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2 septembre 2011 5 02 /09 /septembre /2011 10:08

les-femmes-du-6e-etage-blu-ray-de-philippe-le-guay-video-en.jpg

                               

Paris, années 60. Jean-Louis Joubert, agent de change rigoureux, marié à une femme snob et convenue, découvre qu'une joyeuse cohorte de bonnes espagnoles vit... au sixième étage de son immeuble bourgeois. Maria, la jeune femme qui travaille sous son toit, lui fait découvrir un univers exubérant et folklorique à l'opposé des manières et de l'austérité de son milieu. Touché par ces femmes pleines de vie, il se laisse aller et goûte, pour la première fois, à des plaisirs sans prétention. Mais peut-on vraiment changer de vie à 45 ans ?


Fabrice Luchini & Sandrine Kiberlain. SND


Certes  ce film ne va pas révolutionner le 7e Art, certes il n'échappe pas aux stéréotypes faciles et aux clichés simplistes dans sa peinture de la société des années 60 qui rangeait volontiers ses classes sociales par étages, mais il y a, dans cet opus, une chaleur humaine, une gaieté de bon aloi, un optimisme qui en font un divertissement familial que l'on savoure avec une certaine gourmandise et une totale absence de contrition, car cela nous change de la violence habituelle et des effets spéciaux dont le cinéma américain surcharge ses productions jusqu'à l'overdose.

 

Rien de cela chez Philippe Le Guay qui nous livre un film pleinement franchouillard, où l'on voit un certain Monsieur Joubert, agent de change de son état, réalisant que son avenir n'est pas forcément lié aux actions et obligations boursières, grâce à la découverte, au sixième étage de son bel immeuble haussmanien, d'un petit paradis de gentillesse et de bonne humeur que régissent d'autres valeurs et où la vraie vie est brassée à pleines mains. Dans le rôle de Jean-Louis Joubert, échappant aux convenances et se transformant sous l'effet de cette révélation,  Fabrice Luchini est formidable, jouant ce bourgeois coincé qui s'émancipe avec toute la sobriété nécessaire, n'en faisant ni trop, ni pas assez, aux côtés de Sandrine Kiberlain, plus vraie que nature dans celui d'une femme aseptisée et sans saveur, confinée dans son périmètre de jeune mondaine formatée.


Fabrice Luchini & Natalia Verbeke. SND

 

Quant aux Ibériennes du 6e étage responsables de la transformation de notre héros, dont l'épopée saura se limiter aux contours de son immeuble, elles sont toutes crédibles. Que ce soit Conception ( Carmen Maura ), Dolorès, Pilar ou Maria, interprétée par la ravissante Natalia Verbeke, elles ne peuvent que susciter notre sympathie et nous ouvrir les perspectives  d'un univers sans fards, sans botox, sans calcul, sans tricherie, ayant remplacé le nombrilisme rampant par la générosité et l'entraide. Et cette remise en mémoire n'est pas inutile de nos jours. Allez vite vous ressourcer à ce spectacle sans prétention qui rappelle le bon temps d'un cinéma familial qui faisait la joie de nos samedis soirs.

 

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Fabrice Luchini & Berta Ojea. SND

Natalia Verbeke & Fabrice Luchini. SND

 
 

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24 juin 2011 5 24 /06 /juin /2011 09:20

                       Daniel Auteuil et Jean-Pierre Darroussin. Studio Canal  

 

Ce film de Jean Becker a le mérite de remettre quelques bonnes vérités en place, ne serait-ce qu'en offrant de la vie d'un rat des villes et de la vie d'un rat des champs une vision juste et une morale salutaire. Entre un peintre et un jardinier qui se retrouvent après avoir partagé, jadis, les 400 coups de l'enfance, s'instaure un dialogue savoureux où le bon sens sort triomphant et l'amitié confortée . Un vrai bain de jouvence que la dernière partie du film ternit un peu. Dommage !

Un peintre lassé des aléas de la vie parisienne s'en retourne vivre dans sa province d'origine au coeur de la France profonde, ce qui est l'occasion pour lui de renouveler ses thèmes d'inspiration et de remettre en question son style de vie. D'autant que le jardinier, auquel il a recours pour cultiver son potager, n'est autre qu'un ami de jeunesse qui, après avoir été cheminot, s'est reconverti dans le jardinage par goût personnel. Rencontre entre deux cultures, deux vocations, celle de la terre et celle de l'art, entre deux modes d'existence.


