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23 avril 2010 5 23 /04 /avril /2010 09:30
CLAUDE CHABROL OU UNE PEINTURE AU VITRIOL DE NOTRE SOCIETE

 

Très différente de celle d'Alain Resnais, l'oeuvre de  Claude Chabrol est généralement considérée comme une étude sociologique de la France contemporaine. Né à Paris le 24 juin 1930 dans une famille de pharmaciens auvergnats, le jeune Chabrol préférera fréquenter les cinémas d'art et d'essai que l'université. Critique aux Cahiers du cinéma comme Godard, il se distingue par l'éclectisme de ses goûts et son humour décapant. Son livre sur Hitchcock, rédigé en collaboration avec  Eric Rohmer  et publié en 1957, prouve l'attrait qu'exerce sur lui ce maître du suspense, dont il se sent proche dans sa façon de mêler le grave et le frivole. Il connaît très tôt les soucis financiers et envisage, comme Godard, de n'entreprendre que des réalisations à petit budget, mais qui mériteront d'obtenir une prime de qualité, ce qui l'autorisera ensuite, grâce à la subvention acquise, à produire le film suivant. Mais ses premiers films déplaisent. On le juge sombre, misogyne, fasciste. "Les cousins", qui expriment à la fois le pessimisme de leur auteur et son attirance pour la bêtise, dont il dit "qu'elle est plus fascinante que l'intelligence, car l'intelligence a ses limites et que la bêtise n'en a pas" - ne semblent pas recueillir l'adhésion du public. Si bien qu'il se voit dans l'obligation de diriger, pendant quelques années, une série de films d'espionnage traités en parodie à la James Bond, simplement pour gagner sa vie. Il revient à des sujets plus sérieux avec "Les biches" en 1969 et constate avec soulagement que les goûts ont évolué et que les innovations de la Nouvelle Vague ont fini par être acceptées, au point que ses propres qualités apparaissent en pleine lumière, ce, d'autant que cet humoriste ne manque pas de tendresse et que sa cruauté n'est pas dénuée de lucidité. Certes Chabrol n'est pas un pourvoyeur de songe comme le Resnais de "L'année dernière à Marienbad" ; c'est un réaliste dans la tradition de Renoir  et de Duvivier qui saisit l'homme dans son quotidien, la société dans ses ridicules, la passion dans ses excès et auquel aucune de nos tares ne parait échapper. En outre, la morale de ses histoires est éminemment raisonnable. "La femme infidèle" se révèle être une apologie de la fidélité. Il s'agit donc chez lui d'une description sans complaisance, fine et juste, de la France contemporaine des lendemains de la guerre, où il dépeint de façon sarcastique l'avarice, la sottise, la mesquinerie, l'envie, et rejoint une tradition littéraire bien établie chez nous : celle d'un Balzac, d'un Flaubert ou d'un Mauriac.
 


Il semble que le public, au fur et à mesure de sa production, se contemple sans déplaisir dans le miroir critique que Chabrol lui tend, peut-être parce qu'il devine, de la part du cinéaste, derrière les aspects satiriques, une réelle sympathie et une évidente tendresse pour les figures de femmes et d'enfants qu'il lui propose. Il est vrai aussi que Chabrol ne cesse d'affiner ses portraits de société, ses récits psychologiques, qu'il nous livre d'un trait tantôt appuyé, tantôt léger, grâce à un métier sans faille et une acuité rarement prise à défaut. Lui-même dira en 1969 : " Je peux tout faire maintenant. Je le dis sans prétention. Si on me demande de faire un quart d'heure d'Eisenstein, je fais un quart d'heure d'Eisenstein. Extérieurement, attention, ça n'en aura que l'apparence". Si Chabrol prend des points de départ variés et travaille avec des matériaux disparates, le climat de chacun de ses films n'en reste pas moins personnel : en quelque sorte une variation tragique sur le thème de l'obsession. Et cette obsession, ne serait-elle pas une passion, ou mieux une folie, qui entraîne ses personnages à leur perte et à leur damnation ?  L'ironie cacherait-elle une forme de désespoir ? C'est probable. Il y a chez Chabrol une instance pathétique, celle de la chute inéluctable de l'homme dans un dédale obscur qui fait de chaque destin, un naufrage. Cette obsession assure également à l'oeuvre une incontestable unité que l'on retrouve aussi bien dans ses films les plus élaborés que dans ceux que, pour des raisons économiques, il lui est arrivé de bâcler. Il est à cet égard plus proche d'un Hitchcock et d'un Fritz Lang que de ses amis de la Nouvelle Vague, comme Godard et Truffaut. Chabrol a également subi l'influence de Orson Welles et s'est plu dans "La décade prodigieuse" (1972) à lui faire jouer le rôle de Théo (dieu en grec), alors que le film repose sur la violation des commandements du Décalogue et que Dieu y est représenté comme un jaloux criminel. Le cinéaste veut prouver ainsi que l'on fabrique de l'avenir avec du passé et qu'il n'y a donc aucune raison valable de ne pas utiliser le cinéma d'hier, qui permet de mieux reprendre pour mieux prolonger.

 

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 STEPHANE AUDRAN - PORTRAIT       

 

LES ACTRICES ET ACTEURS DE LA NOUVELLE VAGUE      

 
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17 mars 2010 3 17 /03 /mars /2010 12:04
ZHANG YIMOU - PORTRAIT

  

Figure de proue de la cinquième génération avec Chen Kaige, Zhang Yimou, né le 14 novembre 1951, est de ceux qui ont attiré l'attention des spectateurs du monde entier sur un 7e Art chinois capable de se renouveler  et de retrouver un second souffle après l'ère difficile traversée par le pays au temps de la révolution culturelle. Il a eu également la chance de trouver en Gong Li, qui fut son épouse, une actrice d'une beauté et d'une présence rares qui a contribué à donner à ses oeuvres un éclat exceptionnel. Avec lui, elle a tourné Le Sorgho rouge, Epouses et concubines et La cité interdite où elle se montrait sous les traits d'une souveraine  impériale.

