"Barry Lyndon" de Stanley Kubrick est un film d'une rare richesse visuelle. Chaque scène, chaque image sont dignes d'un grand maître de la peinture, tant au niveau des costumes (somptueux), des décors (qui le sont tout autant) et de l'exceptionnel travail sur les couleurs et la lumière. L'emploi de torches et de bougies crée très souvent des halos irréels qui contribuent grandement à la magie qu'il exerce. Cela a été possible grâce à l'évolution de la technique et, en particulier, de l'optique, ainsi que du traitement de la pellicule en laboratoire. Il n'en reste pas moins que le travail du chef opérateur John Alcott a fait date et fut récompensé par l'un des quatre Oscars qui couronna cette oeuvre. Enfin la musique est très présente. Pour cela, l'auteur a fait appel à Bach, Haendel, Mozart, Schubert, Vivaldi et l'ensemble contribue harmonieusement au ravissement de l'oreille. Par conséquent un long métrage qui enchante par son extrême beauté esthétique et se révèle être une adaptation exemplaire du roman de Thackeray, auquel Kubrick s'est montré fidèle comme il l'avait été avec "Lolita" de Nabokov ou "Orange mécanique" de Burgess.

Film à part néanmoins dans sa production cinématographique, car sans portée morale, psychologique ou politique, mais probablement son chef-d'oeuvre ( le monument du genre historique ) par sa perfection rigoureuse dans la restitution de l'atmosphère de l'époque ( on pense à Gainsborough et à Constable ) et le plus touchant et humain dans le déroulement de son intrigue et le portrait psychologique des principaux protagonistes. D'autant plus humain que ce récit d'apprentissage est digne des plus grandes oeuvres littéraires ( comment ne pas évoquer Stendhal  !) et synthèse idéale entre toutes les formes de l'art. Y contribuent, en partenariat, le cinéma par son mouvement, la peinture par ses plans sophistiqués, la musique qui berce et emporte - grand merci à Schubert plus spécialement - auxquels s'ajoute une construction dramatique qui ne sombre jamais dans le pathos et se nourrit des résonances émises par la complexité humaine des divers personnages.

L'Irlande dépeinte est celle du XVIIIe siècle. Ambitieux et naïf, le jeune Barry est bien décidé à s'élever dans l'échelle sociale mais, épris de sa cousine Nora, qui en préfère un autre, il provoque son rival en duel, si bien que sa victoire signe son exil et que, d'aventure en aventure, il se retrouve enrôlé dans l'armée britannique. Déserteur, il est rattrapé par les Prussiens et contraint d'espionner un compatriote irlandais : le chevalier Baribari. Les deux hommes s'enfuient et, pour survivre, s'adonnent au jeu, en trichant bien entendu, et en provoquant les mauvais payeurs en duel. Cynique et corrompu, Barry parvient cependant à séduire une jeune veuve très belle qu'il épouse, la comtesse Lyndon, avec laquelle il aura un fils et qui lui assurera, non seulement une position sociale enviable, mais la jouissance d'une immense fortune. Mais le rustre irlandais ne saura garder ni l'une, ni les autres. Il trompera sa femme et s'attirera la haine de son beau-fils qui le provoquera en duel. La déchéance suivra : il verra mourir son fils Bryan, sombrera dans l'alcoolisme avant de perdre une jambe et d'être banni d'Angleterre. Ryan O'Neal prête toute sa fougue au personnage d'un naïf ambitieux devenu, au contact du monde et des hommes, un débauché brutal et paillard, tandis que Marisa Berenson traverse le film de son élégante fragilité. L'un des sommets du 7e Art de par une magnificence rarement égalée.

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STANLEY KUBRICK OU LE REGARD CAMERA

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LISTE DES FILMS DU CINEMA EUROPEEN ET MEDITERRANEEN

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J’avais raté la sortie de cet opus en 2004, aussi ai-je sauté sur l'occasion de le découvrir l’autre soir sur Arte. Je n'ai pas été déçue.