Tandis que l'un a été victime de pas mal de revers et de déboires, l'autre a su se protéger et vivre des jours lumineux et simples en offrant aux autres ce qu'il avait cultivé avec humilité. Aussi le peintre, en rupture d'illusion, s'émerveille-t-il du regard empli de sagesse et de lucidité que cet ancien complice de la communale pose sur le monde. Nulle aigreur, nulle jalousie ne viennent fausser son jugement qui frappe par son bon sens, l'unique critère auquel il se réfère en toutes occasions.

 

                     Jean-Pierre Darroussin et Daniel Auteuil. Studio Canal

 

L'auteur des Enfants du Marais a adapté pour l'écran un roman d'Henri Cueco, dont le jardinier-philosophe était le héros principal, dispensant au fil des pages et des dialogues une belle leçon de vie. Jean Becker, pour l'occasion, a voulu amplifier, face à lui, le rôle du peintre en vogue revenu des déceptions causées par une existence trop superficielle et mondaine et qui, ayant passé le cap de la cinquantaine, s'interroge sur son art et sur sa carrière. Le cinéaste a apporté également un soin particulier au traitement de l'image et de la lumière. Les paysages sont très présents, non seulement pour activer la mémoire et favoriser l'inspiration, mais redonner à la vie du peintre les couleurs qu'elle semble avoir perdues. C'est, par ailleurs, dans les dialogues eux-mêmes, qui font écho au décor champêtre, que réside la part la plus intéressante du film dont le scénario reste conventionnel et les personnages secondaires peu consistants. Néanmoins, cette douceur de vivre suffit-elle à nous convaincre qu'elle peut à elle seule rendre au peintre le goût de lui-même et ré-orienter sa carrière d'artiste ? Sans doute non, mais il n'empêche que le film distille une fraîcheur revigorante, que les diverses scènes sont amenées avec délicatesse et que le cinéaste procède habilement par touches légères, feuilletant devant nos yeux un plaisant catalogue de peintures impressionnistes. Un bon moment qui nous propose un regard ragaillardi sur les choses.



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                    Jean-Pierre Darroussin. Studio Canal


 

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11 mai 2011 3 11 /05 /mai /2011 08:23

        

    

Un scénario bâclé prive ce film d'une véritable portée sociale et le fait passer à côté de son sujet, l'effleurant sans en rien tirer de pertinent, tant l'opus cède, dès le départ, à la facilité.

L'argument est simple et se résume en quelques lignes : les délocalisations massives en vogue ces derniers temps frappent une grosse entreprise de Dunkerque où travaille France ( dont le prénom n'est pas anodin ), une jeune femme qui élève non sans peine ses trois filles et se retrouve, soudain, sans emploi et larguée par son mari docker. A la suite d'un tuyau, qui lui a été donné par son beau-frère, elle se rend à Paris et devient la femme de ménage d'un trader forcément mauvais père, mauvais amant, infidèle, cynique et odieux, qui a contribué à bousiller sa boîte et à faire licencier son personnel. C'est Gilles Lellouche qui interprète le personnage auquel, visiblement, il ne croit pas davantage que nous ne croyons à cette histoire mal ficelée.


Karin Viard. StudioCanal    Gilles Lellouche. StudioCanal

 

La seule à tirer honorablement son épingle du jeu est Karin Viard qui tente de se couler avec bonne volonté dans un rôle qui oscille entre passionaria et pretty woman sans se situer avec précision. Ces maladresses enlèvent toute crédibilité à ce film qui n'a pas su choisir entre film de genre et romance. Trop manichéen, sans finesse aucune, les bons et les méchants partagés par des maximes toutes faites et circonstanciées, Ma part de gâteau ne parvient ni à faire sourire, ni à émouvoir, encore moins à convaincre. Brouillon imparfait et portrait loupé de notre époque, on l'oublie dans l'heure qui suit. Dommage pour les acteurs qui méritaient mieux.

 

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Audrey Lamy, Flavie Bataille, Jean-Pierre Martins, Karin Viard et Marine Vacth. StudioCanal    StudioCanal

 

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23 décembre 2010 4 23 /12 /décembre /2010 10:51

        

 

Honnête divertissement, cette comédie enlevée aborde de manière légère un sujet grave. Parfois maladroit, l'ensemble demeure suffisamment drôle pour emporter l'adhésion.


Jean-René, patron d'une fabrique de chocolat, et Angélique, chocolatière de talent, sont deux grands émotifs. C'est leur passion commune pour le chocolat qui les rapproche. Ils tombent amoureux l'un de l'autre sans oser se l'avouer. Hélas, leur timidité maladive tend à les éloigner. Mais ils surmonteront leur manque de confiance en eux, au risque de dévoiler leurs sentiments.
 