                   
Frappé en pleine jeunesse par la Révolution culturelle, ( trois années à travailler aux champs et sept en usine ), Zhang Yimou s'inscrit à l'école nationale du cinéma de Pékin dès que celle-ci rouvre ses portes en 1978 et permet alors à de grands talents de se révéler. Formé à la section des prises de vues, il se lie avec Chen Kaige, de la même promotion et signe la photographie de deux de ses  films Terre jaune  (1984) et  La grande parade  (1986). C'est en 1987 qu'il décide de passer à la réalisation pour son propre compte et tourne  Le sorgho rouge (1987) qui sera couronné d'un Ours d'Or à Berlin et ouvre un boulevard professionnel à sa découverte, Gong Li. Sans doute, est-ce dans un rôle de paysanne entêtée  Qiu Ju, une femme chinoise  en 1992, Lion d'Or à Venise, qui demande réparation à l'administration pour un préjudice subi par son mari, qu'elle se montre la plus convaincante et qu'ensuite elle ne cesse d'affirmer sa présence à l'écran dans des films comme Vivre  (1994), l'élégant  Epouses et concubines où elle illumine la pellicule en 1991 et où le film privilégie  l'exotisme précieux. Cet opus sera d'ailleurs le premier film chinois à remporter un succès public en France. Aussi la séparation du metteur en scène et de l'actrice, en 1994, va-t-elle correspondre à un passage à vide pour Zhang Yimou, même s'il lance la jeune Zhang Ziyi dans  Ma mère et mon père  en 1999. Son goût pour l'opéra l'incite alors à mettre en scène Turandot en 1998 dans le décor de la Cité interdite. Ajouté à l'utilisation des effets spéciaux numériques qu'il maîtrise bien, il épanouit sa tendance naturelle à la grandiloquence et aux spectacles complets, où la mise en scène prend le dessus sur le sujet lui-même. Ce sera le cas pour  Le secret des poignards volants  (2003)  qui comporte de beaux moments de bravoure et, davantage encore, pour  La cité interdite  (2006), où il retrouve Gong Li, à laquelle il a taillé un rôle sur mesure, mais qui souffre du recours excessif aux images de synthèse, principalement dans les combats. On a reproché alors à Zhang Yimou de délaisser le cinéma contestataire pour devenir le réalisateur officiel de la République chinoise. C'est lui d'ailleurs qui fut chargé de concevoir le spectacle  des Jeux Olympiques qui se déroulèrent à Pékin en 2008. On attend de lui un film testament qui conclurait une oeuvre où la beauté des femmes et la puissance de l'Empire du milieu ont eu la plus belle part.

 

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3 mars 2010 3 03 /03 /mars /2010 09:48
AKIRA KUROSAWA OU UN ART PICTURAL EXTREME


Découvert en Occident grâce à  Rashomon  (1950), Lion d'or au Festival de Venise et Oscar du meilleur film étranger en 1951, Akira Kurosawa est l'homme de tous les cinémas, s'inspirant aussi bien du théâtre japonais classique que des grands écrivains occidentaux comme Shakespeare, Gorki, Dostoïevski, et passant avec aisance du drame contemporain à la fresque féodale, d'un cinéma de genre à une fable intimiste. Doté d'un regard de peintre, il fera de chacune de ses oeuvres une suite de tableaux d'un esthétisme coloré. Le suicide de son frère en 1934 le frappe de stupeur, aussi décide-t-il d'abandonner ses études de peinture aux Beaux-Arts de Tokyo, pour se consacrer au cinéma, afin de prolonger le travail de son frère disparu. " Je préfère penser que celui-ci fut le négatif original du film dont je suis le développement comme image positive" - écrira-t-il. Il passe d'ailleurs à la réalisation avec un coup d'éclat  La légende du grand judo  (1943) dont le combat final est devenu une scène d'anthologie. Après la guerre, il se consacre à une série de films sur le drame qui est celui d'un Japon défait et humilié. Autant  par nécessité - car les Etats-Unis, qui contrôlent le pays, interdisent les films avec samouraïs, jugés porteurs d'une idéologie guerrière - que par goût de décrire les périodes troublées de son pays, les guerres civiles entre clans qui seront le cadre de ses grandes fresques féodales. Dans La légende du grand judo, la relation entre le disciple fougueux et son maître qui le dompte en l'initiant à son art tout en lui enseignant la voie de la sagesse, caractérise son univers. Si le sujet de la transmission lui vient des arts martiaux et du confucianisme (la piété filiale), le goût de l'affrontement lui est inspiré par la tradition japonaise (le duel au sabre) et le film noir du cinéma américain. Le réalisateur a su laisser courir en lui des influences multiples et les allier dans une perspective très personnelle qui assure son originalité. Kurosawa aime faire de l'exercice d'un métier (médecin, samouraï) le sujet et le ressort moral de ses films, à l'image du policier du  "Chien enragé"  (1949), inquiet à l'idée que le voleur de son arme en fasse un mauvais usage ou, comme dans  "L'ange ivre" (1948), entre un médecin alcoolique et un gangster tuberculeux. Les extrêmes me plaisent - disait-il - car ils sont source de vie ".

 

Cela va donc des corps fougueux, débordant d'énergie, aux corps de grabataires en sursis. Cette dimension fantomatique du corps est liée à la conscience de la mort : ainsi le personnage de  "L'idiot" (1951), pour avoir été témoin du pire (un soldat fusillé), demeure hébété, comme halluciné, à la façon d'une personne revenue de l'au-delà pour hanter le monde des vivants. En passant des héros des  "Sept Samouraïs" rémunérés pour leur travail, à celui opportuniste et manipulateur de "Yojimbo" (1961), le film préféré de Clint Eastwood, qui inspirera Sergio Leone, et donnera naissance au western spaghetti, Kurosawa fait-il basculer le héros moderne dans un cynisme désabusé et le genre dans la parodie grotesque, transformant le samouraï sans maître en un être mélancolique, perdu dans un monde où il n'a plus sa place. C'est la raison pour laquelle il deviendra pour la jeune génération du cinéma américain - les Scorsese, Coppola, Spielberg - une référence incontournable. D'autre part, le cinéaste se donne pour mission de peindre l'apocalypse, centrée sur l'ivresse et la folie destructrice du pouvoir des hommes, se nourrissant de la dramaturgie japonaise consécutive à la guerre de 39/45 et au tremblement de terre de 1923, visions traumatisantes s'il en est. Cette peinture est inséparable de l'épreuve du regard, à l'image de la vieille femme de "Rhapsodie en août" (1991) qui voit de ses propres yeux la bombe d'Hiroshima. L'art de Kurosawa, maître incontesté du 7e Art japonais, est avant tout guidé par une morale du regard.

