Comprenant qu'il n'avait pas un grand avenir d'acteur, Gérard Oury eut la sagesse de se tourner vers une autre activité, celle de metteur en scène, où il excellera. Cet homme intelligent et cultivé avait un oeil imparable pour déceler nos ridicules. On sait que le comique est le propre de l'homme, lié principalement à ce qui est de l'ordre de l'humain. Un objet ne fera pas rire par lui-même, un paysage non plus. Et on ne rira de l'animal que s'il présente, par une attitude ou une expression, une similitude avec l'homme. Gérard Oury sut utiliser les ressources du comique avec économie, sans céder à la vulgarité. Il eut également le mérite de choisir ses acteurs et les associer en des duos percutants. On ne peut oublier le couple formé par Louis de Funès et Bourvil ; pas davantage par le duo Montand/de Funès. Peu d'échec dans sa filmographie. Par contre, des pages d'anthologie et quelques chefs-d'oeuvre inénarrables d'humour, où les tics des uns, les bons mots des autres, la naïveté de certains, le caractère agité et outrancier de quelque autre déclenchaient notre hilarité. Il est vrai qu'il est plus aisé d'émouvoir que d'amuser. Alors que l'émotion est près du coeur, le rire est proche de l'intelligence, au point d'avoir les moyens d'éduquer nos moeurs. Il y a chez l'auteur d'une pièce ou d'un film comique un pédagogue et un moraliste qui sommeillent. Le comique n'est ni le laid, ni le mauvais, ni le méchant. A l'instar de la caricature, il souligne nos travers, nos manquements, nos désaccords, nos étourderies, nos vanités, nos lourdeurs, nos inconséquences, nos manies, nos avarices, nos travestissements, sans être malveillant. Le personnage comique est le plus souvent pétri de jovialité et de bonhomie, au point de susciter notre sympathie et de faire de nous son complice. Enfin le rire exerce une fonction psychologique. Il nous détend et resserre nos liens avec autrui, tant il est vrai que nous nous plaisons à rire ensemble. On rit rarement seul. Le rire est éminemment social. Ne dit-on pas " Plus on est de fous, plus on rit" ?

Né à Paris en 1919, le cinéaste eut la chance d'avoir une mère journaliste qui l'introduisit très tôt dans le milieu artistique. Comme je l'écrivais plus haut, il ne fut pas un acteur de premier plan, bien qu'il ait fait le conservatoire, suivi  les cours de Louis Jouvet et été pensionnaire de la Comédie Française. Dans le même temps, il se tournait  vers le cinéma où on lui confia plus volontiers des rôles de personnages cyniques et antipathiques, ce qui dut le lasser, car il passera bientôt derrière la caméra - pour épater la femme qu'il aimait - Michèle Morgan, dira-t-on - et trouver sa véritable voie. Sa carrière de metteur en scène sera, contrairement à celle d'acteur, éblouissante et son ascension irrésistible, au point qu'une grande partie de ses films figurent dans la plupart des vidéothèques. Ce seront bien sûr  Le Corniaud, La grande vadrouille, La folie des grandeurs, Rabbi Jacob, L'as des as, parmi les meilleurs, jalonnant un parcours exceptionnel et, ce, dans un registre particulièrement casse-cou : la comédie. On sait aussi l'importance qu'aura pour lui sa rencontre avec Louis de Funès, comédien peu connu à l'époque, qui devait l'inciter, après quelques essais dans le domaine du film noir comme  La menace  ou  Le crime ne paie pas,  à exploiter sa veine comique qu'il avait immédiatement décelée. Le 11 mars 1998, Gérard Oury sera élu membre de l'Académie des Beaux-Arts, au siège anciennement occupé par René Clément, et reçu avec les honneurs qui accompagnent cette intronisation par Pierre Schoendoerffer. En 2001, devenu presque aveugle, il dictera un livre de souvenirs et d'anecdotes publié sous le tire : "Mémoires d'éléphant" (Plon). Il meurt à Saint-Tropez le 20 juillet 2006 à l'âge de 87 ans, après une vie qu'il considérait comme celle d'un laborieux comblé.