Tranquillement, Jean-Pierre Améris construit de film en film une oeuvre cohérente essentiellement fondée sur les rapports difficiles entre des êtres blessés par la vie. Avec "Les émotifs anonymes", il évoque un sujet extrêmement personnel et totalement original puisqu'il se penche sur le cas de gens qui sont incapables de communiquer leurs sentiments aux autres. Débordés par leurs émotions, ces personnes se révèlent être des handicapés des sentiments, si bien qu'il existe des groupes de thérapies collectives sur le modèle des alcooliques anonymes. Malgré le caractère très personnel du sujet, Jean-Pierre Améris a choisi de le traiter sous l'angle de la comédie au lieu de s'apitoyer sur son sort. Il met donc en présence deux personnages incapables d'aller l'un vers l'autre, alors même qu'ils sont tombés amoureux.

 

Benoît Poelvoorde. StudioCanal    Isabelle Carré. StudioCanal

 

Ce formidable duo de comédie est interprété par Benoît Poelvoorde et Isabelle Carré, tous les deux impeccables dans des rôles qui pouvaient aisément verser dans la caricature. Grâce à un scénario malin, le réalisateur signe quelques belles scènes de comédie (le premier rendez-vous au restaurant est hilarant) accompagnées de moments plus intimistes qui parviennent à toucher. Marquée par une esthétique très travaillée (les décors semblent volontairement issus d'époques différentes afin de brouiller les repères temporels du spectateur), cette comédie parvient à traiter de manière légère un sujet grave. On peut sans doute lui reprocher quelques facilités d'écriture - une situation initiale qui évolue peu -  une ou deux séquences de comédie musicale qui tentent vainement de singer la bonne humeur d'un Jacques Demy - sans y parvenir - et une fin qui n'arrive pas à se démarquer des multiples comédies romantiques à l'américaine que l'on ingurgite depuis de nombreuses années. Mais "Les émotifs anonymes", porté par son formidable duo d'acteurs, fait office de divertissement de qualité et se laisse regarder avec plaisir.. 

 

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Lise Lametrie, Lorella Cravotta, Pierre Niney et Swann Arlaud. StudioCanal

 

LES EMOTIFS ANONYMES de JEAN-PIERRE AMERIS

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3 décembre 2010 5 03 /12 /décembre /2010 10:44
A BOUT PORTANT de FRED CAVAYE

       

Tout va pour le mieux pour Samuel et Nadia : lui est bientôt infirmier et, elle, attend son premier enfant. Mais tout bascule lorsque Nadia se fait kidnapper sous l'oeil impuissant de Samuel. A son réveil, son portable retentit : il a trois heures pour sortir de l'hôpital, dans lequel il travaille, un homme sous surveillance policière. Le destin de Samuel est désormais lié à celui de Sartet, une figure du banditisme activement recherchée par tous les services de police. S'il veut revoir sa femme vivante, Samuel doit faire vite...

 

Fred Cavayé a déclaré avoir d'emblée souhaité un rythme haletant, un opus conduit à un train d'enfer. Mission accomplie ! Dès le début, "A bout portant" n'est autre qu'une course effrénée avec à la clé une question de vie ou de mort. Ainsi, porté à bout de jambes par Gilles Lellouche, le film livre son lot de scènes spectaculaires dans des lieux emblématiques de la capitale, avec une mention particulière pour la scène de poursuite dans le métro, véritable morceau de bravoure physique et de mise en scène.

 

 

Gilles Lellouche reçoit ici son premier grand rôle. L'acteur livre une prestation physique complète, où la performance sportive exceptionnelle n'est jamais faite au détriment du jeu. En effet, l'expressivité de Samuel passe essentiellement par le langage du corps, que ce soit dans la gestion d'une situation de crise ou dans la relation avec sa femme (interprétée par Elena Anaya, remarquée dans Mesrine et à l'affiche du prochain film d'Almodovar) et le rapport à la paternité.

 

Gilles Lellouche. Gaumont Distribution

 

"A bout portant" peut d'ailleurs se comparer à un jeu de construction dont l'unité de base serait le couple : celui formé par Samuel et Nadia, celui de Samuel et Hugo Sartet (Roschdy Zem, tout aussi excellent en taiseux) qui joue avec les codes de la relation otage/bourreau, les frères Sartet, Werner et Fabre (on notera au passage que le film s'enrichit également de la présence de seconds rôles de très grande qualité, à l'image de Gérard Lanvin et Mireille Perrier), Fabre et Susini, etc., qui s'imbriquent au fur et à mesure.