 

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29 janvier 2010 5 29 /01 /janvier /2010 11:02
JACQUES PERRIN OU UN PARCOURS D'EXCELLENCE

 

Il a conservé ce regard bleu qui faisait de lui un jeune premier romantique du temps des Demoiselles de Rochefort, de Peau d'âne ou de La fille à la valise, ou encore l'officier troublant et troublé du Crabe-Tambour. Aujourd'hui l'acteur est devenu producteur et réalisateur pour offrir à nos regards éblouis les spectacles grandioses des mondes de la mer ou de l'air et en élaborant des projets d'une audace et d'une envergure qui méritent tous les éloges, le dernier en date étant Océans, cette fresque magnifique sur la faune marine. Fils d'un régisseur de la Comédie française et d'une comédienne, Jacques André Simonet, né le 13 juillet 1941 à Paris, prit pour pseudonyme Perrin lorsqu'à 19 ans, après avoir été un moment l'élève de Jean Yonnel au Conservatoire d'art dramatique, il est remarqué par le metteur en scène Valerio Zurlini pour être le partenaire de Claudia Cardinale dans  "La fille à la valise." "Cinq ans après avoir quitté l'école, j'ai décroché mon premier grand rôle. Dans ce film j'interprétais Lorenzo, un jeune aristocrate épris d'une danseuse paumée"- dit-il. Et il poursuit -  "Valerio Zurlini m'a appris que le cinéma se comprend de l'intérieur, qu'il est une peinture de l'âme". Ce film mis en boite, il poursuit avec un autre qui fera beaucoup parler de lui  La Vérité , où Brigitte Bardot vit un drame passionnel avec Sami Frey. "Pendant le tournage, Clouzot éructait, incendiait ses acteurs - confie-t-il. Il était irascible, terriblement dur avec ses équipes. J'étais consterné ! Je me suis juré alors que si un jour Monsieur Clouzot me proposait un grand rôle, je refuserais. Quel que soit le talent du metteur en scène, je ne partage pas cette conception du cinéma : pour moi, c'est un lieu de compréhension. Pas un théâtre pour des dictateurs d'un moment ". C'est alors que Jacques Demy le choisit pour donner la réplique à deux charmantes actrices quasi débutantes, les soeurs Dorléac, Françoise et Catherine, dans "Les demoiselles de Rochefort". L'acteur se demande d'ailleurs pourquoi Demy jeta sur lui son dévolu, étant donné qu'il ne savait ni chanter, ni danser, mais il avait la jolie gueule du prince charmant et c'est encore à lui qu'il fera appel, trois ans plus tard, pour séduire la délicieuse Catherine Deneuve dans "Peau d'âne". Deux tournages dont l'acteur se souvient avec bonheur. " Lors du tournage dans la forêt de Chambord - raconte-t-il - Demy m'a pris par le bras et nous sommes allés admirer les biches traversant une clairière. Le cinéma, c'est ça, a-t-il murmuré. Des instants magiques, en suspens, qui peuvent durer ou pas, qu'il faut attendre patiemment ".

 
C'est avec Z de Costa-Gavras que Perrin découvre l'engagement. Le metteur en scène peinait à trouver  le financement de son projet. C'est alors que l'acteur, âgé de 28 ans, fonde sa maison de production avec, dit-il, une sacrée inconscience. Mais cela m'a donné une grande force de conviction. Yves Montand et Jean-Louis Trintignant acceptèrent de ne percevoir qu'un faible cachet. Ainsi le film fut réalisé et la société Reggane-Films créée. Elle deviendra ensuite Galatée-Films et produira de nombreux longs métrages, comme "Le désert des Tartares" en 1976 de Valerio Zurlini, d'après le roman de Dino Buzzati, où le producteur endossera le rôle d'un lieutenant affecté à une forteresse dans le désert iranien, et "Le crabe-tambour" de Pierre Schoendoerffer en 1977, où il joue le rôle-titre auprès de Claude Rich, Jean Rochefort et Jacques Dufilho. Avec Schoendoerffer, il tournera également la "317e Section" et avouera qu'il a appris le métier à ses côtés, c'est-à-dire l'exigence. Mieux que des preuves à apporter, ce sont plutôt des traces qu'il faut laisser. Les traces d'une quête, mieux que les preuves d'un combat. Vint le temps où Perrin s'investit autrement, en produisant et en réalisant lui-même ses films, passant derrière la caméra.  "Le peuple migrateur" (2001) était un rêve d'enfant : voler en compagnie des oiseaux. Avec  Jacques Cluzaud, son complice, ils vont suivre en ULM le vol d'une trentaine d'espèces d'oiseaux migrateurs - grues, oies, cygnes, cigognes, canards - et découvrir leurs escales en même temps que montrer la précarité de leur vie. "J'ai voulu sensibiliser le public à la beauté et à la fragilité de la biodiversité "- reconnait-il. Et ce film fut une réussite extraordinaire, un événement dans le monde du 7e Art. De même que l'avait été en 1996 "Microcosmos" qui toucha 3 millions de spectateurs et obtint un César. En 2004  "Les Choristes"  charmeront pour la jolie musique et feront verser quelques larmes aux âmes sensibles mais c'est Océans, aujourd'hui, qui couronne une carrière déjà riche d'événements majeurs. "Durant ces quatre années de tournage, j'ai filmé les poissons comme des héros de fiction : la bataille homérique des crabes araignées, le ballet amoureux des seiches géantes, la tragédie d'un requin qu'on assassine. Il y a trente-cinq ans sortaient "Les dents de la mer". Une bombe explosait dans la gueule d'un requin et on applaudissait. Océans montre un requin, à qui des pêcheurs coupent l'aileron et la queue, et on pleure devant ces images".



Voilà le message discret que Perrin adresse aux hommes et spectateurs que nous sommes : que le monde végétal, animal, que l'infiniment petit, comme l'infiniment grand, méritent notre attention et notre respect. Il avait également produit le très beau film sur Eric Tabarly, afin de faire connaître plus intimement ce seigneur de la mer. Tous les amoureux de la beauté et des éléments ne peuvent qu'applaudir à ce parcours sans faute.

 

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Jacques Perrin et Catherine Deneuve

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JACQUES PERRIN OU UN PARCOURS D'EXCELLENCE
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16 janvier 2010 6 16 /01 /janvier /2010 09:35
STANLEY KUBRICK OU LE REGARD CAMERA

 

Voilà un cinéaste qui produit peu mais sort tous les dix ans un chef-d'oeuvre, un de ces films qui crée l'événement et frappe l'imagination du spectateur, raison pour laquelle on a volontiers qualifié Stanley Kubrick de génie obsessionnel, tellement ses thèmes posent inlassablement les mêmes questions sur la condition de l'homme et le problème du mal avec une sorte de fureur expressive. Ce New-Yorkais précoce ( il est né le 26 juillet 1928 ) se fera connaître tôt dans la photo, où son inventivité fera merveille. Passionné de technique, il réalise un documentaire sur un boxeur  Day of the Fight  (1951), puis un film de fiction  Fear and Desire  en 1953, qu'il reniera par la suite. La qualité de sa photographie, ses clairs-obscurs contrastés, ses mouvements de caméra sinueux révèlent déjà un tempérament exceptionnel. Il a tout juste 28 ans quand il tourne son premier film en tant que réalisateur indépendant  Ultime razzia  (1956), un policier qui emprunte aux classiques du genre, mais où se dévoile certaines virtuosités, ainsi qu'un traitement visuel savant qui permet à Kubrick de saisir les visages au bord de la déformation caricaturale, signature, grâce à laquelle, il impose d'ores et déjà son style propre.