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LOUIS DE FUNES           BOURVIL      

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Le roi de Suède vient de mourir sur le champ de bataille de Lutzen et sa fille Christine, qui lui succède, n'est encore qu'une enfant. Le fidèle Axel Oxenstierna sera son conseiller. Les années passent et la jeune reine manifeste très vite des qualités d'intelligence exceptionnelles, tout en devenant une femme d'une extrême beauté. Elle s'éprend de Lord Magnus et souhaite assurer la paix de son pays, principalement avec la Russie. Les gens de son royaume aspirent à ce qu'elle épouse le prince Charles Gustave, dont les victoires militaires ne se comptent plus. Mais Christine fait la connaissance de Don Antonio de La Prada, ambassadeur d'Espagne, venu demander sa main pour le compte du roi Philippe  II d'Espagne. En sa compagnie, et sans se dévoiler, elle passe  une nuit passionnée dans une auberge et, par la suite, la jeune femme est si vivement éprise qu'elle ose braver l'opinion et tente d'imposer Don Antonio comme prince consort. Malheureusement son peuple, dressé contre elle par Lord Magnus, manifeste son opposition. La reine, n'écoutant  alors que ses sentiments, préfère abdiquer plutôt que de renoncer à son amour. Les amants ont le projet de se retrouver sur un navire qui les emmènera loin de la Suède, cependant que Magnus, fou de jalousie,  provoque  Don Antonio en duel et le blesse mortellement. L'ambassadeur viendra mourir dans les bras de la souveraine qui quitte seule le pays. On sait que Christine de Suède finira son existence à Rome.

La reine Christine,  film magnifique, tourné en 1933, eut des débuts difficiles. Après avoir envisagé de confier la mise en scène à Ernst Lubitsch, puis à Sternberg,  Irving Thalberg choisit finalement  Rouben Mamoulian  qui venait de réaliser " Le Cantique des Cantiques " avec Marlène Dietrich. Pour interpréter le rôle de Don Antonio de la Prada, on avait d'abord choisi Laurence Olivier et celui-ci fut engagé ; mais, lors des premières prises de vue, le couple qu'il forme avec la vedette en titre Greta Garbo ne fonctionne pas et ne dégage pas l'aura nécessaire pour rendre crédible leur passion réciproque. Laurence Olivier était peut-être trop jeune, trop inexpérimenté pour jouer à jeu égal avec Greta Garbo, dont la personnalité en imposait d'emblée et galvanisait l'écran. Toujours est-il que, grâce à l'influence de l'actrice, John Gilbert, qui avait été son partenaire dans  La chair et le diable et dans Love, et avec lequel elle avait vécu une liaison amoureuse de plusieurs années, est choisi pour le remplacer. Il faut reconnaître que l'acteur hollywoodien sut composer le personnage de l'ambassadeur avec le panache, l'ironie, le charme et la fougue capables d'évincer n'importe quel rival et rendre compréhensible l'embrasement de la reine. Dès les premiers plans, la splendeur du film s'impose. En quelques images, Mamoulian évoque la bataille de Lutzen et le roi qui meurt résigné, disant au soldat qui l'interroge : Je suis roi de Suède. La scène suivante est celle du serment de fidélité de la jeune Christine. Ensuite le metteur en scène s'effacera devant la personnalité de sa vedette qui campe avec intelligence, élégance, classe et autorité une reine de Suède envoûtante. En effet, le film  nous présente une femme admirable de charme, de mystère, de passion, d'ambiguïté, se plaisant à parler de Vélasquez et de Molière, interrogeant les paysans sur l'avenir de leur pays, affrontant le Parlement et la Cour, se défiant à juste raison de Lord Magnus, contrant l'archevêque lui-même en lui déclarant : " Que faites-vous du Dieu de l'ennemi ? " Volontiers vêtue en homme, la reine crée un style qui va surprendre et choquer l'Europe du XVIIe. Le metteur en scène n'hésite pas à révéler sa bisexualité, ce qui prouve la liberté de ton et de franchise dont il use, faisant fi des réserves que risquaient d'émettre les censeurs d'Hollywood.
 

L'un des plus beaux moments du film se déroule dans l'auberge où la reine, qui ne s'est pas encore fait reconnaître, rencontre l'ambassadeur de Suède et partage avec lui  une nuit d'amour. Christine se lève au petit jour et commence à caresser les objets de la pièce, comme si elle voulait graver à jamais dans sa mémoire les moindres détails, de façon à pouvoir, par la suite, les réactualiser dans sa pensée. Mamoulian s'est lui-même expliqué au sujet de la réalisation de cette scène : "La séquence dans la chambre à coucher de l'auberge, où Christine se déplace tout autour de la pièce, touchant chaque chose, caressant chaque objet, gravant le lieu tout entier dans sa mémoire, est pour moi un véritable sonnet. La scène a d'ailleurs été tournée avec un métronome. J'ai expliqué à Garbo : cela doit être une pure poésie, une pure émotion. Le mouvement doit avoir la grâce d'une danse. Faites comme si c'était de la musique."  