 

 

Enfin, "A bout portant" est également un film d'ambiance qui bénéficie de la superbe lumière d'Alain Duplantier, photographe de formation qui a déjà oeuvré sur le précédent film de Fred Cavayé, "Pour elle". Une lumière qui creuse à foison les visages et qui, en éclairage artificiel, évoque, par son nuancier de bleus métalliques et de tons chauds jaunes orangés, le cinéma asiatique, notamment les films de Wong Kar Wai ou "Millénium Mambo".
Fred Cavayé signe ici un thriller au suspense tendu à l'extrême et tiré au cordeau qui ne lâche jamais la proie pour l'ombre... pas plus que le spectateur.

 

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A BOUT PORTANT de FRED CAVAYE
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11 novembre 2010 4 11 /11 /novembre /2010 10:28
POTICHE de FRANCOIS OZON

           
Oui, on rit et on s'amuse beaucoup à assister au dernier opus de François Ozon "Potiche", qui fait la une de tous les journaux et jouit d'une promotion pour le moins omniprésente sur les médias  ( le résultat, salle pleine en plein après-midi ) et  que le cinéaste, s'inspirant de la pièce de boulevard de  Barillet et Grédy - où triompha pendant des mois, sinon des années, la truculente Jacqueline Maillan - relooke pour l'adapter au grand écran, profitant de l'occasion pour adresser quelques oeillades amusantes à la vie politique actuelle. Pour mettre tous les atouts dans son jeu, Ozon a convié à ce rendez-vous des acteurs dont la renommée n'est plus à faire : en premier lieu Catherine Deneuve, qui reprend le rôle de Jacqueline Maillan en lui apportant son charme et sa féminité, et qui m'a très agréablement surprise dans ce rôle à contre-emploi, plein de malice et d'humour, dans lequel elle semble s'être coulée sans peine, assumant son âge avec une sereine désinvolture ; Fabrice Luchini épatant dans celui d'un patron et mari détestable à souhait ; la ravissante Judith Godrèche qui s'est fait la tête de Farrah Fawcett, une drôle de dame de l'époque ; Jérémie Rénier qui s'est voulu une ressemblance surprenante avec Clo Clo, autre clin d'oeil aux années 70, sans compter les parapluies que produit l'usine de sieur Luchini et qui ne sont autres qu'un hommage délicat de Ozon à la délicieuse Catherine Deneuve des "Parapluies de Cherbourg" ; Karin Viard en secrétaire trop zélée, et, enfin, Gérard Depardieu, dont la surcharge pondérale est telle, qu'on a quelque peine à croire qu'il séduisit un jour la belle patronne dans un chemin creux de campagne. Il y a, c'est vrai, quelques invraisemblances qui auraient pu être évitées et qui enlèvent de la crédibilité à un film, par ailleurs, assez bien ficelé.  


Catherine Deneuve, Judith Godrèche et Karin Viard. Mars Distribution

 

En 1977, dans une province de la bourgeoisie française, Suzanne Pujol est l'épouse popote et soumise d'un riche industriel Robert Pujol. Il dirige son usine de parapluies d'une main de fer et s'avère aussi désagréable et despote avec ses ouvriers qu'avec ses enfants et sa femme, qu'il traite comme une potiche. À la suite d'une grève et d'une séquestration de son mari, Suzanne se retrouve à la direction de l'usine et se révèle, à la surprise générale, une femme de tête et d'action qui va prendre une juste revanche à ses frustrations en cautionnant les revendications sociales de ses employés. Mais lorsque Robert rentre d'une cure de repos en pleine forme, tout se complique...je ne veux pas en rajouter pour vous laisser la surprise de la chute qui illustre avec drôlerie la libération des moeurs et l'ascension irrésistible des femmes. Il y a là encore un clin d'oeil aux ambitions présidentielles récentes d'une Ségolène Royal, dont on sait que Ozon avait soutenu la candidature. Tout cela pimenté de dialogues qui font mouche, dont cette phrase à l'adresse de la femme charismatique qu'est devenue Madame Pujol, de la part d'un mari débordé par les événements : La potiche n'était pas une cruche.

 

A propos de potiche, un journaliste n'a pas hésité à dire à François Ozon qu'il était un rien gonflé d'avoir offert à une actrice comme Deneuve, qui est devenue une icône du 7e Art, un rôle de potiche. A cela, le metteur en scène a répondu que Deneuve était le contraire d'une star recluse dans sa cage dorée, mais une femme libre, qui aime boire, manger, sortir et faire ses courses comme tout le monde, une femme vivante, drôle, ancrée dans la réalité et très différente de l'image que l'on se fait d'elle.  Preuve est donnée...Un divertissement plaisant pour une soirée sans autre but précis.  