 

 

L'acteur Kirk Douglas, qui se plait à encourager les jeunes talents, le choisit pour un projet audacieux  Les sentiers de la gloire (1957) qui aborde le sujet délicat des mutineries dans l'armée française, lors de la Première Guerre mondiale. Le film, tourné en Europe, reçoit un accueil critique favorable, mais la France, par crainte de la censure, attendra 1975 pour le diffuser enfin dans les salles. Kubrick s'y révèle un cinéaste majeur et complet : le sujet est traité avec force et dignité, l'interprétation à la hauteur de l'attente des spectateurs et, la maîtrise de la caméra, celle d'un homme qui  utilise avec maestria les possibilités offertes par sa caméra, dont les longs travellings. Kirk Douglas fera de nouveau appel à lui  - à la suite de la défaillance d'Anthony Mann - pour un film en péplums  Spartacus, dont le jeune réalisateur s'acquittera avec panache et qui contribuera à asseoir sa réputation auprès du grand public. Désormais Kubrick entend faire cavalier seul et ne travailler que sur des projets personnels qui lui laissent une totale liberté d'action, veillant à s'entourer de collaborateurs triés sur le volet, scénaristes, caméramans, voire même écrivains. C'est Vladimir Nabokov en personne qui participera à l'adaptation sur grand écran de son roman controversé : Lolita. N'aimant guère l'ambiance qui règne à Hollywood et correspond si peu à son caractère introverti et à sa personnalité solitaire, Kubrick quitte les Etats-Unis pour l'Angleterre, où il reconstituera l'Amérique provinciale et suburbaine dans Lolita,  prouesse qu'il réitérera avec Shining et  Eyes Wide Shut,   proposant une vision mentale de ce pays plus vraie que nature.

 


Cette indépendance lui réussit car, désormais, chacune de ses oeuvres est attendue par un public conquis par ce talent provocateur et hors du commun, qui ne s'accorde aucune concession, et aura si profondément imprimé l'imaginaire des spectateurs. Ainsi abordera-t-il successivement, et avec un égal talent, la comédie Dr Folamour, le film d'anticipation L'odyssée de l'espace, le film d'horreur Shining, le film historique Barry Lyndon, le film de guerre Full Metal Jacket et, à chaque fois, imposera une vision neuve, si bien que ceux qui viendront après lui seront condamnés à se mesurer à son modèle. Si Orange mécanique (1971), symptomatique de son époque, reste un phénomène isolé, Barry Lyndon (1975) crée un précédent et une référence absolue dans le domaine du film historique. Ces oeuvres, en apparence disparates, représentent la vision (le mot est approprié tant Kubrick est fasciné par la puissance et la capacité émotionnelle du regard caméra) d'un auteur : philosophe, il questionne  sans se croire obligé d'apporter des réponses, mais le questionnement en soi est en quelque sorte une réponse, celle de l'inquiétude de l'homme moderne et du devenir humain. Pessimiste ironique, il observe le monde en entomologiste et ce n'est pas tellement beau à voir. Chantre de l'inhumanité, il tisse sa toile afin que l'homme-personnage, pris au piège, se plie à ses considérations désespérées. Sa filmographie se conclut par une méditation sur le couple  Eyes Wide Shut (1999), film énigmatique par excellence comme les aime Kubrick, toujours en proie au doute et à l'incertitude des êtres ballottés par le temps et qui finissent, comme ses films, par devenir emblématiques.

 

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21 décembre 2009 1 21 /12 /décembre /2009 11:17
CHARLIE CHAPLIN, LE VAGABOND DE GENIE

                                              

L'histoire du 7e Art ne serait pas ce qu'elle est sans Charlie Chaplin (1889-1977). Alors que le cinématographe faisait ses premiers pas, il a tout inventé. Ne fut-il pas le premier à se revendiquer auteur complet, en concevant, produisant, écrivant, jouant, mettant en musique et en scène ses propres films, homme orchestre exemplaire et inégalé ? La vie de Chaplin se confond avec celle de cet art qu'il va servir avec génie, étant de ceux qui surent le mieux lui conférer crédibilité et dignité. Enfant de la balle, Charlie Chaplin part en tournée aux Etats-Unis en 1912, après une enfance londonienne misérable, où il passa la plus grande partie de son temps à observer. Dès lors, les choses s'accélèrent pour lui : remarqué par Mack Sennett, le spécialiste du burlesque, il débute au cinéma en 1914, d'abord comme acteur, puis, très vite, comme réalisateur. Son rythme de travail devient alors frénétique, pas moins de cinquante réalisations entre 1914 et 1919. Ce sont des comédies, d'une bobine d'abord, soit dix minutes, de deux bobines ensuite, où il affine, par petites touches, son personnage d'éternel vagabond et où se perçoit déjà son souci artistique et social. Celui que l'on nommera volontiers Charlot, se baptise lui-même " The Tramp", le vagabond, figure universelle dans laquelle l'humanité entière se reconnaît. Dans des courts métrages déjà très élaborés comme "L'émigrant" (1917) ou "Une vie de chien" (1918) ou encore "Charlot soldat" (1918), il s'oriente nettement vers un discours humaniste, bien que le sérieux du propos ne gâche en rien l'émotion ou l'irrésistible invention comique. En 1919, Chaplin crée avec les acteurs Mary Pickford et Douglas Fairbanks Les Artistes Associés, structure ambitieuse dont, parmi les fondateurs, il sera le seul à profiter pleinement, s'assurant ainsi une indépendance artistique quasi totale. Si bien qu'il pourra attendre des années, soit 1940, avant de produire son premier film parlant, "Le Dictateur", un chef-d'oeuvre où il met en scène Hynkel, décalque caricatural de Hitler et le napoléoni, celui inénarrable de Mussolini. La scène où le dictateur joue avec la mappemonde changée en ballon, qu'il peut faire tourner et sauter selon sa volonté et qui finit par éclater, est un morceau d'anthologie, ainsi que le discours du fuhrer au tout début du film et l'appel à la paix du petit juif que l'on a pris pour Hinckel et qui clôt le film de façon bouleversante. 



