, avec son Festival qui voit accourir les professionnels et les amateurs.

 

Grâce à un opus comme "Un homme et une femme", réalisé en 1966, Claude Lelouch faisait office de précurseur et devançait de peu l'engouement pour le grand écran qui allait saisir la ville. C'est en 1975 que le couple d'Ornano crée la première édition du festival du film américain, ouvrant ses salles obscures, son casino, ses grands hôtels aux stars venues d'Outre-Atlantique. Elles allaient bientôt avoir leurs suites dans les palaces, leurs places réservées dans les meilleurs restaurants, leurs habitudes dans les bars et les boutiques, et apprécier le charme incomparable d'une campagne où vallons, coteaux, collines se déclinent avec élégance dans un décor de manoirs, de haras, d'églises romanes et d'abbayes, familier aux peintres et aux écrivains. Peu d'endroit qui ait en main pareils atouts et sache les abattre avec autant d'opportunité. Faisant suite à l'août musical, aux tournois de polo, aux courses de plat, aux ventes de yearlings, le Festival du film américain clôt en apothéose, chaque mois de septembre, la saison estivale.

En 1966, il est certain que Deauville n'avait pas retrouvé les fastes de l'avant-guerre et que le film venait à point nommé  rappeler au public combien pouvaient être beaux les espaces liquides que sont ensemble, à certaines heures du soir, le ciel et les sables dénudés par la mer. Le goût pour les week-ends d'hiver, où il fait si bon marcher des heures à l'orée des flots, dans une nature solitaire avec la seule compagnie des oiseaux marins, allait tenter à nouveau les parisiens qui s'apercevaient que Deauville-Trouville n'était jamais qu'à une encablure de la capitale. Le film n'est certes pas un chef d'oeuvre, mais il a le mérite de rendre attrayante une nature hivernale comme recueillie, en même temps qu'il rend palpable les sentiments émouvants que peuvent éprouver deux veufs mis subitement en présence d'un nouvel amour. Cette romance simple, mais délicate, qui se joue sur fond de mer, conjuguant sa gamme infinie de gris, sut plaire. Et plaire au point que le film obtint le grand prix du Festival de Cannes 1966.


Avec peu de moyen et de l'imagination, afin de minimiser le coût de production, Claude Lelouch a réalisé un long métrage qui, malgré le temps, a conservé son actualité et son charme. Depuis ses débuts, dans les années 60, le cinéaste a traversé les époques et les modes et navigué entre les grosses productions et les films plus intimistes, comme celui-ci. Son cinéma, à la fois populaire et d'auteur, a fédéré un public qui lui est resté fidèle, malgré les attaques réitérées de la critique qui ne l'a pas épargné et lui a reproché vigoureusement  un certain amateurisme. Il est vrai que Lelouch aime à filmer ses acteurs au dépourvu, en ne leur donnant leur texte qu'au dernier moment, de façon à susciter l'improvisation. Son cinéma est ainsi le contraire de celui d'un Eric Rohmer si travaillé. Mais n'a-t-on pas jugé Rohmer trop intellectuel ? Heureusement que, faisant fi des propos des uns et des autres, ces deux artistes ont continué à mener leur carrière avec ténacité.

Voici ce que Lelouch devait déclarer à Deauville, lorsque la cité balnéaire jugea opportun de donner son nom à l'une de ses rues. Elle lui devait bien cela...

" C'était à une époque où j'étais au bord du trou. Mon dernier film ne trouvait pas de distributeur et m'avait endetté jusqu'au cou, au point que j'envisageais de vendre ma société Les Films 13. Une nuit du printemps 1965, désespéré, j'ai pris ma voiture, direction autoroute de l'Ouest, un peu au hasard. J'ai atterri à Deauville vers 2/3 h du matin, me suis garé sur les Planches et me suis endormi.
Un lever de soleil sublime m'a réveillé, une lumière comme seule la côte normande peut en générer. La plage était déserte, sauf un point qui bougeait au loin. Je suis sorti de l'auto et me suis dirigé vers ce point qui s'avéra en être trois qui se précisaient au fur et à mesure qu'ils grossissaient dans mon champ de vision. Une femme se promenait sur la plage à 6 h du matin en compagnie d'un enfant et d'un chien. Que fait-elle à cette heure-là ? Quelque chose alors s'est déclenché en moi : je me suis surpris à imaginer sa vie, ce qui l'avait poussée à se balader seule ou presque à l'aube.
Un scénario se mettait en place tout seul dans ma tête. Arrivé à 500 mètres de l'inconnue (qui l'est restée à jamais), j'ai rebroussé chemin et je suis remonté en voiture, direction Paris. A la gare, il y avait un café déjà ouvert, j'ai demandé de quoi écrire et j'ai jeté les bases de ce qui deviendrait 9 mois plus tard Un homme et une femme. Une palme d'or, deux Oscars, 47 récompenses internationales, le miracle... Et maintenant une place à mon nom !"

L'universalité du thème, la tendresse voilée et les amours mélancoliques et photogéniques de Jean-Louis Trintignant et d'Anouk Aimée, la musique de Francis Laï avec le fameux chabadabada  qui fit le tour du monde, y sont pour beaucoup. Le film exalte joliment la nostalgie des choses qui finissent et se figent un moment, comme la nature s'immobilise dans son hiver, avant de se remettre dans le mouvement du temps et s'achever sur une note d'espérance. Jean-Louis Duroc, coureur automobile, et Anne Gauthier, qui se sont rencontrés par hasard, se sont rapprochés et éloignés, parce qu'il leur semblait que le passé était encore trop présent, ne manqueront pas le rendez-vous de la dernière chance, où l'on voit Trintignant  attendre sur un quai de la gare St Lazare celle avec qui il souhaite recommencer sa vie.

Pour lire l'article consacré à Jean-Louis Trintignant, cliquer sur son titre :   JEAN-LOUIS TRINTIGNANT

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