 

2-e-toiles


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POTICHE de FRANCOIS OZON
POTICHE de FRANCOIS OZON

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4 novembre 2010 4 04 /11 /novembre /2010 09:58

         

 

1562, alors que la France est sous le règne de Charles IX, les guerres de religion font rage... Depuis son plus jeune âge, Marie de Mézières aime Henri, duc de Guise, mais elle est contrainte par son père d'épouser le prince de Montpensier. Son mari, appelé par Charles IX à rejoindre les princes dans leur guerre contre les protestants, la laisse en compagnie de son précepteur, le Comte de Chabannes, loin du monde, au château de Champigny. Elle tente en vain d'y oublier sa passion pour Guise, mais devient malgré elle l'enjeu de passions rivales et violentes auxquelles vient se mêler le duc d'Anjou, futur Henri III.



On connait la passion de Bertrand Tavernier pour l'histoire qu'il a toujours servie au mieux à travers un nombre conséquent d'oeuvres brillantes. A l'aise dans la description du Moyen-Age (le magnifique et vénéneux La passion Béatrice), des turpitudes de la Régence (Que la fête commence), de la Première Guerre mondiale (La vie et rien d'autre et Capitaine Conan) ou même de la Seconde (Laissez passer), le metteur en scène a eu, pour habitude, de s'entourer des meilleurs spécialistes afin de donner la vision la plus réaliste possible des époques passées. Mais cette fois, l'inspiration n'étant probablement pas au rendez-vous, il peine à dépeindre l'époque complexe et difficile du XVIe siècle, qui s'est tristement illustré par les guerres de religion entre catholiques et protestants, pas plus qu'il ne parvient à éviter les clichés habituels sur la Saint-Barthélémy et sur la haine entre les religions rivales. Si, dans sa reconstitution assez superbe sur le plan de l'imagerie, le cinéaste n'élude en rien la violence inhérente à l'époque, il n'arrive pas à en saisir les thèmes clés et les moments phares. De même qu'il peine à nous restituer le climat psychologique de l'oeuvre de Madame de La Fayette qui, en quelques pages et un art consommé du raccourci et de la concision, trouvait le moyen de nous faire partager l'évolution des sentiments de ses personnages, alors que Tavernier s'y perd et, en deux heures quinze de spectacle, nous plonge dans un assemblage baroque de scènes qu'il a bien du mal à relier les unes aux autres. D'où le peu de conviction qui émane de ce long métrage aux thèmes anachroniques par rapport aux attentes d'un public contemporain. Il y a aussi de nombreuses invraisemblances, par exemple la scène où le comte de Chabannes entre dans la chambre des jeunes Montpensier, et où la jeune mariée sort de son lit dans le plus simple appareil, ce qui était impensable à l'époque de la part d'une jeune femme de ce rang. Mais le spectacle est sauvé en partie par la beauté de la mise en scène, bien que très classique et sans innovations particulières, et par la splendeur des costumes dus au talent de Caroline de Vivaise.

 

Compte tenu de ces insuffisances, il n'est pas certain que le public se passionne pour les mésaventures sentimentales de cette femme mariée que tous les hommes de son entourage tentent de séduire, d'autant que le réalisateur n'a pas su maintenir une tension dramatique suffisante. Bertrand Tavernier nous avait habitué à mieux. Si la première heure accroche le spectateur par l'inscription de ce destin particulier dans la grande Histoire, on est peu à peu déçu que le scénario se concentre de plus en plus sur les affaires sentimentales de l'héroïne, en délaissant certains personnages pourtant plus intéressants (celui du comte de Chabannes, interprété avec beaucoup de finesse par Lambert Wilson). Dès lors, on se lasse des multiples hésitations des protagonistes que Bertrand Tavernier ne nous rend proches à aucun moment. Réalisé avec un soin méticuleux, servi par la belle musique de Philippe Sarde et par des images riches en références picturales, La princesse de Montpensier souffre également d'un casting désastreux. Si Mélanie Thierry, bien qu'elle ne soit pas le personnage, davantage teen-ager que princesse du XVIe, Lambert Wilson et le jeune Raphaël Personnaz (sans doute la révélation du film) s'en sortent avec les honneurs, on ne peut en dire autant d'un Gaspard Ulliel peu convaincant en fougueux de Guise et, ô combien pire ! de Grégoire Leprince-Ringuet qui, avec son physique d'éternel adolescent et sa voix fluette, n'arrive à aucun moment à nous persuader qu'il est un Bayard sans peur et sans reproche, jaloux de l'attrait que suscite sa belle épouse. Et puis ces jeunes acteurs n'ont aucune diction et nombre de dialogues sont quasi inaudibles...Inégal, mais non dénué de fulgurances (les séquences intimes entre Mélanie Thierry et Lambert Wilson, notamment, sont parmi les meilleurs moments du film), La princesse de Montpensier a du mal à emporter l'adhésion - du moins la mienne - et ce film n'a, à mes yeux, qu'un seul mérite : l'envie de me replonger dans l'oeuvre de Madame de La Fayette qui savait dire en peu de mots ce que le cinéaste n'a pas su exprimer en un flot d'images.