Et, fallait-il qu'il soit sûr de son art et de son public pour oser s'interrompre en plein succès de 1918 à 1921, avant de revenir avec son premier long métrage, encore muet toutefois, "Le Kid", épreuve jusqu'alors jamais tentée par des comiques, trop conscients de ne disposer que d'un  public volatile. Mais celui de Chaplin ne l'est pas, pour la bonne raison que l'artiste ne se contente pas d'être un clown génial, mais se révèle être aussi un formidable peintre de la société et un moraliste profondément humain. Le triomphe qui accueille le film, où il dépeint la jeunesse misérable d'un pauvre petit gosse de la banlieue londonienne qui lui ressemble comme un jumeau, recueille l'adhésion unanime de la critique et sera une source d'inspiration pour les comiques, ouvrant la voie à Buster Keaton, Harold Lloyd et même Jerry Lewis. Les gags, produits au prix d'un travail minutieux, s'enchâssent dans un narratif mélodramatique à la Charles Dickens : cet équilibre élégant entre rire et larmes sera désormais la marque de l'art de Chaplin. Pendant deux ans encore, il réalisera des courts métrages mais en nombre plus parcimonieux. En 1923, le cinéaste étonne en prenant de nouveaux risques et en réalisant "L'opinion publique", oeuvre dans laquelle il ne joue pas et laisse la vedette à sa compagne du moment, l'actrice Edna Purviance. Ce succès surprend les cinéastes de l'époque, qui prennent conscience du pouvoir suggestif de l'image et de la force recélée par la pellicule, lorsque celle-ci est bien utilisée. De Lubitsch à Renoir, nombreux seront ceux qui se référeront désormais à lui et à ce film en particulier, le considérant comme une oeuvre phare. Dorénavant ses films ne seront plus que des longs métrages longuement conçus, produits à un rythme de plus en plus lent mais qui, à chaque fois, constitueront un événement.  "La Ruée vers l'or"  (1925) frappera par le souffle épique de certaines scènes,  "Le Cirque" (1928) sera un hommage émouvant aux fondements mêmes du comique cinématographique, où l'acteur atteint, dans sa gestuelle, une grâce souveraine. "Les lumières de la ville" (1931) représente, quant à elles, un pas de plus dans le drame, si la comédie est éblouissante (les démêlés de Charlot avec un riche noceur qui ne se souvient plus de lui quand il est sobre), l'émotion reste très présente et touche au paroxysme au moment des retrouvailles du pauvre vagabond avec l'aveugle qu'il a protégée ; on parvient là à l'un des sommets de l'art de Charlie Chaplin et ce moment compte parmi les plus bouleversants du 7e Art. Enfin  "Les temps modernes"  (1936) ), satire du machinisme et du monde industriel sera son dernier film muet, conclusion magnifique où Chaplin quitte presque définitivement sa défroque de Charlot et où sa vision d'un monde robotisé et déshumanisé est absolument stupéfiante.

                                                     
Après "Le dictateur", dont j'ai parlé plus haut, c'est sous les traits de "Monsieur Verdoux" (1947), tueur de rombières inspiré de Landru, que l'auteur-acteur-réalisateur va revenir au cinéma parlant et prolonger son discours pacifiste, en même temps qu'il commence à déplaire à une Amérique bien-pensante qui lui reproche ses sympathies politiques et son mariage récent avec une jeune fille, dont il pourrait être le grand-père, sa femme Oona. Blessé, Chaplin quitte les Etats-Unis et revient en Angleterre, sa terre natale, où il signera son dernier grand chef-d'oeuvre  "Limeligt"  (Les feux de la rampe - 1952), histoire d'un clown déchu, où l'artiste universellement admiré laisse apparaître son angoisse de ne plus faire rire, et éblouissante réflexion sur le monde du spectacle que je considère personnellement comme l'un de ses plus beaux films. Installé dorénavant au bord du lac Léman avec sa nombreuse famille - sa femme Oona lui donnera 9 enfants - il regagne Londres pour tourner "Un roi à New-York" (1957), satire du maccarthysme et de la civilisation montante de la télévision, puis "La comtesse de Hong-Kong" avec Sophia Loren, comédie sentimentale un peu surannée mais poignante où, à travers un personnage de femme errante, il semble renouer avec le personnage de l'éternel vagabond.  

 

Pour lire les articles de la rubrique consacrée aux réalisateurs, cliquer sur le lien ci-dessous :

 
LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART

 

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LES LUMIERES DE LA VILLE de CHAPLIN         

LES TEMPS MODERNES de CHARLIE CHAPLIN

LIMELIGHT

LE DICTATEUR

 

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CHARLIE CHAPLIN, LE VAGABOND DE GENIE
CHARLIE CHAPLIN, LE VAGABOND DE GENIE
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8 décembre 2009 2 08 /12 /décembre /2009 09:18
DAVID LEAN, L'IMAGIER PRESTIGIEUX

 

Consacré en 1957 par le triomphe mérité du "Pont de la rivière Kwaï", David Lean, né en 1908, fut d'abord assistant -opérateur, puis monteur - c'est dire qu'il connaissait dans les moindres détails la technique cinématographique - avant de passer derrière la caméra et de devenir le metteur en scène prestigieux qui compte à son actif quelques-unes des oeuvres majeures du 7e Art. Son sens inné du visuel lui permet de traduire avec exactitude des atmosphères très diverses et de peindre avec une minutieuse exactitude les manies et les obsessions de ses personnages dont il saura choisir, pour les camper, des acteurs de premier plan. Doué d'un souffle impressionnant, il démontrera à des critiques, parfois agacés par son exubérance et son lyrisme, que l'art de l'imagerie n'a rien de péjoratif. Dès 1945,  Brève rencontre  marquera une génération entière. Tourné dans une grisaille appropriée, ce film était en phase avec la mélancolie de l'immédiat après-guerre et marquait une rupture avec les comédies précédentes  "Heureux mortels"  et  "L'esprit s'amuse"  qu'il avait réalisées en collaboration d'écriture avec  Noël Coward. Dans un registre assez proche, "Chaussure à son pied" sera une savoureuse comédie boutiquière servie par la clarté du montage et la direction d'acteurs, traditionnelle mais ferme. Par la suite, deux adaptations de romans de Charles Dickens lui fourniront l'occasion d'affirmer son talent. Ce seront "Oliver Twist" (1947),  qui reste aujourd'hui encore la plus grande réussite du genre, fidèle en tous points à l'oeuvre littéraire et "Les grandes espérances" (1946) qui bénéficie d'une interprétation exceptionnelle, dont celle de Jean Simmons.  Avec "Les amants passionnés", Lean laisse apparaître son romantisme dans un déploiement lyrique qui force l'émotion. Il retrouvera cette veine, traversée d'une cruauté assez proche de celle d'Henry James, dans "Vacances à Venise" (1954),  où il joue du contraste entre une austère vieille fille (Katharine Hepburn) vivant un amour douloureux avec un séducteur sans scrupule dans une Venise opalescente.