En 1665, dans la ville hollandaise de Delft, une jeune fille de 17 ans, Griet, est engagée comme servante dans la demeure de Johannes Vermeer. Le peintre vit avec sa femme Catharina, ses nombreux enfants et sa belle-mère Maria, qui dirige la maisonnée d'une main de fer. Discrète et soumise, Griet est vite fascinée par le travail de son maître, dont elle est chargée de nettoyer l'atelier. Attiré par la beauté de la jeune femme, Vermeer en fait son assistante, lui demandant d'acheter et de mélanger ses couleurs. Il accueille même avec intérêt les remarques de la jeune servante au sujet de ses compositions picturales et finit par lui demander de poser pour un portrait. Mais l'œuvre devra être exécutée en secret pour ne pas éveiller la jalousie de Catharina. Appelé  soit "Jeune fille au turban", soit "Jeune fille à la perle", le célèbre tableau de Vermeer, qui a servi d'inspiration au roman de Tracy Chevalier (d'où est tiré le scénario), est parfois surnommé la Joconde du Nord. L'histoire de sa création, telle qu’elle est racontée ici, est en grande partie fictive. En effet, si bon nombre de détails évoquant la vie familiale de Vermeer sont authentiques, le personnage de la servante a été inventé par l’auteur du roman et ne fait qu’ajouter au charme de l’œuvre picturale. C'est à travers le regard attentif, admiratif, parfois troublé et effarouché de cette jeune fille sensible à l'art que le spectateur est invité à pénétrer dans l'intimité créatrice d'un des peintres les plus fascinants du XVIIe siècle, celui que Marcel Proust considérait comme son peintre préféré. L'intrigue elle-même demeure mince, mais le film est riche en observations sur la hiérarchie sociale et son cloisonnement à l’époque, sur les détails psychologiques subtilement allusifs de la relation qui se tisse entre le peintre et son modèle. Il faut dire aussi qu'au-delà de son récit, l’opus a le mérite de plonger le spectateur dans l'atmosphère du temps et qu’il est merveilleusement servi par le travail  remarquable du directeur de la photographie Eduardo Serra.

Néanmoins, Peter Webber devait faire face à deux difficultés majeures. En adaptant le roman de Tracy Chevalier, le réalisateur risquait de passer à côté du raffinement et de la délicatesse du roman. Le second enjeu est inhérent au cinéma et à la peinture : comment rendre compte du génie pictural de Vermeer qui réside justement dans son sens aigu de la lumière et des accords chromatiques ? Or, c’est dans ce registre qu’excelle Peter Webber dont la reconstitution de l’atmosphère et des détails de l’époque est remarquable et nous offre une suite de scènes de la vie quotidienne flamande éblouissante. Par petites touches, le réalisateur se glisse dans l’antre de la création, distillant les reconstitutions des œuvres les plus connues du maître hollandais. La caméra traite son sujet comme le ferait un pinceau  et nous offre des images d’une harmonie rare, au point que certaines scènes s’élèvent comme de purs instants de grâce. Et si le réalisateur ne parvient pas aussi subtilement que dans le roman à teinter de romantisme et de tension charnelle la relation entre la muse et l’artiste, l’interprétation touchante et délicatement nuancée de Scarlett Johansson  et le flegme de Colin Firth illuminent La jeune fille à la perle que l’on contemple avec la même fascination que le tableau original, tant le sujet semble avoir pénétré le tableau.

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Adapté du roman éponyme à succès (écrit par Mary Ann Shaffer et Annie Barrow), ce film nous fait voyager dans le temps et nous renvoie directement en 1946, peu après la Seconde Guerre Mondiale. On y retrouve Juliet Ashton (Lily James), auteure et journaliste britannique en manque d’inspiration. Un jour, la jeune femme reçoit une lettre d’un homme, un certain Dawsey Adams, agriculteur et éleveur de cochons, interprété avec retenue et sensibilité par Michiel Huisman qui se dit membre d’un mystérieux club de lecture : le Cercle littéraire des amateurs d’épluchures de patates ! Curieuse d’en savoir plus à propos des gens qui y sont décrits, et espérant y trouver peut-être une nouvelle source d'inspiration, la jeune femme - qui vient de se fiancer à un riche américain - découvre un monde clos sur lui-même mais infiniment touchant et authentique, si bien que Juliet décide  d’aller à la rencontre de ces personnes et d'en apprendre davantage sur les épreuves qui les ont irrémédiablement marqués.