 

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Mélanie Thierry. StudioCanal

Lambert Wilson et Mélanie Thierry. StudioCanal


 

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19 octobre 2010 2 19 /10 /octobre /2010 09:43

             

     

Il y avait tout à craindre d'un film qui traitait d'un sujet aussi émotionnel que celui-ci, où l'on assiste à l'arrestation d'une femme et de ses enfants par la police française en août 1942, à l'enfermement d'un petit garçon dans un placard et des conséquences inévitables qui s'en suivront, scénario tragique s'il en est,  inspiré du roman éponyme de Tatiana de Rosnay, dont on se souvient qu'il fût un best-seller. Par chance, il faut reconnaître à Gilles Paquet-Brenner qui, coup sur coup, avait produit deux navets, d'avoir su se ressaisir et nous offrir aujourd'hui une oeuvre mâture à l'imagerie sobre et pudique. Film sur la culpabilité et la quête d'un pardon que l'on a bien du mal à susciter,  Elle s'appelait Sarah  raconte l'histoire d'une journaliste américaine installée en France, Julia Jarmond, chargée d'enquêter sur l'épisode dramatique de la rafle du Vel'd'Hiv, à la suite de la position que le Président de l'époque, soit Jacques Chirac, avait choisi d'assumer sur la part de responsabilité qui incombait à l'état français et qui va progressivement s'investir personnellement dans cette enquête. Pour quelles raisons ?  Simplement, parce que, ce qui ne devait être qu'un article se transforme en un enjeu personnel, une prise de conscience de l'horreur de la shoah, et surtout le dévoilement de l'implication de sa propre belle famille dans le destin d'une famille juive sacrifiée. Les scènes se succèdent entre épisodes du passé et du présent et s'emboîtent sans fausse note les unes dans les autres, donnant à cet opus une densité et un intérêt croissant, ainsi qu'un rythme soutenu et bien dosé. Belle réussite que cette construction à deux thèmes, surtout si l'on tient compte des clichés, des invraisemblances et des pièges qui ne pouvaient manquer d'encombrer un tel narratif ; mais Gilles Paquet-Brenner a eu le bon goût et l'habileté de les éviter en partie, nous faisant grâce des boursouflures qui chargeaient lourdement un précédent film sur un sujet semblable :  La rafle.  

 


Kristin Scott Thomas. Hugo Productions

 

Le film doit beaucoup, d'une part, à l'interprétation magistrale de Kristin Scott Thomas, émouvante d'un bout à l'autre, nous donnant à comprendre et à partager le cheminement qui va changer sa vie et conférer à celle-ci un autre sens, d'autres perspectives, la faisant naître à elle-même comme une femme différente, plus responsable, plus humaine et, d'autre part, à celle de Mélusine Mayance, la petite fille qui incarne Sarah enfant de façon sensible et juste. Un film grave et de facture classique, qui n'évite pas totalement les clichés et les poncifs, mais délivre un beau message sur l'importance du devoir de mémoire sans céder à la sensiblerie. Et Dieu sait que, chaque semaine qui passe, nous  propose de nouveaux  devoirs de mémoire, s'entend ! 


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Mélusine Mayance. Hugo Productions

Mélusine Mayance. Hugo Productions

 

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20 septembre 2010 1 20 /09 /septembre /2010 08:20
DES HOMMES ET DES DIEUX de XAVIER BEAUVOIS

Un monastère perché dans les montagnes du Maghreb, dans les années 1990. Huit moines chrétiens français vivent en harmonie avec leurs frères musulmans. Quand une équipe de travailleurs étrangers est massacrée par un groupe islamiste, la terreur s’installe dans la région. L'armée propose une protection aux moines, mais ceux-ci refusent. Devraient-ils partir ? Malgré les menaces grandissantes qui les entourent, la décision des moines de rester coûte que coûte, se concrétise jour après jour.


Ce film s’inspire librement de la vie des moines Cisterciens de Tibhirine en Algérie de 1993 jusqu’à leur enlèvement en 1996.
 