"Le pont de la rivière Kwaï" ouvre une page nouvelle dans sa carrière. Dès lors le réalisateur, qui ne produira plus qu'une oeuvre tous les quatre ou cinq ans,  se consacre à donner une ampleur épique à l'histoire la plus simple ; ainsi "La fille de Ryan"  sera d'abord un projet modeste avant de prendre les proportions d'une métaphore cosmique. En 1965, "Le docteur Jivago", film qui touchera tous les publics par son universalité et le souffle qui l'anime, achèvera d'asseoir sa renommée planétaire. Tiré du roman de Boris Pasternak, interprété par un trio inoubliable formé par Omar Sharif, Julie Christie et Géraldine Chaplin et servi par la musique de Maurice Jarre, ce film illustre à merveille ce qu'un imagier méticuleux et inspiré peut produire en alliant tous les arts : ensemble ceux de l'écrivain, du peintre, du musicien et du comédien. Dans "Lawrence d'Arabie" (1962), le parti pris de mettre au service d'une oeuvre sévère une illustration grandiose est parfaitement menée. Lean y confronte le mystère d'un héros obsédé par la grandeur à l'étendue énigmatique du désert, en ne perdant rien de sa sensibilité et de son humour dans la magnificence de l'imagerie. Son dernier opus en 1984 "La route des Indes" d'après le roman de E.M. Forster est à la fois sobre et exalté. La volonté d'opposer des personnages quelconques à un décor qui les dépasse y trouve sa justification dans les rouages complexes et subtils du récit. Ainsi, le cinéaste aura-t-il réussi à être à la fois populaire, audacieux, psychologue et homme de spectacle dans ce qu'il a de plus complet et de plus ambitieux. Un challenge conduit de main de maître. Il meurt en 1991.

 

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JULIE CHRISTIE            LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART  

 

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LE PONT DE LA RIVIERE KWAÏ


LA FILLE DE RYAN de DAVID LEAN  
   

LAWRENCE d'ARABIE, DE LA REALITE A LA LEGENDE

 

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2 octobre 2009 5 02 /10 /octobre /2009 10:28
JEAN-LUC GODARD OU UN CINEMA IMPERTINENT


Dès son plus jeune âge, Jean-Luc Godard, né le 3 décembre 1930 dans une famille de la bourgeoisie protestante, se singularise par son refus de toute discipline imposée et préférera toujours les salles obscures aux amphithéâtres des universités. Néanmoins, après des études partagées entre la Suisse et la France ( son père dirige une clinique helvétique ), il s'inscrit à la Sorbonne pour suivre des études d'ethnologie, mais appelé sous les drapeaux, il déserte et part faire le tour des deux Amériques durant deux années. En 1953, embauché comme ouvrier sur le barrage de la Grande-Dixence, il en profite pour tourner parallèlement son premier film : Opération béton. Il faudra attendre six ans avant qu'il se lance dans un manifeste qui lui ressemble et touche enfin le grand public : ce sera  A bout de souffle (1959 ). Lui ne l'est nullement et, à la suite de ce film de fiction d'une audace insolente et véritablement novateur, il va enchaîner quinze longs et sept courts métrages en moins de dix ans. Ainsi  Vivre sa vie (1962),  Le mépris (1963),  Alphaville  (1965),  Pierrot le fou (1965) menés à la hussarde pour arracher au réel, par surprise, des lambeaux de vérité sur la vanité des espoirs humains, sur l'abîme à combler entre les êtres et les illusions, sur le vertige de chacun de nous face au néant et à l'éternité, sur l'art enfin, seule lueur dans les ténèbres qui nous entourent.  Dans "Le mépris", il fait référence à un cinéaste aimé Fritz Lang et y ajoute une variation sur le thème d'"Un voyage en Italie"de Rossellini. Ces films représentent la première partie de sa vie de réalisateur, sa première vague en quelque sorte, certainement la plus féconde et la plus riche sur le plan cinématographique, les années Karina, son épouse et son inspiratrice. Leur séparation coïncidera avec l'apparition, chez le metteur en scène, des idées politiques et générales et toujours abstraites qui occuperont le second volet de son existence et de son oeuvre.

 


Déjà avec  Deux ou trois choses que je sais d'elle  (1966) et  La chinoise  (1967), il privilégie le concept sur le vécu afin de mieux exprimer l'aliénation des individus pris dans l'engrenage de la consommation et prisonniers des structures conservatrices. Mai 68 va hâter l'évolution de Godard vers un cinéma militant et soumis lui aussi à des impératifs idéologiques, mais ceux-là puisés dans les écrits de Mao. Est venu le temps des certitudes qu'assènent une intelligentsia nourrie de sève marxiste et que s'instaure un politiquement correct qui nuira, ô combien, à la liberté d'expression. Après les films des années Mao (1968 - 1974) demeurés pour la plupart invisibles, Jean-Luc Godard va renouer avec un cinéma plus commercial, des budgets importants et des acteurs prestigieux,  films qui seront accueillis avec curiosité et intérêt par un public séduit autrefois par ces premières grandes réalisations. Ceci peut paraître surprenant que la lecture de ses oeuvres nouvelles  Sauve qui peut la vie  (1979),  Je vous salue Marie  (1984),  Soigne ta droite  (1987) se révèlent de plus en plus difficiles et que les propos de l'auteur se complaisent à être de plus en plus abscons. Mais Godard a ceci de particulier que des éclairs de génie viennent parfois  déchirer les nuées où il semble s'être retiré, trop loin des hommes pour perpétuer l'émotion de jadis.