La scène des adieux est également superbe. Ayant en quelques phrases retourné en sa faveur ceux mêmes qui lui refusaient l'union avec un homme qui n'était pas de sang royal, elle n'en décide pas moins de sacrifier son trône pour assurer son bonheur de femme. Elle rend le sceptre et le globe, enlève elle-même sa couronne, dégrafe son manteau d'hermine et part au milieu de ses sujets en larmes. Plus que jamais le romanesque l'emporte sur l'histoire, dans un style flamboyant qui magnifie la liaison tragique de Christine et de Don Antonio de la Prada. Quant à l'ultime scène, elle se passe sur le navire prêt à appareiller.  La dernière scène, a avoué Mamoulian - présentait plusieurs difficultés. J'avais dans l'idée d'aboutir à un gros plan de Garbo à la proue du navire ; mais, à cette époque, cela présentait des difficultés. Bill Daniels, le chef opérateur, déclara que c'était impossible sous peine de perdre le point et d'avoir une image floue. Je me souvins alors de la lanterne magique que j'avais eue, étant enfant, à Tiflis, avec quatre images sur la même plaque. Je suggérai d'appliquer ce principe devant l'objectif. Cela fonctionna parfaitement. Maintenant, naturellement, c'est une pratique courante. Garbo me demanda : Que dois-je faire dans cette scène ? - Je lui ai répondu : Avez-vous entendu parler de la tabula rasa ? Je veux que votre visage soit comme une feuille de papier immaculée. Je veux que ce soit chaque spectateur qui écrive. Je voudrais même que vous fermiez les yeux afin de n'être plus qu'un masque. En fait, il n'y a rien sur son visage mais chaque personne qui a vu le film vous dira qu'elle pense et est émue. Et c'est toujours quelque chose de différent. Chacun écrit sa propre fin du film. Il est intéressant de remarquer que c'est la scène dont on se souvient toujours le plus clairement.

De tous les films de  Greta Garbo,  il est vrai que La reine Christine est celui dont on se souvient le mieux. Le personnage correspondait à sa propre nature, son partenaire, John Gilbert, était l'homme qu'elle avait aimé, le metteur en scène, l'un des plus talentueux de sa génération. Aussi ce film, malgré son âge, exerce-t-il toujours son étrange fascination. Un chef-d'oeuvre.

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LISTE DES FILMS DU CINEMA AMERICAIN ET CANADIEN
 

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Inspiré d'un fait divers américain, l'assassinat en 1906 d'un célèbre architecte Stanford White par l'époux de son ex-maîtresse, une jeune actrice de music-hall, et de  "La fille sur la balançoire " (1955), l'excellent film de  Richard Fleischer,   La fille coupée en deux  de  Claude Chabrol  décrit l'ambition d'une jeune femme, présentatrice météo sur une chaîne de télévision locale, d'abord éprise d'un écrivain en vogue égotique et pervers, puis d'un jeune héritier déjanté et suicidaire, dont les amours partagées aboutiront à un drame trop bien annoncé pour surprendre aucun des spectateurs, et nous immerge dans le microcosme médiato-culturel de la télévision et de l'édition.

Chabrol, qui se considère volontiers comme "l'impitoyable anatomiste des passions humaines",  ne nous fait grâce d'aucune des perversions de ce milieu restreint et nous le dépeint avec une sombre férocité qui, malheureusement, n'échappe pas au trait excessif et caricatural, au point de gâter notre plaisir et de nuire à la cohérence psychologique des personnages. Ce maître du trompe-l'oeil, qui se plait depuis  Le beau Serge  à dénoncer les faux-semblants et les tares de notre société, nous livre ici un scénario trop outrancier, une intrigue qui dégénère assez vite en une farce dans laquelle le fils à papa, dandy de sous-préfecture, campé par un  Benoît Magimel  auquel on en demande trop et qui surcharge son rôle de façon à ce qu'il ne soit plus crédible, coopèrent pour rendre peu vraisemblable cette histoire de séduction et de vengeance. Je suis sortie déçue de cette projection, alors que je m'y rendais sans aucun à-priori, étant une admiratrice du cinéaste dont je considère certains de ses films comme d'incontestables chefs-d'oeuvre.

Là, le savoir-faire de Chabrol, son rythme de découpage incisif et percutant, l'atmosphère qu'il sait créer dès les premières images, moment où le décor, les personnages, les situations se mettent en place, ce talent où se mêlent dérision et subtilité ne fonctionne pas à plein et nous laisse sur une amère déception. On ne retrouve pas le grand Chabrol que nous avons apprécié et dont chacun des films était une leçon du style le plus décapant qui soit. Là, on subit un échantillonnage d'êtres en rupture avec eux-mêmes, figés dans des compositions paroxysmiques dont on ne peut croire qu'elles sont l'ordinaire de notre temps. Seule Ludivine Sagnier  nous touche, lors des premières scènes, quand la jeune fille, qu'elle est sensée représenter, découvre le monde corrompu dans lequel son amant tente de l'entraîner... un moment de grâce.