Le dépouillement, la lenteur, l'exigence spirituelle dont le film rend compte, la beauté des paysages sont beaucoup dans sa réussite, sans oublier la remarquable performance des acteurs. D'ailleurs Lambert Wilson avait tenu à expliquer cette justesse de leur démarche à rendre évidente les exigences cisterciennes qui privilégient le silence et la contemplation, sans oublier le travail de la terre, la communion par le chant, l'aide aux démunis, les soins prodigués aux malades et la fraternité avec les hommes, disant :

"Curieusement, cette fusion qu'ont ressentie les moines, nous l'avons aussi vécue. Nous avons fusionné dans les retraites et fait des chants liturgiques. Le chant a un pouvoir fédérateur". Tandis que le metteur en scène confiait à un journaliste : "Sur ce tournage, j'ai passé parmi les deux plus beaux mois de ma vie. Tout était simple, limpide, facile, évident, étrange et beau. Oui, l'esprit de Tibéhirine a soufflé sur nous. Il existe. J'espère qu'il touchera le Festival et fera du bien à tous".

 

Pari tenu. Un film qui vous réconcilie avec le 7e Art, parfois mis à mal par des productions médiocres. Deux heures de mise... en grâce. Remarquable. Et la présence émouvante d'un acteur qui vient de nous quitter : Michael Lonsdale.

 

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DES HOMMES ET DES DIEUX de XAVIER BEAUVOIS
DES HOMMES ET DES DIEUX de XAVIER BEAUVOIS

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26 août 2010 4 26 /08 /août /2010 09:22
ASCENSEUR POUR L'ECHAFAUD de LOUIS MALLE

                                        

Après avoir débuté dans la mouvance de la Nouvelle Vague, Louis Malle, né le 30 octobre 1932 dans une riche famille de producteurs de sucre, s'en détachera rapidement et affichera une totale indépendance d'esprit. Pendant la guerre, il se trouve dans un collège de Carmes à Fontainebleau et puisera dans ses souvenirs d'une France occupée la matière de ses films sur l'univers de l'adolescence confronté à une actualité brutale, de même qu'à ses problèmes cardiaques et à sa convalescence, l'inspiration d'un film comme "Le souffle au coeur". 


Après des études à l'IDHEC, Louis Malle accompagne pendant trois ans l'équipe du commandant Cousteau pour les prises de vues sous-marines du "Monde du silence" ( 1955 ) qui reste un modèle du genre. Sa carrière personnelle commence en 1957 avec "Ascenseur pour l'échafaud",  un thriller psychologique où il n'est pas sans subir les influences conjointes de Robert Bresson, dont il avait été l'assistant dans  "Un condamné à mort s'est échappé",  et de Hitchcock qu'il admirait comme presque tous les jeunes réalisateurs de l'époque. Avec ce film, réalisé alors qu'il n'avait que vingt-quatre ans, il remporte le prix Louis-Delluc 1957 et enchaîne aussitôt un second film qui fera beaucoup parler de lui :  Les Amants.   Avec son troisième film ,  "Zazie dans le métro",  il va plus loin encore dans l'anticonformisme, tout en conservant une grande maîtrise de la pellicule que certains jugeront trop expérimentale. Dans les années 70, il se fixe aux Etats-Unis et se trouve à nouveau au coeur d'une cabale, comme il l'avait été précédemment avec  "Lacombe Lucien" , ce qui l'avait enclin à quitter provisoirement la France. En effet,   "La Petite"  sèmera l'émoi parmi les censeurs, bien que le sujet, certes très provocant, ait été traité avec doigté, grâce à une habile mise en scène. Si Malle pratique un classicisme fait de pudeur et de sensibilité, il se plait à déranger, faisant en sorte que ses films les plus importants incitent au débat ou du moins au questionnement sur les valeurs morales, abordant des thèmes volontairement contestables ou litigieux  et se retirant au moment de la conclusion, de façon à laisser son spectateur seul juge.

 

Avec "Ascenseur pour l'échafaud", il débute une carrière en dents de scie qui le consacrera comme un cinéaste original et atypique, usant d'une grande maîtrise technique. Le film est inspiré d'un roman sans éclat de Noël Calef ( Echec au porteur ) qu'il impose au romancier Roger Nimier,  malgré son peu d'enthousiasme. Co- scénariste de l'adaptation, ce dernier juge sans grand intérêt ce thriller bâclé. Mais, grâce à la qualité des dialogues, à l'intelligence de la caméra, à l'interprétation de Jeanne Moreau, dont c'était là les débuts, et de Maurice Ronet, enfin à la musique de Miles Davis, le film se révèle saisissant et efficace. Malle, qui a travaillé dans le monde silencieux et clos des fonds sous-marins, nous plonge dans un univers confiné, non seulement celui de l'ascenseur où le héros se trouvera prisonnier pendant un week-end, mais celui de l'enfermement psychologique auquel sont condamnés des personnages voués à une passion sans issue. Ainsi voit-on  Jeanne Moreau  déambuler dans un Paris nocturne, isolée dans sa détresse comme l'est son amant dans l'ascenseur. La voix off, qui est sensée être sa voix intérieure, répète inlassablement les mêmes phrases tel un lamento, la cantate affolée du désespoir.