 

Pour lire les articles consacrés à Jean-Paul Belmondo, aux acteurs de la N.V. et aux Réalisateurs, cliquer sur leurs titres :


JEAN-PAUL BELMONDO       LES ACTRICES ET ACTEURS DE LA NOUVELLE VAGUE     

                          
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LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

 

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9 juin 2009 2 09 /06 /juin /2009 11:15
PEDRO ALMODOVAR OU UN CINEMA ANTICONFORMISTE

 

Considéré aujourd'hui comme l'un des metteurs en scène les plus innovants et imaginatifs, Pedro Almodovar Caballero, né le 24 septembre 1951 à Calzada de Calatrava en Espagne, quitte à 15 ans la maison familiale, sans argent et sans travail, afin de se consacrer au 7e Art. Mais Franco venant de la fermer, il ne peut s'inscrire à l'école officielle du cinéma, aussi fait-il de nombreux petits boulots avant de parvenir à s'acheter sa première caméra super 8, mais sera néanmoins obligé de travailler douze années durant comme employé de bureau à la compagnie nationale du téléphone, avant de pouvoir vivre de son art. Sans renoncer à se former sur le plan cinématographique lors de ses temps libres, collaborant également à diverses revues dans lesquelles il publie des nouvelles.

   

Entre 1972 et 1978, il parvient à réaliser plusieurs courts métrages et fonde, avec son frère Augustin, la maison de production El Deseo S.A. Dès son premier long métrage "Pépi, Luci, Bom et autres filles du quartier", ce jeune cinéaste, qui n'a cessé d'observer la classe moyenne espagnole, se démarque par sa liberté de ton, ses audaces, son goût prononcé pour les laisser pour compte et les marginaux, ainsi que pour les misères et déboires de tous ordres. Son second long métrage  "Femmes au bord de la crise de nerfs", en 1987, décapante comédie qui met en situation le gynécée qui sera dorénavant son creuset thématique, lui ouvrira les portes du succès et lui méritera les éloges d'une critique qui, jusqu'alors, ne l'avait pas épargné. Ce film obtiendra 5 Goyas en 1989, dont celui du meilleur film. Mêlant le banal du roman-photo populaire au spectaculaire de la bande dessinée ou du polar, il déroute, surprend, dérange, mais intéresse et interpelle, et malgré le reproche que l'on adresse à son penchant pour l'outrance et la vulgarité, il s'impose comme une des têtes de proue de la Movida ibérique. On voit qu'en quelques années, le cinéaste, se refusant à la facilité et à la méthode un peu brouillonne et rageuse de ses débuts, a su bâtir un univers et une esthétique personnels, ainsi que des cadrages rigoureux qui témoignent de son exigence.

 

"Talons aiguilles", en 1991, va marquer un tournant décisif : bien qu'il reste fidèle à ses sources d'inspiration habituelles et son goût de la culture populaire et des personnages extravagants, il délaisse le kitsch au profit d'un cinéma introspectif qui explore les relations entre femmes principalement et revisite les codes du mélodrame, en sachant alterner à bon escient l'émouvant et le burlesque, le cocasse et l'inattendu, thèmes qu'il reprendra par la suite dans "Tout sur ma mère", "Parle avec elle", "Mauvaise éducation", "Volver" et, récemment, "Etreintes brisées". Les rapports entre générations, les crises existentielles, les divers milieux sociaux et même une subtile mélancolie donnent force et véracité à une oeuvre qui sait charmer, séduire et jouer en magicienne de la couleur et de la musique.

 

Désormais, il est considéré par la profession et le public comme un réalisateur qui concilie habilement films grand public et cinéma d'auteur, anticonformisme et indépendance d'esprit, produisant des oeuvres originales, écrites d'une caméra qui se plaît à élaborer des intrigues surprenantes avec une précision narrative et une grande richesse d'images. A ces qualités, le réalisateur ajoute celle d'un directeur d'acteurs remarquable et heureux. Il a su tirer de l'anonymat des jeunes femmes comme Victoria Abril, Julietta Serrano et, dernièrement, la flamboyante Penélope Cruz. Les notions de mensonge et de vérité s'entrecroisent dans un univers où les femmes ont le plus souvent les rôles clés et qui est truffé de références au cinéma américain des années 50 ( Almodovar étant un distingué cinéphile ), ainsi qu'aux autres arts et métiers du spectacle comme le théâtre, la danse, la tauromachie, la peinture. 

« Depuis mon enfance - dit -il - j'ai une relation passionnée avec le cinéma. J'ai eu la vocation très tôt. J'ai toujours voulu faire des films. En tant qu'enfant, je pensais que les acteurs étaient le cinéma. Plus tard, j'ai découvert qu'il y avait beaucoup d'autres éléments autour d'eux. Des gens, par exemple, qui inventaient une histoire et la racontaient. A partir de ce moment-là, j'ai décidé que ma vocation serait celle du narrateur, le maître du jeu, celui qui décide quelle histoire il veut raconter et comment la raconter. Bien que maintenant je sois réalisateur, je pense toujours que les acteurs sont la matière dont est fait le film. Ce sont eux qui matérialisent l'histoire, ils la portent et en font quelque chose de vivant et de réel. Je suis devenu réalisateur pour diriger les acteurs ».


 

En 2011, le film « La piel que habito » est présenté en sélection officielle au festival de Cannes 2011. Ce nouveau film est une adaptation libre du roman français Mygale de Thierry Jonquet. C'est la deuxième fois que le réalisateur s'appuie sur une œuvre littéraire, après En chair et en os. En 2013, il revient à la comédie décalée qui l'a fait connaître à ses débuts avec « Les Amants passagers »Depuis plusieurs années, il fait partie des réalisateurs internationaux qui concilient succès populaire et cinéma d'auteur anti-conformiste et indépendance d'esprit avec des films très écrits, visuellement sophistiqués, toujours surprenants dans l'élaboration de leurs intrigues et qui restent malgré tout très appréciés du grand public. Il a tourné douze films à Madrid. Ma vie et mes films sont liés à cette ville, comme les deux faces d'une même pièce de monnaie a-t-il écrit dans « Patty Diphusa, la Vénus des lavabos », un recueil de textes paru en 1999. Début 2015, il annonce travailler sur un nouveau projet et dévoile en mai le casting de son nouveau film. Il s'entoure notamment d'acteurs du petit écran espagnol dont Adriana Ugarte et Michelle Jenner. D'abord intitulé Silencio, le réalisateur décide finalement de changer le titre et renomme le film Julieta. Le film est présenté en compétition officielle au Festival de Cannes 2016 et bien qu'il n'y ait reçu aucun prix, il connait un large succès aussi bien critique que du côté du public. Le 3 avril 2016, la fuite de documents Panama Papers confirme de façon publique son implication dans le scandale financierLe 31 janvier 2017, il est choisi pour présider le jury du  Festival de Cannes, succédant ainsi à George Miller. Il avait déjà été membre du jury en 1992, sous la présidence de Gérard Depardieu. Au printemps 2018, il commence le tournage d'un nouveau film « Douleur et Gloire » avec Penélope Cruz et Rosalia Vila.

 

Tout est dit de son pouvoir à faire éclore les talents.