 

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CLAUDE CHABROL OU UNE PEINTURE AU VITRIOL DE NOTRE SOCIETE

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LISTE DES FILMS DU CINEMA FRANCAIS

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Plus âgé que Truffaut et Godard auxquels on le rattache volontiers, Eric Rohmer, de son vrai nom Maurice Schérer, est né à Nancy en 1920. Il débute sa carrière, au lendemain de la guerre, dans la critique de cinéma, écrivant dans La revue du cinéma, Les temps modernes, La gazette du cinéma et Les cahiers du cinéma dont il sera le rédacteur en chef à la mort d'André Bazin de 1958 à 1963. Son oeuvre critique, réunie en un volume sous le titre" Le goût de la beauté", est l'une de celle qui a eu le plus d'influence pour définir la pensée cinématographique à partir des années 50. Plus profond et moins tapageur que Godard, il eut à coeur de défendre Renoir et Rossellini alors très attaqués, et sut se battre pour l'émergence d'un cinéma méritant pleinement sa place de 7e Art.  Il commença par réaliser des courts métrages dont "Véronique et son cancre" en 1958, où l'on trouve déjà l'essentiel des qualités d'humour, d'intelligence, d'ironie qui le distingueront et auquel s'ajoute un savoir-faire indiscutable. Ce fut en 1963 qu'il signe son premier long métrage "Le signe du lion", produit par son ami Chabrol. Ce film n'eut hélas aucun succès auprès du public, d'autant qu'il avait été tourné avec des acteurs peu connus ; néanmoins quelques connaisseurs le considéreront d'emblée comme une promesse d'avenir. Ennemi de la provocation et de la facilité, Rohmer amorce avec ce premier film une démarche personnelle, faite de rigueur et d'un souci évident d'esthétique, ce qui n'était pas toujours le fait des débutants de l'époque. Cet échec l'obligea à travailler un certain temps pour la télévision. Après cette période, où il se consacre à des films scolaires et, dans un ensemble d'émissions sur les cinéastes de notre temps, à une étude sur Carl Dreyer, il reprend le long métrage avec un projet ambitieux, celui des "Six contes moraux".



C'est avec "La collectionneuse" en 1967 que l'on découvre enfin l'ampleur de son talent, sa qualité d'écriture, la beauté de ses images, avant qu'il ne s'impose de façon éclatante avec ce que je considère comme son chef-d'oeuvre : "Ma nuit chez Maud". Ce film ralliera à Rohmer les derniers hésitants, désorientés un moment par  la diversité brouillonne de ses propos. Avec "Ma nuit chez Maud", il impose un ton, un dépouillement quasi janséniste. Bien qu'appartenant à la série des "Six contes moraux", ce film s'en détache par sa gravité particulière. Elle réside dans le sujet lui-même et un grand nombre de dialogues. Bien que non dénué d'humour et même de drôlerie, principalement lors du tête à tête embarrassé de Maud et du narrateur, le film, de par sa structure, relève davantage du récit classique que de la comédie et ceci davantage encore qu'il est raconté à la première personne et au présent, ce qui est une prouesse qui n'avait jamais été tentée à l'écran et démontre l'audace et l'esprit d'innovation du cinéaste. C'est ainsi dans une sorte de présent-passé que se déroule le film et l'effet de décalage, qui en résulte, contribue à créer un climat d'étrangeté ; de même que l'histoire s'accompagne de son propre commentaire, initiative supplémentaire de la part de Rohmer. Les héros sont des intellectuels et, d'ailleurs, s'expriment comme tels. Les entretiens sur Pascal et son défi, sur la probabilité et la grâce sont ceux d'un auteur à part entière. Rohmer n'élude aucune difficulté et va jusqu'au bout de sa démonstration comme un artiste complet, associant la valeur du texte à celle de l'image, sans être jamais ni ennuyeux, ni pédant. Pour une fois, un cinéaste intellectuel ose faire un film qui lui ressemble et l'on découvre que le résultat est tout simplement passionnant. En cela, Rohmer se rappoche d'un Renoir et d'un Rossellini qui avaient tenté l'expérience sans aller aussi loin, car Ma nuit chez Maud réussit une synthèse encore plus aboutie que celle envisagée dans Le Fleuve (195O) et Le voyage en Italie (1954). Comme chez ces deux cinéastes auxquels il se rallie avec cette oeuvre, Rohmer soigne sa mise en scène qui, à force de maîtrise, devient transparente et toute entière consacrée au contenu, car ce qui compte est l'écriture serrée du scénario, la pertinence des dialogues et le caractère des personnages. A ces derniers, le cinéaste confère un degré d'existence rare, que le choix des interprètes porte à un paroxysme d'excellence. Jamais Trintignant n'a été meilleur que dans le rôle de l'ingénieur catholique qui cache ses tourments sous une assurance factice, plus convaincante Marie-Christine Barrault dont le visage rayonnant dissimule ses secrets et ses ombre, plus séduisante Françoise Fabian en femme épanouie, maîtresse d'elle-même et d'une classe folle et, plus efficace et horripilant un Antoine Vitez en parfait intellectuel, dialecticien agile et passablement verbeux. Film très "milieu du siècle" comme Rohmer le dit lui-même, qui utilise pleinement les ressources du noir et blanc, "Ma nuit chez Maud"  illustre à la perfection le monde poétique de son auteur. " Quand je filme - a confié Rohmer lors d'un entretien avec Les Cahiers du cinéma - je réfléchis sur l'histoire, sur le sujet, sur la façon d'être des personnages. Mais la technique du cinéma, les moyens employés me sont dictés par le désir de montrer quelque chose." Sur ce plan, il a parfaitement atteint son but, réalisant en un seul film une impressionnante synthèse sur les questions essentielles qui se posent à l'homme d'aujourd'hui. Mauriac n'est pas si loin.