En apparence, et en apparence seulement, ces personnages singuliers n’ont rien en commun, mais la guerre de 39/45, l'occupation allemande, les exécution sommaires ont su les rassembler et en faire une famille soudée, d'autant que pour échapper à l'insupportable réalité, ils se sont réfugiés dans la lecture et imaginés ce club littéraire comme échappatoire aux pressions et surveillances que certains d'entre eux subissent. Un sombre mystère plane néanmoins sur le groupe. Mystère qui a bouleversé leurs vies et s'apprête à  bouleverser celle de Juliet.
 

Si l’histoire d’amour naissante entre Juliet et Dawsey ne nous surprend guère, elle est vite relayée au second plan par l’intrigue centrale du film. En effet, les découvertes de plus en plus importantes, que l’héroïne est amenée à faire, nous attachent aux profils divers des protagonistes bien cadrés et d'une dimension très humaine, campés par des acteurs dont certains ont participé à la série de "Downton Abbey" dont Jessica Brown qui endosse une fois encore le rôle d'une jeune femme qu'aucun danger ne décourage, Penelope Wilton qui joue celui d'Amelia, la résidente qui a perdu sa fille, et Lily James elle-même qui interprète le rôle principal, la jeune auteure en quête de sujet, chacun d'eux sachant insuffler à son personnage un caractère authentique et touchant. Un film fondé, par ailleurs, sur l'importance des relations humaines et de la littérature - la meilleure des évasions à l'heure du numérique - contribuant à surmonter les pires épreuves de l'occupation et de la guerre, film qui surfe sur le sensible, le vrai et le tendre, ce qui n'est pas du goût de certains qui lui préfèrent la violence et le sexe et que ce film fait sourire. Une grande partie de la critique n'a-t-elle pas jugé ce dernier entaché de sensiblerie, le taxant de bluette mièvre et sans saveur, alors qu'il a su miser sur la vraie vie qui est celle du coeur et de l'altruisme, même s'il cède à d'indéniables facilités. Au scénario, fidèle au roman et aux personnages sympathiques qui l'animent, j'ajouterai la beauté des paysages qui nous ouvre à des horizons tout aussi sympathiques et reflète une nature encore préservée des outrages infligés par ce que l'on qualifie volontiers de ... progrès.

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Quelle idée magnifique d’avoir choisi pour thème celui d’un homme seul confronté à un choix terrible qui met en perspective l’avenir de son pays et ne lui accorde que deux possibilités : céder aux sirènes de la soumission ou résister ! Ces heures sombres sont celles traversées par l’Angleterre du 9 mai 1940 au 4 juin de la même année lorsque Winston Churchill, nommé premier ministre, retourne le pays et la chambre, obtient le soutien du roi Georges VI et décide d’affronter l’ennemi plutôt que d’accepter, comme le désiraient Neville Chamberlain et lord Halifax, de négocier avec lui. Ce sont par conséquent ces heures lourdes de conséquences que relate Joe Wright, d’après le scénario d’Anthony McCarten, dans un opus qui a su unir avec finesse et subtilité la grande histoire et la sphère plus intime d’un homme confronté à un gigantesque défi.

A l’époque Churchill est très critiqué. Il est considéré comme un politicien brouillon qui «  a cent idées par jour, dont 96 sont désastreuses », et « n’a qu’une seule conviction : lui-même ». Mais il a pour lui la vitalité, une énergie indomptable, l'intelligence et surtout l’art de convaincre par les mots. «  Nous irons jusqu’au bout. Nous nous battrons en France, nous nous battrons sur les mers et sur les océans, nous nous battrons dans les airs avec une force et une confiance croissantes, nous défendrons notre île quel qu’en soit le prix, nous nous battrons sur les plages, nous nous battrons sur les terrains d’aviation, nous nous battrons dans les champs et dans les rues, nous nous battrons dans les collines. Nous ne capitulerons jamais. » - dira-t-il lors de son discours du 4 juin à la chambre des Communes.
 