Pour lire les articles consacrés à Penélope Cruz et aux Réalisateurs, cliquer sur leurs titres :


PENELOPE CRUZ - PORTRAIT        LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART

  

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PEDRO ALMODOVAR OU UN CINEMA ANTICONFORMISTE
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6 mai 2009 3 06 /05 /mai /2009 09:19
MICHELANGELO ANTONIONI OU UN CINEMA SUR L'INCOMMUNICABILITE


Né à Ferrare, dans le nord de l'Italie, le 29 septembre 1912,  Michelangelo Antonioni, après une licence à l'Université de Bologne, rédige des critiques de films et de pièces de théâtre pour un journal, avant de s'inscrire à une école de cinéma " Centro Sperimentale". Peu après, il commence à rédiger des scénarii pour Rossellini et Fellini avant d'être l'assistant de Marcel Carné dans Les visiteurs du soir. Ces expériences successives l'incitent bientôt à réaliser, pour son propre compte, des documentaires et des courts métrages comme  Les gens du Po  (1943) ou  Nettoyage urbain  (1948) avec quelques points communs inévitables avec le mouvement néo-réaliste mené par Rossellini, dont il s'éloignera très vite pour imposer sa propre vision des choses et son style particulier. C'est en 1950 que le cinéaste signe son premier long métrage  Chronique d'un amour et dévoile son goût pour la psychologie des personnages. Suivront "Les vaincus" (1952), "La dame sans camélias"  (1953), "Femmes entre elles" (1955) et "Le cri" (1957), qu'il construit tous sur le même modèle, celui d'une narration presque exclusivement introspective qui lui permet d'évoquer la solitude des êtres, une récurrente angoisse et la dissection du malaise contemporain. Mais Antonioni est avant tout l'homme d'une trilogie étonnante avec "L'avventura" (1960), "La Notte" (1961) et  "L'éclipse" (1962), réflexions particulièrement fines et intelligentes sur la difficulté des rapports humains et la fragilité des sentiments. Avec sa muse et compagne Monica Vitti, il s'affirme dans un style psychanalitique qui démontre que l'être n'agit que pour se voir agir, afin de devenir le spectateur privilégié de lui-même. Si bien que pour traduire sa pensée, il a recours à des images volontairement objectives à la façon d'un constat et, ce, très différemment d'un Fellini qui privilégie le rêve et le fantasme. Mais la sobriété de sa mise en scène, le poids de ses images qui s'éternisent sur les visages comme sur des icônes ne cesseront jamais de m'émerveiller. Par ailleurs, Antonioni ne va pas se contenter de tirer les conséquences d'une expérience qui pouvait être capitale pour ses personnages, il cherche à signifier de quelle manière elle l'a été et s'intéresse surtout à ce qui va se produire ensuite et si cette absence est l'absence de l'autre ou,  plus généralement, l'absence de soi. Ainsi se focalise, à travers des films comme "Blow up" (1966)  "Le désert rouge" (1964), "Zabriskie Point" (1970), une oeuvre singulière qui traite de notre inadaptation au monde, de notre séparation d'avec lui et de sa reconquête possible à travers une recoloration créative de l'univers. Est-ce la raison pour laquelle, il se réfugiait volontiers, depuis son accident cérébral survenu en 1985, dans le monde coloré des collages et mobiles ? Aussi laisse-t-il une trace profonde par son approche biaisée de la réalité, sa façon allusive de ne montrer que des bribes de récits et d'accorder aux temps morts la priorité sur la dynamique narrative.

 

Cinéaste cérébral, sans aucun doute, ce qui faisait de lui un réalisateur assez marginal - il avait néanmoins accédé, grâce à son talent et à son originalité et malgré ce qu'il pouvait y avoir d'hermétique dans son oeuvre, à la consécration internationale : Lion d'or à Venise, Palme d'or à Cannes ; de même qu'il exercera et exerce toujours une influence indiscutable sur les jeunes générations.  Car, ce que ce cinéaste critiquait amèrement, ce n'était pas le monde en lui-même, mais nos incohérences, notre permanent mal-être, comme s'il y avait de notre part, pauvres humains, une inadéquation entre nos aspirations modernes et nos névroses chroniques qui nous rendent inaptes à réaliser les mutations nécessaires. Cette oeuvre se singularise aussi par son dualisme avec, d'une part, le poids incessant du passé, les fatigues du monde et la psychose moderne et, d'autre part, notre cerveau capable de créativité et le nouvel espace-temps dont les puissances sont multipliées par les cerveaux artificiels. Quoi qu'il en soit, grâce à lui, nous conserverons en mémoire quelques-unes des plus belles pages du 7e Art.



Pour lire les articles consacrés à Jeanne Moreau, aux acteurs et actrices du cinéma italien et aux Réalisateurs, cliquer sur leurs titres :

 

JEANNE MOREAU          LES ACTRICES DU CINEMA ITALIEN  

      

LES ACTEURS DU CINEMA ITALIEN

 

LISTE DES ARTICLES - REALISATEURS du 7e ART


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LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

 

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MICHELANGELO ANTONIONI OU UN CINEMA SUR L'INCOMMUNICABILITE
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Présentation

  • : LA PLUME ET L'IMAGE
  • : Ce blog n'a d'autre souhait que de partager avec vous les meilleurs moments du 7e Art et quelques-uns des bons moments de la vie.
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  • Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.

Texte Libre

Un blog qui privilégie l'image sans renoncer à la plume car :

 

LES IMAGES, nous les aimons pour elles-mêmes. Alors que les mots racontent, les images montrent, désignent, parfois exhibent, plus sérieusement révèlent. Il arrive qu'elles ne se fixent que sur la rétine ou ne se déploient que dans l'imaginaire. Mais qu'elles viennent d'ici ou d'ailleurs, elles ont l'art de  nous surprendre et de nous dérouter.
La raison en est qu'elles sont tour à tour réelles, virtuelles, en miroir, floues, brouillées, dessinées, gravées, peintes, projetées, fidèles, mensongères, magiciennes.
Comme les mots, elles savent s'effacer, s'estomper, disparaître, ré-apparaître, répliques probables de ce qui est, visions idéales auxquelles nous aspirons.
Erotiques, fantastiques, oniriques, elles n'oublient ni de nous déconcerter, ni de nous subjuguer. Ne sont-elles pas autant de mondes à concevoir, autant de rêves à initier ?

 

"Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. Les bons films constituent un langage international, ils répondent au besoin qu'ont les hommes d'humour, de pitié, de compréhension."


Charlie Chaplin

 

"Innover, c'est aller de l'avant sans abandonner le passé."

 

Stanley Kubrick

 

 

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