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ERIC ROHMER OU UN CINEMA DE LA PAROLE               JEAN-LOUIS TRINTIGNANT

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Les siècles se succèdent sans que les choses changent autant que nous le supposerions. Sous Louis XVIII, il était tout aussi difficile de concilier les Français que cela ne l'est aujourd'hui. Au XIXe siècle, il y avait les royalistes et les autres, comme il y a de nos jours la droite et la gauche, et ce monde ne marche nullement du même pas. Lorsque Lucien de Rubempré quitte sa province et l'imprimerie familiale au bras de sa protégée la belle Louise de Bargeton (Cécile de France), l'expérience se révèle cruelle à ce jeune homme de 20 ans. Paris n'est pas la province et n'entend pas accueillir ce poète désargenté, et dont la particule n'est nullement celle de son père, avec l'enthousiasme qu'il supposait. De même ses vers, aussi charmants soient-ils, ne susciteront pas l'enthousiasme. Dans ce Paris où se font et se défont les réputations, celle de Lucien sera très vite mise à l'épreuve. Sa poésie fait sourire par sa trop tendre fraicheur et ses ambitions ne sont pas portées, hélas ! par un nom de famille à la consonance irréprochable, ce Rubempré n'est jamais que celui de sa mère qui a perdu son aura en épousant un roturier sans panache, dirigeant une modeste imprimerie d'Angoulème.

Adaptant la seule partie centrale du roman de Balzac, le réalisateur privilégie une mise en scène superbe de la vie parisienne sous Louis XVIII, constellée par une galerie de personnages hauts en couleur et fort représentatifs d'un temps où l'existence semblait partager les mêmes faiblesses qu'aujourd'hui. Soit les tentations sociales et les extravagances comme la corruption, la polémique, la rumeur, les fausses informations, nous ne sommes pas loin des titres de nos journaux contemporains et il est visible que Giannoli se plaît à les souligner et à les mettre en images, nous offrant une ample fresque qui disséque les principales faiblesses de cette époque. Mais il est vrai aussi que la démonstration est trop constante et les clins d'oeil trop excessifs sur les fautes et compromissions contemporaines. Cela prive le film d'une légèreté qui nous aurions probablement appréciée et charge le tempo d'un exposé à bien des égards alourdi  par ces rappels. Mais nous devons admettre que Xavier Giannoli a le sens de la mise en scène. Je l'avais remarqué dans son précédent opus "Marguerite" et, à nouveau, il nous emporte par la nervosité de son rythme et un sujet d'une implacable cruauté. Quant aux acteurs, ils savent proférer avec éclat des répliques provocantes et cinglantes. Une mention spéciale pour le jeune Benjamin Voisin qui prête à son personnage une sensibilité encore embrumée de naïveté. Film plus spectaculaire qu'émouvant, il n'en est pas moins une adaptation réussie d'une page chargée d'incroyables intuitions de la part d'un des nos écrivains phares, Honoré de Balzac, qui avait la nostalgie de la bienveillance et d'un reste de pureté originelle.
 

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