Gary Oldman est absolument stupéfiant de réalisme et surtout de sensibilité dans le rôle d’un homme en proie au doute, à la complexité d’une situation inextricable où se joue  la survie d’une nation. Il confère à son personnage, fragilisé par son passé et les responsabilités écrasantes qui lui incombent, une humanité bouleversante. A ses côtés sa femme  (interprétée par Kristin Scott Thomas) dont le soutien indéfectible lui est si précieux et bientôt celui du roi, remarquablement campé par Ben Mendelsohn, qui l’épaulera durant toute la guerre, demeurant sur place au palais de Buckingham avec son épouse. Mais Churchill le sait : rien ne peut se faire sans l'appui du peuple et c’est à lui qu’il va demander de l’aide, à lui qu’il ne cessera de rendre des comptes durant les pires moments des bombardements, auprès de lui qu’il se tiendra en permanence. Une magnifique scène, qui se déroule dans le métro londonien et qui est totalement imaginée par le scénariste, montre la solitude de l’homme de pouvoir qui vient chercher auprès des petites gens – dont il prend ainsi le pouls - le réconfort dont il a besoin à la veille de prendre une décision qui engage à jamais le pays. Ainsi grâce à des scènes intelligentes et une interprétation remarquable, le film sert avec souffle et ampleur la ténacité de cet homme seul face au destin tragique qui menace sa nation. A une époque où trop souvent les gouvernements cèdent aux sirènes  de la facilité et de la démagogie, ce très beau film est une magnifique réponse aux valeurs de courage et de résistance confrontées aux accommodements avec la barbarie.

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C'est sans doute avec "Talons aiguilles" en 1992 qu'Almodovar trouve la consécration. Il s'agit avec ce film d'une évolution enfin apaisée qui correspond à une plus grande stabilité de la part du réalisateur. On y sent poindre d'ailleurs plus de mélancolie, d'amertume et de regrets, et une sorte de désenchantement lucide a envahi la pellicule. Après des années passées à l'étranger, une chanteuse Becky Del Paramo revient à Madrid, se sachant atteinte d'une grave maladie cardiaque et y retrouve sa fille Rebecca qu'elle a sacrifiée à sa brillante carrière et perdue de vue depuis sa petite enfance. Rebecca est aujourd'hui une jeune femme active, présentatrice d'un journal télévisé et épouse d'un directeur de chaîne, Manuel, qui fut autrefois l'amant de Becky et dont la maîtresse en vogue est désormais Isabel. Tiraillée entre son amour et sa rancune à l'égard de cette mère si absente, Rebecca se console auprès d'un travesti. Peu après, Manuel est assassiné et le juge Dominguez convoque les trois suspectes : Becky, Rebecca et Isabel. Le soir même, Rebecca annonce au journal télévisé qu'elle est la meurtrière. Mais sa mère, bouleversée par cette révélation et consciente de sa dette envers sa fille, décide d'endosser la responsabilité du crime. Elle mourra peu après, s'étant réconciliée avec elle et toutes deux ayant trouvé enfin la voie de l'apaisement qui permettra à Rebecca d'entrevoir son avenir plus sereinement.

Ce thème avait déjà été abordé par Bergman dans sa poignante "Sonate d'automne", mais avec Almodovar l'intrigue se plait à flirter avec l'émotion véhiculée par les personnages en plein conflit intérieur autant qu'avec le burlesque et le polar, sans que ce mélange nuise vraiment à l'unité du narratif. Voilà donc un drame qui se laisse gagner par des situations hilarantes et par une verve insolente et iconoclaste chère au cinéaste. Celui-ci ne craint pas de secouer ses images dans un shaker et à utiliser au mieux le talent de ses actrices: Abril et Parades. Une des œuvres marquantes du réalisateur espagnol.

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