Jeanne Moreau. Nouvelles Editions de Films

 

Jeanne est Florence Carala, l'épouse d'un industriel en armement pour lequel Julien Tavernier (Maurice Ronet)  travaille. Or Julien est l'amant de Florence et  leur passion est si forte, si grand leur désir de la vivre au grand jour, qu'ils décident de supprimer l'encombrant mari. Julien va s'en charger et planifie le crime parfait à un détail près : il a laissé sur les lieux un indice compromettant, la corde qui lui a permis d'accéder au bureau de son patron. Alors qu'il retourne dans l'immeuble récupérer l'objet, l'ascenseur tombe en panne et va le retenir dans la cabine durant tout le week-end. Florence, qui l'attend dans un café voisin, s'affole et erre dans les rues, supputant les hypothèses les plus délirantes. Pendant ce temps, un couple de jeunes malfrats en goguette vole, devant la porte de l'immeuble, la belle décapotable que, dans sa hâte, Julien a garée le long du trottoir le moteur allumé. Le scénario s'accélère ensuite et enchaîne les rebondissements qui conduiront Julien à être démasqué, jugé, condamné et mené à l'échafaud. Sur ces images, d'autant plus sombres que le film est tourné en noir et blanc, le trompettiste Miles Davis improvisa en direct une musique inoubliable qui donne au film une part de sa force et de son impact. Avec la cavale des jeunes délinquants, Malle annonce le style de la Nouvelle Vague qui émergera l'année suivante avec  "Le beau Serge"  de Chabrol et  "A bout de souffle"  de Godard.
 

Malgré cela, le film fut jugé sévèrement par ces cinéastes débutants, dont certains avaient la dent dure et ne craignaient pas d'afficher des opinions à l'emporte - pièce dans les fameux Cahiers du Cinéma, pour deux raisons : son classicisme excessif et son refus du pittoresque. Si bien qu'ils firent en sorte que Malle fut, en quelque sorte, étranger aux innovations de l'époque. Et il est vrai que le réalisateur a toujours fait cavalier seul, se refusant à subir les influences et à suivre les modes, affirmant, au fur et à mesure de sa production, une écriture cinématographique très personnelle.
 

Enfin je ne voudrais pas conclure cet article sans mentionner le jeu des deux principaux interprètes qui trouvent, l'un et l'autre, des rôles à la mesure de leur talent. Jeanne Moreau, dont c'était les débuts - elle enchaînera aussitôt avec le second film de Malle : "Les Amants"  dévoile d'ores et déjà la palette de ses dons qui fera d'elle l'une des plus grandes actrices de sa génération. Le metteur en scène aime à s'attarder sur son visage sans maquillage, ravagé par la passion et le désespoir, qu'elle exprime avec une sensibilité frémissante. Quant à Maurice Ronet, il habite son rôle avec le pessimisme, l'ironie qui feront de lui l'une des figures les plus attachantes des années 50. " Ma génération a été mise en contact très jeune avec la dérision de certains sentiments et de certaines idées. J'avais dix-sept ans à la fin de la guerre, je n'ai pas eu à prendre parti. Je ne serai jamais un ancien combattant. Cette disponibilité, qui rend marginal, engendre l'humour, un humour peut-être désespéré " - disait-il.


C'est justement le rôle d'un ancien combattant, officier parachutiste rendu à la vie civile, qu'il est chargé de camper dans "Ascenseur pour l'échafaud", personnage auquel il confère une résignation pathétique devant l'inéluctable. Le film de Louis Malle traduit avec une intuition remarquable le malaise qui, à l'époque, commençait à s'insinuer dans certains esprits : la France venait de perdre l'Indochine, l'empire se désagrégeait et la guerre d'Algérie s'enlisait dans l'impasse. Aussi, grâce aux dialogues percutants de Roger Nimier, Maurice Ronet incarne-t-il, avec un naturel confondant, cet homme dont le système de valeurs est en train de s'effondrer, le laissant seul et sans défense devant les pièges des sentiments.

 

Pour lire l'article consacré à Jeanne Moreau, cliquer sur son titre :    JEANNE MOREAU 

 

Et pour consulter la liste complète des articles de la rubrique CINEMA FRANCAIS, cliquer sur le lien ci-dessous :

 

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  • Auteur de treize ouvrages, passionnée par les arts en général, aime écrire et voyager.
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